"Caliente" (1976) de Gato Barbieri

Leandro 'Gato' Barbieri es, probablemente, el segundo artista de jazz argentino más conocido, únicamente superado por Lalo Schifrin. Su historia se ha escrito como un va y viene constante entre su tierra, Argentina, y su patria adoptiva, E.E.U.U.. Su carrera ha sufrido algo parecido ya que comenzó tocando ritmos latinos tradicionales, pero pronto descubrió el jazz y durante los años 60 se interesó por su faceta más vanguardista grabando algunos trabajos como su "Obsession" de 1967 en la linea más free. A principios de los 70, predominó en su música la fusion del jazz y la música latina. Pero a mediados de esa misma década firmó com A&M Records, la discográfica de Herb Alpert, y su música dió un nuevo giro orientándose hacia el smooth jazz e incluso algo de pop. Pero lo cierto es que la calidad y el sonido cálido y absolutamente inconfundible de este extraordinario saxofonista ha dejado una fuerte huella y su influencia en las nuevas generaciones no ha parado de crecer en los últimos años.

Barbieri nació en la provincia argentina de Rosario un 28 de noviembre de 1932. Aunque en su familia hubieron bastantes músicos, no se interesó por ningún instrumento hasta los 12 años, momento en el que escuchó por primera vez "Now's the Time" de Charlie Parker. El tema le impresionó tanto que inmediatamente decidió aprender a tocar el clarinete.
En 1947 su familia se traslada a Buenos Aires donde sigue con sus estudios de música y poco después comienza a tocar el saxo alto y se une a la banda del gran Lalo Schifrin . Fué esta experiencia la que le permitiría alcanzar el nivel necesario para dar el salto y montar su propia banda ya a finales de los años 50.

En 1962 se traslada a vivir a Roma con su mujer, italiana de nacimiento. Al año siguiente se va a Paris, donde conoce a Don Cherry y muy pronto se incorpora a su banda. Son los años más salvajes de Barbieri, cosa que se puede constatar tan sólo con la audición de su sólo en el tema "Hotel Oberture" incluído en "Escalator Over the Hill" (1971) , grabación de otra artista inclasificable, la pianista californiana Carla Bley.

Pero la música de Barbieri estaba a punto de dar un giro importante ya que fué en ese momento cuando abandono el jazz más vanguardista para centrarse en el latin jazz más experimental. En ese periodo encontramos grabaciones como su directo El Pampero o los cuatro discos a modo de capítulos dedicados a Latinoamérica, a saber, "Chapter One: Latin America" (1973), "Chapter Two: Hasta Siempre" (1973) , "Chapter Three: Viva Emiliano Zapata" (1974) y "Chapter Four: Alive in New York" (1975). Sin embargo fue la sensual banda sonora original de la controvertida película de Bernardo Bertolucci "Last Tango in Paris" (1972) lo que le daría un reconocimiento internacional convirtiéndolo en una auténtica estrella y permitiéndole actuar en festivales de jazz como Montreux, Newport o Bologna.



En 1976 Gato Barbieri daría un nuevo giro en su carrera con la publicación de su trabajo "Caliente". El disco, producido por Herb Alpert para su discográfica A&M, incluye un elenco de lujo con músicos de la talla de Randy Brecker, Eric Gale, Harry Lookofsky, Ralph McDonald, Lenny White o David Spinozza.

"Caliente" contiene una conocidísima versión de uno de los grandes éxitos del guitarrista mejicano Carlos Santana, "Europa", que podéis ver a continuación. Acompañando a Barbieri y Santana podemos reconocer al extraordinario bateria canadiense Graham Lear, quién acababa de participar en las grandes primeras grabaciones de Gino Vannelli antes de incorporarse a la banda de Carlos Santana en el año 1977.



El disco oscila entre el jazz, el latin y el pop con absoluta naturalidad y incorpora el ya tradicional sonido Barbieri. "Caliente" sería el punto de inicio de un nuevo cambio en el estilo del artista, adquiriendo una sonoridad más acorde con los tiempos y explorando las mezclas entre la música latina y el jazz más comercial.

Esperamos que os resulte interesante.

TRACKS

1-Fireflies Barbieri
2-Fiesta Barbieri
3-Europa Coster, Santana
4-Don't Cry Rochelle Barbieri
5-Adios, Pt. 1 Barbieri
6-I Want You Ross, Ware
7-Behind the Rain Alpert
8-Los Desperados Barbieri
9-Adios, Pt. 2 Barbieri

CREDITS


Gato Barbieri Sax (Tenor), Liner Notes
Eddie Martinez Keyboards
Don Grolnick Synthesizer, Keyboards
David Taylor, Wayne Andre, Paul Faulise Trombones
Joe Beck, Eric Gale, David Spinozza Guitars
Bernie Glow, Randy Brecker, Irwin "Marky" Markowitz,
Marvin Stamm Trumpets
Gary King Bass
Lenny White Drums
Alfred Brown, Harry Cykman, Max Ellen, Harold Kohon, Harry Lookofsky, Paul Gershman, Harry Glickman, Theodore Israel, Charles McCracken, Matthew Raimondi, Alan Shulman, David Nadien, Max Pollikoff Strings
Mtume, Ralph MacDonald, Angel "Cachete" Maldonado Percussions
Jay Chattaway Director

Jazzy

Caleidoscopio: On Green Dolphin Street (1947) de Washington y Kaper

"On Green Dolphin Street" fue inicialmente compuesta como el tema principal de la película de 1947 de la MGM "Green Dolphin Street". La película estaba basada en el libro de 1944 de la novelista británica Elizabeth Goudge, "Green Dolphin Country", publicado ese mismo año en los Estados Unidos como "Green Dolphin Street".

La película, un drama épico protagonizado por Lana Turner, Van Heflin, Donna Reed, Richard Hart, y Frank Morgan y dirigida por Victor Saville no fue precisamente un éxito. En su libro, "La historia de MGM", John Douglas Eames, dice de ella: "Lo tenía todo, es decir, demasiado para una sola película: conflictos familiares, triángulo amoroso, terremoto, maremoto, patetismo y vulgaridad". Aún así ganó 2 Oscars menores; el de efectos visuales y el de sonido. Pero si por algo puede ser recordado ese título es por la canción principal de su banda sonora original que aunque en ese momento pasó totalmente desapercibida , poco después llegó a convertirse en un auténtico clásico de jazz y del latin, con más de 1000 versiones grabadas hasta la fecha.

La historia de este gran tema comienza, como ya hemos comentado, en el año 1947. En ese momento Bronislaw Kaper fue contratado para escribir la banda sonora de "Green Dolphin Street" una nueva película de los estudios MGM (Ned Washington se haría cargo de la letra). Kaper era, además de abogado, un auténtico prodigio musical en su Polonia natal. Pero en su país las oportunidades no eran muchas para alguien que pretendiera dedicarse a la música, con lo cual decidió mudarse al Berlin de los tempranos años 30. Empezó componiendo temas para algunas películas alemanas, pero en 1933 el antisemitismo en Alemania empezaba a mostrar signos preocupantes y Kaper , que era de origen judío, se vió obligado a trasladarse a París. Allí fue descubierto por Louis B. Mayer, que lo firmó con la MGM. Entre 1936 y 1940, escribió canciones para películas como "Tomorrow is another day", "Cosi Cosa" y "All God's Chillum Got Rhythm", esta última para la famosa "A Day at the Races" (Un día en las carreras) de los Hermanos Marx, pero a partir de 1940 el estudio le comenzó a encargar bandas sonoras completas. Tuvo una brillante carrera en Hollywood que abarcó más de 30 años , obteniendo una gran cantidad y variedad de títulos de todos los géneros imaginables, pero de todas ellas la más importante y trascendente fue sin duda "On Green Dolphin Street". En la siguiente imagen podemos ver el trailer original de la película con la música de Kaper de fondo. La versión es muy orquestal, típica de la música de cine de los años 40 y, probablemente, os será difícil de reconocer.

Sería una década más tarde cuando Miles Davis la recuperaría con un grupo absolutamente legendario compuesto, además de él mismo, por nada menos que Paul Chambers, Jimmy Cob, Bill Evans, John Coltrane, Cannonball Adderley. Davis no fue el primer músico de jazz que abordó el tema pero si fue quién consiguió otorgarle notoriedad. El resultado se acerca más a lo que ya conocemos y será el principio de la carrera de una composición absolutamente legendaria. A continuación os mostramos un bonito montaje fotográfico que incluye la versión completa de Miles Davis.

A partir de aquí "On Green Dolphin Street" despegó. Fueron muchos grandes artistas los que lo eligieron para incluir en grabaciones propias y conciertos. Una breve lista incluiría a Eric Dolphy, Jack Dejonette, Bill Evans, Stan Getz, Dexter Gordon, Lionel Hampton, Ahmad Jamal, Wes Montgomery, Joe Pass, Oscar Peterson, Bud Powell, Sonny Rollins, Archie Sheep, Sarah Vaughan, Charlie Byrd, Benny Carter, Ella Fitzgerald, Paquito D'Rivera, Hilton Ruiz, Joe Sample o la Akoustic Band del pianista Chick Corea. Pocos temas han sido interpretados por tantas estrellas. De entre todas las versiones que hemos podido escuchar hemos decidido completar este Caleidoscopio con las que en su día interpretaron Miles Davis, Bill Evans, Eric Dolphy, Oscar Peterson y Lionel Hampton en clave de jazz. Completaremos con la visión latina que incorporan el pianista Hilton Ruiz y sobretodo la espectacular versión del saxofonista cubano Paquito D'Rivera desde su primer trabajo americano, "Blowin'" de 1981. Acabaremos con la aportación de George Benson y la Count Basie Orchestra desde su trabajo conjunto "Big Boss Band" del año 1990. Un toque de swing nunca viene mal.

Esperamos que os resulte interesante. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS (Versiones de "On Green Dolphin Street" (1947) de Kaper y Washington)

1-Versión de Miles Davis (1960). Con Paul Chambers, Jimmy Cob, Bill Evans, John Coltrane y Cannonball Adderley.
2-Versión de Bill Evans y Philly Joe Jones (1959).
3-Versión de Eric Dolphy (1960).
4-Versión de Oscar Peterson con Milt Jackson (1961). Con Ray Brown y Ed Thigpen.
5-Versión de Lionel Hampton (1956). La primera de la que tenemos constancia desde el original de Kaper.
6-Versión de Paquito D'Rivera (1981). Con Hilton Ruiz, Russell Blake e Ignacio Berroa.
7-Versión de Hilton Ruiz (1992). Con David Sánchez, Peter Brainin, Andy González, Steve Berrios y Giovanni Hidalgo.
8-Versión de George Benson y la Count Basie Orquestra (1990).


Un último apunte. Vale la pena escuchar la versión de Coltrane.




Jazzy

Paulinho Da Costa Songbook

Nacido en Río de Janeiro el 31 de mayo de 1948, Paulinho Da Costa descubrió su amor por la percusión a la tierna edad de cinco años mediante el estudio de los diferentes sonidos que hacían todos los objetos que podía manejar con sus entonces pequeñas manos. Aún en su adolescencia, se unió a varios grupos musicales, viajando con ellos por todo el mundo, cosa que le reportó un gran conocimiento de su materia ya que a cada nuevo viaje Paulinho conocía un instrumento más para añadir a su repertorio. Al llegar a los Estados Unidos, el ya multi-percusionista consigue fácilmente hacerse un hueco en la potente industria musical norteamericana. De hecho actualmente Paulinho Da Costa es un promotor incansable de los instrumentos de percusión, capaz de dominar a la perfección más de 200 tipos diferentes. En su web personal podéis encontrar los nombres y los sonidos que emiten algunos de sus preferidos. (link)


Paulinho Da Costa ha contribuído con su arte y su particular visión de la percusión en trabajos de más de 400 artistas, siendo uno de los músicos de sesión más solicitados y respetados del panorama internacional. Su nombre ha aparecido en diferentes ocasiones en los primeros lugares de ventas de discos, participando en trabajos de gente tan importante como Quincy Jones, los veteranos de jazz Dizzy Gillespie y Miles Davis o las superestrellas Madonna, Sting y Michael Jackson. Eso nos da una cierta idea de su enorme latitud musical. De hecho resulta difícil hacer una lista de los artistas con los que ha tocado en alguna ocasión. Nos conformaremos con citar algunos de los más relevantes, como son Earth, Wind & Fire, Al Jarreau, Larry Carlton, Gatos Barbieri, John Klemmer, George Benson, Djavan, The Yellowjackets, David Sanborn, Bob James, Sarah Vaughman, Norman Brown, Marilyn Scott, Kevyn Lettau, Jill Scott y Stan Getz. No está nada mal.

A través de su prolífica carrera Paulinho ha participado en algunos de los proyectos más importantes a nivel comercial de la década de los 80 y 90, incluyendo el "Thriller" de Michael Jackson , la histórica grabación de la bienintencionada (aunque en exceso almibarada) "We Are The World" , el superventas de Lionel Richie "All Night Long" y la horrorosa "La Isla Bonita" de la supuesta "reina del pop" Madonna.
En cine y televisión Da Costa ha sido igual de afortunado, colaborando en gran cantidad de bandas sonoras originales como la de la producción de Steven Spielberg "The Color Purple" , el megaéxito de taquilla "Saturday Night Fever" , "The Wiz" o "Footloose".



En reconocimiento a su increíble talento la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias le otorgó el "Most Valuable Player Award" durante tres años consecutivo. Sus habilidades con la percusión han servido también para que el diario Los Angeles Times le definiera como "un virtuoso de la percusión" y Downbeat Magazine dijera de él que es "uno de los percusionistas más talentosos de nuestro tiempo".

Paulinho Da Costa es un percusionista dinámico, un compositor innovador y un productor cualificado con cuatro álbumes en solitario , a saber "Agora" (1976), "Happy People" (1979), "Sunrise" (1984) y "Breakdown" (1987). Pero lo cierto es que su labor como bandleader no se puede comparar con el nivel obtenido en colaboraciones con otros músicos y es por ello que hemos decidido dedicarle un Songbook.

Esperamos que os resulte interesante. A continuación os comentamos el menú musical que os hemos preparado para este Songbook. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS


1-Be Ever Wonderful. Tema incluído en el "All 'n' All" grabado por los Earth, Wind & Fire en el año 1977. No debe resultar fácil ser escogido como percusionista en una banda como esta, regentada por el vocalista y también excepcional percusionista Maurice White. Pero Da Costa lo consiguió.

2-Wait a Little While. Composición de Ken y Eva Loggins incluída en el fantástico "All Fly Home" (1978) del vocalista Al Jarreau. La primera colaboración entre ambos que se repetiría con fecuencia en el futuro.

3-Room 335. Uno de los temas más significativos del guitarrista Larry Carlton, alias Mr 335 precisamente por esta composición del año 1978 incluída en su primer trabajo, el autodenominado "Larry Carlton". Da Costa seguirá trabajando para Carlton en la mayoría de sus futuros discos.

4-Ruby. Tema de Mitchel Parrish y Heintz Roemheld que da título a la grabación de 1978 del extraordinario saxofonista argentino Gato Barbieri.

5-Tropical Snowflakes. Precioso tema que combina a la perfección el jazz y la bossanova más cálida. Desde el larga duración "Brazilia", grabado por el saxofonista John Klemmer en el año 1979. Percusión sútil, una de las especialidades de Da Costa.

6-I Can't Help It. Tema de Stevie Wonder versionado por el recientemente desaparecido Michael Jackson, desde uno de sus mejores trabajos, "Off The Wall" de 1979. Paulinho siguió trabajando con Jackson en todas y cada una de sus grabaciones, prácticamente hasta la reciente muerte del rey del pop.

7-What's on your Mind. Divertido tema compuesto por Kerry Chater e incluído en el famoso "Give me the Night" (1980) del guitarrista George Benson.

8-As We Speak. Composición de David Sanborn y Michael Sembello contenida en su trabajo de igual nombre grabado en el año 1981.

9-Human Nature. Interesante tema de Steve Porcaro y John Bettis incluído en el disco más vendido de la historia de la música, "Thriller" (1982) de Michael Jackson. Existe una curiosa versión de esta composición a cargo de la leyenda Miles Davis, arreglada por Gil Evans y contenida en su Mellow Miles de 1985.

10-One More Rhythm. Divertidísima canción de Rod Temperton contenida en el "It's your Night" (1982) del vocalista y teclista James Ingram.

11-Obí. Precioso tema del cantautor de Alagoas, Djavan, desde su "Lilas" del año 1984. Paulinho parece sentirse aquí enormemente cómodo y, de hecho, participará en muchas de las grabaciones posteriores del brasileño.

12-Buzios. Tema del guitarrista de Rio de Janeiro Oscar Castro Neves contenido en su Maracujá, grabado en 1989.

13-Honey Samba. Bonito tema de Larry Carlton contenido en su "On Solid Ground" grabado en 1989. Buen trabajo de Paulinho.

14-I Got Rythm. Composición de George Gershwin versionada por The Yellowjackets. Desde su excepcional "Mirage a Trois" de 1985.

15-Bird of Beauty. Cerramos con este precioso tema del omnipresente Stevie Wonder, producido por Rusell Ferrante y Jimmy Haslip (de Yellowjackets), areglado por Dori Caymmi e interpretado por la vocalista Marilyn Scott. Brillante. Lo podéis encontrar en el trabajo de Scott, Take Me With You grabado en 1996.




Jazzy

"Juntos" (1984) de Ivan Lins

Información extraída de la web de Ivan Lins. Resumida y adaptada por BCNJazzyland para Música para Gatos.

Ivan Guimarães Lins nació en Río de Janeiro, Brasil, en el barrio de Tijuca el 16 de Junio 16 de 1945. Hijo de Geraldo Lins y Leia Guimarães, a los dos años de edad se fue a vivir junto a su familia a Boston. A los doce años regresa a Brasil y tiene su primer contacto con la música como intérprete, a través de la banda del Colegio Militar, donde estudiaba. Su primer instrumento allí fue la trompeta, que tocaba gracias a un método de símbolos inventado por él mismo, debido a su dificultad para leer partituras (cosa que finalmente le valió ser despedido de la muy estricta banda militar). Más tarde se decide por el piano, un instrumento que no sólo le daba amplias posibilidades compositivas y de interpretación sino que, fundamentalmente gracias a su memoria musical, le resultaba fácil para tocar de oído.
Fanático de las grandes bandas de jazz y asiduo consumidor de la música de artistas como Stan Kenton, Billy May, Nelson Riddle, Woody Herman, Duke Ellington y Henry Mancini, entre otros, Lins comienza a practicar en un piano de una hermana mayor. Su carrera musical se inicia formalmente en 1963, a los 18 años de edad, después de entusiasmarse tras ver por TV un inspirado concierto del famoso Tamba Trio de Luiz Eça. En 1965 forma el "Alfa Trio", agrupación con la que abordaba distintos géneros desde el jazz hasta la bossanova. Ese mismo año, forma “Sensa Três” y después "Quarteto Piramidal" con Aldir Blanc, Luiz Cachaça y Cesario Alvim, con quienes toca en bailes y fiestas familiares. A lo largo de dos años pasó por muchos grupos que por lo general duraban poco tiempo, ya que lo que tocaban no coincidía con el estilo de música que imperaba en la mente de los jóvenes brasileños y, probablemente, los de todo el mundo: Beatles, Beatles y más Beatles. La situación lo llevó a dejar a un lado la interpretación, para dedicarse de lleno a la composición.

Sus primeras canciones eran de corte romántico, llenas de sostenidos y acordes complicados, fruto de su falta de instrucción musical, pero que al mismo tiempo le reportaban un cierto perfil propio, ya desde sus comienzos. En 1968 consigue el quinto lugar en el Festival Universitario de Guanabara de la cadena TV Tupi, con un tema interpretado por Ciro Monteiro en ritmo de samba (“Ate o Amanhecer”, compuesta junto a su compañero de facultad Valdemar Correia, curiosamente con música de éste y letra de Lins).

Madalena, con Gonzalo Rubalcaba y Joao Bosco.



En 1969 se gradua en Química Industrial y por un tiempo, considera la posibilidad de realizar un postgrado en su área de especialidad, o la de desarrollar una carrera profesional como voleybolista. Afortunadamente se decide por la música.

En 1970 conoce a Ronaldo Monteiro de Souza con quien inicia una colaboración que se extiende hasta el año 1974. De esa unión nace “Madalena”, un tema que, grabado por la gran Elis Regina, se transformó en un éxito a escala nacional, y más tarde "O Amor É O Meu Pais", una canción que alcanzó el segundo lugar en el quinto Festival Internacional de la Canción. Desgraciadamente para Lins, su composición fue aprovechada políticamente por el gobierno militar brasileño, que utilizó la bandera, el himno nacional y los símbolos patrios de Brasil, el mundial de fútbol ganado por la selección nacional en México ese año y todas las expresiones populares que incluyeran la palabra “país” como una manera de hacer propaganda.


Al año siguiente, Paulinho Tapajós (productor del sello Philips) asiste a una presentación de Lins en el club Sachinha’s del barrio carioca de Leme, un reducto bohemio de la época. Alentado por lo que escuchó aquella noche, Tapajós lleva a Lins a conocer a André Midani (jefe de Philips), quien da al músico la oportunidad de grabar "Ivan Lins Agora...", su primer larga duración. La timidez de Lins hizo que la primera jornada de grabación fuera un desastre. Los nervios provocaron que el joven artista llegara borracho al estudio. Pero el trabajo siguió adelante. Producido por Paulinho Tapajós y editado por el sello Forma (propiedad de Philips), incluye el hit inmortalizado en la voz de Elis Regina y “O Amor É o Meu Pais” como tema principal.

Por esa época funda junto a un grupo de intérpretes, compositores y músicos brasileños el MAU (Movimiento Artístico Universitario) con una propuesta básica: abrir un nuevo mercado de trabajo como una alternativa para los festivales de música producidos por las televisiones de Brasil. Además de Lins, formaban este movimiento artistas como Gonzaguinha, Aldir Blanc, Cesar Costa Filho y Paulo Emílio. Por entonces, junto a Elis Regina y el grupo del MAU, es invitado a producir y conducir "Som Livre Exportação", un programa de TV de la cadena O Globo, que alcanzó altos niveles de audiencia, pero que abandona pocos meses más tarde, tras darse cuenta que el gobierno militar brasileño de entonces estaba utilizando la audición con fines políticos.

También en 1971, de nuevo producido por Tapajós para Forma, graba su segundo larga duración “Deixa O Trem Seguir”, que contiene “Me Deixa em Paz” un tema que Lins continúa interpretando hasta el día de hoy. Ese mismo año además conoce en Rio de Janeiro a la diva del jazz, Ella Fitzgerald quién, enamorada de la interpretación de Elis, graba al año siguiente una versión propia de “Madalena”, en lo que fue su primera canción grabada fuera de Brasil.

En 1972 llega su tercera grabación “Quem Sou Eu?” también producido por Paulo Tapajós, esta vez para Phonogram. Dos años después se reencuentra con su viejo amigo Vitor Martins, poeta y letrista de São Paulo, quien ya había trabajado con artistas importantes como Baden Powell, Toquinho y Carlos Castilho. Con él graba “Abre Alas”, su primera composición a dúo, que se convirtió inmediatamente en un gran éxito, dando fin al período “fundacional” de su carrera e iniciando la trayectoria de uno de los dúos mas fecundos y armónicos de la historia de la MPB. La perfecta comunión entre las letras de Martins y la música de Lins se irá consolidando disco a disco y algunas de sus composiciones se convertirán con el tiempo en auténticos standards.

Un perfecto ejemplo de la música de Lins es este precioso "Començar de Novo". Vale la pena dedicarle unos minutos.


En 1974 lanzó el álbum “Modo Livre”, producido por Raymundo Bittencourt para RCA Victor, que incluía el éxito “Abre Alas” como canción más destacada. Al año siguiente edita “Chama Acesa”, también realizado por Bittencourt para RCA, con la participación de un músico que tendría una influencia significativa en la su carrera posterior: Gilson Peranzetta.

En 1977 obtuvo otro éxito a nivel nacional con la canción “Somos Todos Iguais Nesta Noite” (compuesta junto a Vitor Martins), incluida en el disco homónimo lanzado por la EMI Odeon con producción artística de Milton Miranda. El disco incluía otros tres clásicos históricos de Ivan: “Aparecida”, “Dinorah, Dinorah” y “Mãos de Afeto”.
Al año siguiente publica el álbum “Nos Dias de Hoje”. Entre los temas más relevantes de la grabación se encuentran “Guarde Nos Olhos”, “Bandeira do Divino” y “Aos Nossos Filhos”, todas ellas canciones que con el tiempo se convertirían en éxitos de Lins.

En 1979 edita uno de sus discos más inspirados de los 70, “A Noite”. compuesto casi en su totalidad por temas escritos junto a Vitor Martins, y que incluye algunos temas que se encuentran entre lo mejor de su producción, como el precioso “Começar de Novo” que habéis escuchado hace un momento.





Su último disco para la EMI Odeon fue “Novo tempo”, producido por Renato Corrêa. El álbum contenía temas que perduraron en el tiempo como “Bilhete”, “Setembro”, “Novo Tempo” y “Coragem, Mulher”, y finalizaba con un cover de Caetano Veloso (“Coração Vagabundo”).

En 1980 Quincy Jones, que había conocido su música a través del percusionista brasileño Paulinho Da Costa, incluyó dos canciones de Ivan Lins y Vitor Martins en el exitoso disco de George Benson “Give Me the Night”: "Love Dance" y la instrumental "Dinorah, Dinorah", que ganó un Grammy al año siguiente.

Ya en Polygram Brasil, graba dos discos clásicos de su carrera, ambos producidos por Gilson Peranzetta: "Daquilo que Eu Sei" (1981) y "Depois dos Temporais" (1983). El primero incluyó éxitos como la canción que da nombre al disco, "Lembrança" (la versión brasileña de la multi-grabada "Love Dance"). El segundo también aporta algunos destacados temas como “Meu Piano”, “Depois dos Temporais”, "Lembra" y “Doce Presença”.



Ese mismo año edita para Polygram el disco “Juntos”, donde Lins se dió el lujo de dedicar un disco completo a versionar algunos de sus mejores temas a dúo con algunos de los principales músicos del jazz estadounidense y con los más importantes exponentes de la música brasileña.

Precisamente "Juntos" es el trabajo que hemos decidido compartir hoy. Producido por Gilson Peranzzetta, contiene 13 temas de Lins y Martins, algunos de ellos tan importantes en su carrera como "Abre Alas", "Somos Todos Iguais Nesta Noite" a duó con Djavan, "Daquilo que Eu Sei/Believe What I Say" con Patti Austin, "Qualquer Dia" con Elis Regina o "Juntos", acompañado por el gran guitarrista americano George Benson. Un magnífico trabajo que vale la pena recordar ahora que ha pasado un cuarto de siglo desde su grabación.

Esperamos que os resulte interesante.

Encontraréis link a "Juntos" de Ivan Lins en comentarios.

TRACKS

1-Abre Alas Performed by: MPB4, Lins
2-Bilhete Performed by: Nana Caymmi, Lins
3-Somos Todos Iguais Nesta Noite Performed by: Djavan, Lins.
4-Formigueiro Performed by: Lins, Tim Maia
5-Novo Tempo Performed by: Lins, Elba Ramalho
6-Comecar de Novo Performed by: Lins, Veronica Sabino
7-Juntos Performed by: George Benson, Lins
8-Dinorah, Dinorah Performed by: Erasmo Carlos, Lins
9-Bandeira Do Divino Performed by: Lins, Simone
10-Daquilo Que Eu Sei Performed by: Lins, Patti Austin
11-Saindo de Mim Performed by: Lins, Paulinho Da Viola
12-Desesperar, Jamais Performed by: Beth Carvalho, Lins
13-Qualquer Dia/Vinheta Performed by: Elis Regina, Lins

CREDITS
Ivan Lins, Vitor Martins , Gilson Peranzzetta, MPB4, Patti Austin, George Benson , Erasmo Carlos , Beth Carvalho , Nana Caymmi , Djavan , Tim Maia , Elis Regina, Verônica Sabino, Simone...

Jazzy

Ignacio Berroa Songbook

Ignacio Berroa ha sido reconocido por muchos como uno de los mejores drummers de nuestro tiempo. Sus numerosas contribuciones a la escena musical estadounidense le han reservado un lugar entre un grupo muy selecto de artistas que han conseguido crear tendencia.

La leyenda del jazz Dizzy Gillespie definió a Berroa como "El único bateria latino en el mundo y en la historia de la música americana que conoce íntimamente los dos mundos, el afro-cubano y el jazz ..."

Ignacio Berroa nació en La Habana, Cuba el 8 de Julio de 1953. Siguiendo los pasos de su padre, comenzó su formación musical como violinista clásico. Pero su vida cambió el día que escuchó a dos de los grandes, Nat King Cole y Glenn Miller. Fue entonces cuando se dio cuenta de que quería dedicarse profesionalmente a la música y a partir de entonces no paró de perseguir ese sueño con pasión.

Estudió en la Escuela Nacional de Artes y posteriormente en el Conservatorio Nacional de La Habana. Comenzó su carrera profesional con 17 años, en 1970. Poco después, en 1975, Ignacio Berroa ya se había convertido en uno de los baterista más solicitados.

En 1980 se traslada a New York donde tiene el privilegio de tocar con uno de los inventores del latin jazz, el también cubano Mario Bauzá. Fue Bauzá quien le presentó a uno de los más grandes músicos de jazz de la historia, el maestro Dizzy Gillespie. En agosto de 1981 Dizzy invita oficialmente a Berroa a unirse a su cuarteto. Más tarde también se convertiría en parte integrante de todas las bandas importantes que Gillespie reunió durante esa década, como lo fueron "The Dizzy Gillespie 70th Anniversary Big Band", la "Dizzy Gillespie All Star Big Band" y, como no, la extraordinaria" United Nations Orchestra ".

Personal en el video bajo estas lineas: Dizzy Gillespie, Paquito D'Rivera, Slide Hampton, James Moody, Airto Moreira, Flora Purim, Arturo Sandoval, Ignacio Berroa, Ed Cherry, Giovanni Hidalgo, John Lee, Danilo Perez, Mario Rivera, Claudio Roditi y Steve Turre. Imposible de mejorar. Existen 10 partes de este concierto a las que podéis acceder con facilidad o, mejor, si vuestra economía os lo permite podéis adquirir el DVD, que ahora están baratitos.



Pero sus contribuciones a las artes no se han limitado a las realizadas en el escenario y en los estudios de grabación. Como educador hizo su primera aportación al convertirse en profesor en la Universidad Internacional de Florida desde 1991 hasta 1994. Más tarde, en 1995, lanzó su video "Mastering the Art of Afro Cuban Drumming" publicado por Warner Bros y considerado por la revista Downbeat como el mejor vídeo educativo del año.

También ha realizado master classes clases en todo el mundo y ha grabado y tocado con músicos de la talla de McCoy Tyner, Freddie Hubbard, Wynton Marsalis, Jackie Mc Lean, Clark Terry, James Moody, Milt Jackson, Ron Carter, Charlie Haden , Eddie Gomez, Phil Woods, Michael Brecker, Joe Lovano, Jon Faddis, Jack Bruce, Jaco Pastorius, Tito Puente, Gonzalo Rubalcaba, Lalo Schifrin, Chico Bouarque, Gilberto Gil, Gal Costa, Lenny Andrade, Ivan Lins, Joao Bosco o Slide Hampton sólo por citar unos pocos.





En el año 2006, después de más 30 años trabajando para otros, Ignacio Berroa decide publicar su primer trabajo como bandleader. El resultado es un excelente disco en el cual podemos encontrar temas de músicos tan importantes como Antonio Carlos Jobim (extraordinaria versión de Inutil Paissagem), Chick Corea, el maestro Lecuona o Dizzy Gillespie, un auténtico poker de ases. Un lujo que os recomiendo pongáis en los primeros puestos en vuestra lista de discos deseados para las compras musicales de esta Navidad (siempre y cuando os interese n el jazz y el latin).

Con uno sólo trabajo original y casi 40 años de brillantísima trayectoria, hemos pensado que Berroa era un músico que merecía un Songbook.

TRACKS

1-Realidad y Fantasia. Bonito tema de Cesar Portillo De la Luz incluído en el hasta la fecha único trabajo de Berroa , "Codes" del año 2006. Su banda incluye músicos estelares como Gonzalo Rubalcaba al piano, David Sánchez al saxo tenor o Giovanni Hidalgo a la conga.
2-For Lenny (Andrade). Extraordinaria composición del pianistas Daniel Freiberg incluída en el no menos extraordinario "Manhattan Burn" (1986) de Paquito D'Rivera.
3-Papagaio. El trompetista brasileño Claudio Roditi nos regala esta bossanova. Desde su disco "Slow Fire" del año 1989.
4-Think on Me. De "Worlwide" (1993) del percusionista Giovanni Hidalgo escogemos está suave melodía a medio camino entre el latin y el bolero.
5-A Lo Tristano. Otro tema desde el "Manhattan Burn" de D'Rivera, en este caso del propio D'Rivera dedicado al pianista de Chicago, Lennie Tristano.
6-Feel Good. De nuevo una composición de Claudio Roditi (nos encanta este gran trompetista brasileño) contenido en su "Slow Fire" (1993).
7-Moment's Notice. Versión del clásico de John Coltrane interpretada por Claudio Roditi con Berroa en su banda. Desde "Jazz Turns Samba" (1996).
8-Flight To Freedom. Del en ocasiones demasiado conceptual "The Journey" (1994) del pianista panameño Danilo Pérez extraemos este intrincado aunque excitante tema.
9-Canadian Sunset. De nuevo el "Worlwide"(1993) de Hidalgo, en este caso con una vibrante versión latina de un tema de Norman Gimbel y Eddie Heywood. Espectacular toda la sección de percusión.
10-Cute. Una de las mejores versiones de este tema originalmente compuesto para la Orquesta de Count Basie en los años 40. Desde el "Patato, Masterpiece" (1993) de Carlos 'Patato' Valdés.
11-Inutil Paissagem. Cerramos con otro tema incluído en el "Codes" (2006) de Ignacio Berroa. Una preciosa versión del tema original del maestro Jobim, con brillante interpretación de David Sánchez al saxo tenor y de John Patitucci al bajo.

Esperamos que os interese esta nueva propuesta. Link a "Ignacio Berroa Songbook" en comentarios.


Jazzy

"À Vontade" (1963) de Baden Powell

Baden Powell de Aquino (6 de agosto de 1937 - 26 de septiembre de 2000) más conocido como Baden Powell, fue un extraordinario guitarrista brasileño.

Hijo de Adelina y del guitarrista Lino de Aquino, Baden Powell de Aquino nació en Varre-E-Sai, en el Estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre le dió ese nombre por ser admirador del creador del scoutismo, Robert Baden-Powell.
Cuando tenía tres años su familia se trasladó a un suburbio en la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno le resultó profundamente influyente. Su casa fue una parada popular para los músicos durante su infancia y pronto comenzó a recibir lecciones con Jayme Florencia, un famoso guitarrista de Choro en la década de los 40 .
Ya siendo un adolescente empezó a destacar ganando todo tipo de festivales y a los quince años se convirtió en profesional, acompañando a cantantes y bandas de diversos estilos. Durante su juventud estaba fascinado por el swing y el jazz, pero sus principales influencias se encontraban firmemente arraigadas en el canon de guitarra brasilera, siendo las más importantes, según el mismo remarcaba, su primer maestro Jayme Florencia, Dilermando Reis y Garoto. También solía citar las obras de Les Paul, Django Reinhardt y Jacques Loussier como algunos de sus grandes referentes.

En el año 1955, mientras Powell tocaba para la Orquesta Steve Bernard en la Boite Plaza, un club nocturno en el Hotel Plaza de Rio de Janeiro, Ed Lincoln se fijó en él. En ese momento Lincoln estaba creando un nuevo grupo y le pidió a Powell que se incorporara. Se llamarían Hotel Plaza Trío. Powell aceptó e invitó al bajista Luiz Marinho y a la vocalista Claudette Powell. Sus jam sessions se hicieron muy populares y el grupo consiguió ser reconocido en la escena del jazz brasileño.

Esta es la primera parte de un documental alemán sobre Baden Powell rodado en 1971. Su nombre: "Canto On Guitar". Podéis encontrar las 3 partes restantes (de las 4 que lo componen) en los links ubicados bajo las imágenes.


Link a "Canto On Guitar" segunda parte.
Link a "Canto On Guitar" tercera parte.
Link a "Canto On Guitar" cuarta parte.


Pero el reconocimiento popular le llegó cuando en el año 1959 consiguió convencer a Billy Blanco, un consolidado cantante y compositor, para que pusiera letra a una de sus canciones. El resultado fue "Samba Triste" y rápidamente se convirtió en un gran éxito que fue versionado hasta por numerosos artistas, entre ellos gente tan importante como Stan Getz o Charlie Byrd.




En 1962, Powell comienza a colaborar con el poeta-diplomático Vinícius de Moraes. El resultado son algunos de los grandes clásicos brasileños de la década de los 60. Aunque la bossa nova fue el sonido predominante de la época, la asociación Baden-Vinicius trascendió la moda de entonces consiguiendo fusionar con éxito formas afro-brasileras, tales como Candomblé, Umbanda y Capoeira con la samba de Río de Janeiro. El resultado fue un LP de 1966 con el nombre de "Os Afro-Sambas de Baden e Vinicius". Durante esos años, estudió armonía avanzada con Moacir Santos y realizó grabaciones independientes en Brasil con los sellos Elenco y Forma, así como con el sello francés Barclay y el alemán MPS/Saba . En esa época era además, era el guitarrista oficial de la discográfica brasileña Elenco y del show de televisión "O Fino da Bossa" en el que participaba la gran Elis Regina.

Baden Powell visitó Europa con frecuencia en la década de los 60, afincándose en Francia en 1968. En los 70, lanza muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Pero a partir de ese momento su éxito comienza a menguar en cierta medida debido a problemas de salud y pasa gran parte de esa década en semi-retiro, entre Francia y Alemania.
En 1981 da su primer recital en Madrid. Os recomendamos repaséis las notas de uno de sus asistentes que con gran sensibilidad lo plasma en su excelente blog, Clube da Bossa. (Link)

A principios de los 90 decide irse a vivir definitivamente a su Brasil. Su salud estaba ya muy deteriorada y al llegar el año 2000 cae enfermo.

A Manhà de Carnaval

Baden Powell murió de una neumonía provocada por la diabetes, el día 26 de septiembre del año 2000, en Río de Janeiro. Había desaparecido uno de los grandes guitarristas del siglo XX aunque desgraciadamente en esa época ya muy pocos, especialmente fuera de Brasil, nos acordábamos de él.

Descanse en paz Baden Powell de Aquino.



A modo de modesto homenaje os ofrecemos el extraordinario trabajo "À Vontade".
"À Vontade" fue el primer disco de Powell, aunque fuera editado bastante más tarde de su grabación. En él Baden Powell nos ofrece algunas de las más inspiradas versiones de composiciones tan legendarias como "Garota de Ipanema", "Berimbau" o "Samba do Aviao".

Esperamos que la disfrutéis. Link en comentarios.

TRACKS


1-Garota de Ipanema Jobim
2-Berimbau Powell/De Moraes
3-O Astronauta Powell/De Moraes
4-Consolaçao Powell/De Moraes
5-Sorongaio Pedro Dos Santos
6-Samba do Aviao Jobim
7-Saudade da Bahía D.Caymmi
8-Candomblé Powell
9-Conversa de Poeta Queiroz/Santos/De Moraes
10-Samba Triste Powell/Blanco

Jazzy