sábado, 30 de enero de 2010

"Morning Dance" (1979) de Spyro Gyra.










A mediados de los años 70s la escena musical de Buffalo, localidad cercana a New York, estaba rebosante de creatividad. Grupos de todos los estilos musicales posibles se daban cita en los diversos locales nocturnos de la ciudad. Por aquellos entonces, dos viejos amigos , el saxofonista de Brooklin, Jay Beckenstein y el teclista Jeremy Wall, también de NYC pero que acababa de llegar de Los Ángeles, se reencontraron y decidieron montar una banda. Como no tenían repertorio se dedicaron a tocar versiones de clásicos de R&B hasta que un buen día, improvisando sobre bases rítmicas de grupos como “Weather Report”, “Earth, Wind & Fire” o “Marvin Gaye”, empezaron a crear un especial sonido que iba a ser el inicio de una revolución musical. Su secreto era la mezcla sin concesiones de todos los estilos musicales posibles, aunando una gran riqueza rítmica con un excelente sentido de la melodía y la armonía, algo de lo cual adolecían en aquel momento la mayoría de grupos de fusión, que se conformaban con experimentar y mezclar ritmos eludiendo melodía en beneficio de solos de gran calidad técnica pero frecuentemente carentes de alma.

Ese nuevo y especial sonido reportó a la banda una gran notoriedad a nivel local. Una noche antes de su primer concierto en un local de Buffalo de nombre Jack Daniels, el dueño del local preguntó a Beckenstein cual era el nombre de la banda y este, recordando las clases de biología que había recibido en la escuela, le dijo “llámalo Spirogyra. Spirogyra es un alga marina de color verde intenso (cosa que probablemente inspiró las portadas de algunos de sus primeros trabajos). Pero la persona no lo transcribió correctamente y Spyro Gyra fue el nombre que utilizaría la banda hasta la actualidad.

La banda actual de Spyro Gyra interpretando un medley con algunos de us primeros éxitos entre los cuales podemos escuchar "Morning Dance" y "Catching the Sun".


En 1976
Jay Beckenstein se asoció con el bateria Richard Calandra y fundaron Amherst Records. Alquilaron un pequeño local, un mezclador de 16 pistas y con eso y pocos recursos más, editaron, dos años más tarde, 500 copias de “Spyro Gyra”, su primer LP. El mismo Beckenstein se encargó de repartirlas con su vehículo por todas las tiendas de discos cercanas. De repente se produjo el milagro y la pieza de apertura, “Shaker Song” se convirtió en un éxito en las radios locales.

Spyro Gyra interpretando su primer éxito, "Shaker Song" en 1980.


Con tan rudimentaria producción “Spyro Gyra” vendería 70.000 copias de su primer trabajo. En esta primera grabación ya participarían algunos músicos que iban a ser importantes en el devenir futuro del grupo; el joven y excelente teclista Tom Schumann, y David Samuels, virtuoso del vibráfono y la marimba. Podéis encontrar este trabajo en Música para Gatos.
En 1979 llegaría su primera gran producción. Se llamaría “Morning Dance” (1979) y contendría algunas de las mejores y más originales piezas de la banda, como el propio “Morning Dance” que sería un gran éxito, “Song for Lorraine”, una mezcla irresistible de jazz y ritmos latinos o “Little Linda”, con idénticos ingredientes. La preciosa balada “It Doesn’t Matter” del guitarrista Chet Catallo (en mi opinión uno de los que más contribuyeron en la creación del sonido Spyro Gyra, a pesar de su corta trayectoria) pone, junto con “Rasul”, la nota más melódica de la grabación. El éxito “Heliopolis”, la interesante “Jubilee” (puro funk instrumental), la muy rítmica “Starbust” y “End of Romanticism” , probablemente el tema más flojo del disco, completan este impresionante segundo trabajo del grupo. “Morning Dance” fue un gran éxito y vendió más de 1 millón de copias. En la grabación participaron músicos de la talla de Michael Brecker (saxo tenor), Randy Brecker (trompeta), Will Lee (bajo) o el percusionista Gerardo Velez que había tocado con gente como Jimmy Hendrix (en Woodstock fue su primer concierto) o el grupo de funk, Chic.


“Morning Dance”
(1979) sería para Spyro Gyra una impresionante plataforma de despegue. El grupo empezaría ese mismo año a hacer giras internacionales y prácticamente no pararía hasta la actualidad a pesar de los muchos cambios que ha sufrido la formación desde el año de su creación. Spyro Gyra había arrancado definitivamente y ya nadie les iba a parar.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.


TRACKS

1-Morning Dance Beckenstein
2-Jubilee Wall
3-Rasul Wall
4-Song for Lorraine Beckenstein
5-Starburst Wall
6-Heliopolis Beckenstein
7-It Doesn't Matter Catallo
8-Little Linda Wall
9-End of Romanticism Strauss

CREDITS

Jay Beckenstein Percussion, Saxophone, Sax (Alto) Jeremy Wall Percussion,Keyboards, Piano (Electric) Richard Calandra Producer Chet Catallo Guitar Eli Konikoff Drums Jim Kurzdorfer Bass Dave Samuels Marimba, Drums (Steel) Tom Schuman Piano, Keyboards, Piano (Electric) Rick Strauss Guitar Gerardo Velez Percussion, Bongos, Conga Rubens Bassini Percussion, Conga Michael Brecker Sax (Tenor) Randy Brecker Trumpet Alfred Brown Viola Suzanne Ciani Synthesizer John Clark French Horn
John Tropea Guitar, Guitar (Electric) Louis del Gatto Flute Diva Gray, Gordon Grody, Lani Groves Vocals Steve Jordan, Ted Reinhardt Drums
Will Lee Bass Charles Libove Violin Harry Lookofsky Violin, Concert Master
Tom "Bones" Malone Trombone Charles McCracken Cello Matthew Raimondi, Harry Cykman Violins


Jazzy

Caleidoscopio: "Stella by Starlight" (1944) de Victor Young








Victor Young y su Orquesta presentaron "Stella by Starlight" en "The Uninvited", una película de Paramount estrenada en el año 1944. "The Uninvited" era una sencilla historia de fantasmas protagonizada por Ray Milland, Ruth Hussey y Gail Russell.

Títulos de crédito de "The Uninvited". Suena la composición de Victor Young.


La composición de Young fue escrita como tema recurrente de la película y la canción incluso se convirtió en el punto focal dramático que el director utiliza cuando el personaje interpretado por Ray Milland, Rod, da una serenata a su amada Stella, a quien da vida Gail Rusell. La escena nos muestra a Stella mirando por la ventana mientras que Rod está sentado en un precioso piano de cola. Stella pregunta a Rod que es lo que está tocando y el responde: "una serenata para Stella by Starlight".

Interpretada por el gran Bill Evans en Oslo en el año 1966 acompañado de Eddie Gómez y Alex Riel.


Al poco de componerla los avispados directivos de la Paramount y el autor, Victor Young, entendieron que el tema tenía grandes posibilidades comerciales y, con objeto de explotarlas, contrataron a un conocido letrista habitual en las producciones de Hollywood llamado Ned Washington. El problema que se le planteó desde el principio fue la complejidad del título, que debía ser incorporado a la letra intentando que quedara lo mejor posible pero ese detalle, obviamente, recortaba sus posibilidades creativas. Era habitual en esos momentos que el título de la canción fuera el punto de partida o el final de la letra, pero Washington consiguió ponerlo justo en el centro del tema y el resultado no pudo ser más satisfactorio a juzgar por los resultados.


Desde entonces el tema ha sido interpretado prácticamente por la gran mayoría de los artistas que frecuentan el territorio jazzístico y de su creatividad han salido algunas versiones de excelente nivel que en nuestra opinión superan con mucho la versión original de Young. Cannonball Adderley, Chet Baker, Tony Bennett, George Benson, Art Blakey, Dizzy Gillespie, Frank Sinatra, Ray Charles, Chick Corea, Miles Davis, Bill Evans, Lou Donaldson, Paquito D'Rivera, todos ellos y muchísimos más han caído rendidos ante los evidentes encantos de esta meláncólica, sombría y muy lírica pieza que te engancha desde la primera nota.


Una nueva versión, esta vez a cargo de un joven George Benson acompañado de forma soberbia por el trio del gran McCoy Tyner.


En el siguiente reproductor encontraréis algunas versiones realizadas por maestros indiscutibles del jazz como Chet Baker, George Benson, Bill Evans, Sarah Vaugman o Oscar Peterson. Hemos creído oportuno incluir también una preciosa propuesta del maestro Ray Charles.




Esperamos que os interese esta nueva propuesta.

Encontraréis link a algunas de las más brillantes versiones realizadas el los últimos 40 años en el apartado de comentarios. Dichas versiones incluyen 7 extraordinarias interpretaciones de grandes artistas del jazz contemporáneo como Jorge Dalto, Emiliano Salvador, Christoph Spendel, Grover Washington Jr., Hilton Ruiz, Paquito D'Rivera , Sadao Watanabe y Will Downing.

Jazzy

Música para Gatos Box 1









En esta ocasión nos hemos decidido a prepararos una selección de temas que se encuentran enmarcados dentro del universo musical que intentamos crear en este espacio. No nos limitaremos a un autor, ni a un estilo, sino que pretendemos dar una visión global incluyendo a algunos músicos desconocidos por el gran público a pesar de su impresinante trayectoria como Emiliano Salvador, Joao Bosco o Jorge Dalto con otros tan populares como Amy Winehouse, Al Jarreau o Jamie Cullum.

Todo lo que encontraréis se encuentra ubicado en el entorno del jazz, pero hemos querido buscar cuales son las fronteras de esta fascinante música y pasearnos por ellas.

Joao Bosco es jazz? Gino Vannelli es jazz? Erykah Badu?
En nuestra opinión todos ellos toman prestados elementos muy característicos de esa música completados con su personal visión y su bagaje musical. Eso enriquece? Nosotros creemos que si. Os apetece comprobarlo?

Esperamos que os resulte una experiencia interesante.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Storm ut Sunup. Legendario tema de Gino Vannelli contenido en su trabajo de igual nombre, editado en el año 1975. La linea de bateria que aporta el canadiense Graham Lear es extraordinaria y fue en su día transcrita integramente en el revista Modern Drummer. Una auténtica gozada. Otra curiosidad es que no hay bajista. El poderoso bajo que oís es una creación de Joe Vannelli, hermano de Gino, y de su arsenal de sintetizadores.

2-Papel Marché. Nos vamos al otro extremos para rescatar este delicado tema de Joao Bosco, contenido en su fantástico "Gagabiró", editado en 1984. Encontraréis el disco completo en Música para Gatos.

3-Angelica. Un extraordinario y desconocido pianista cubano, Emiliano Salvador, nos regala este precioso tema desde su primer trabajo "Nueva Vision" grabado en el año 1979. Salvador fue el pianista habitual de Silvio Rodriguez y de Pablo Milanés y quizás eso escondió todas sus virtudes.

4-Singin' in the Rain. Extraordinaria versión del clásico a cargo de un jovencísimo pianista britanico de nombre Jamie Cullum. Es posible actualizar un tema de principios de los años 30 para que resulte atractivo sin perder su esencia? Cullum lo intenta y el resultado vale la pena. Extraído de "Twentysomething"(2003) , su tercer trabajo.

5-Delores. Charles Fambrough es un pianista nacido en Philadelphia, influenciado por la música de algunos grandes del jazz como Art Blakey, McCoy Tyner, Herbie Hancock y Wayne Shorter, así como por los ritmos latinos, brasileños y afrocubanos. El tema está extraído de su trabajo del año 1995, "City Tribes".

6-Niqui. Bonito tema contenido en el primer trabajo del extraordinario guitarrista Bobby Broom. Podéis encontrar el disco completo en Música para Gatos.

7-Groovin' Hight. En nuestra opinión esta es una de las mejores versiones del clásico de Gillespie. Nos la regala Al Jarreau desde uno de sus últimos trabajos, el magnífico "Accentuate the Positive" (2004).

8-Orange Moon. Un gran tema de una de las vocalistas más interesantes e inteligentes de los últimos años, Erykah Badu. El tema está contenido en el que es, según nuestra opinión, su mejor trabajo hasta la fecha, "Mama's Gun" (2000).


9-Ariela. El desconocido y extraordinario saxofonista Hector Costita nos obsequia con un excelente y emotivo tema. Desde "Paracachum", grabado en el año 1985. Podéis encontrar el disco completo en Música para Gatos.

10-Sky. Precioso tema del gran pianista argentino Jorge Dalto, contenido en su "Listen Up". Lo más extraordinario de Dalto es que parece un tema sencillo, pero prestar atención y veréis la complejidad y apreciaréis el inimitable "toque" de este ilustre desconocido.
Podéis encontrar el disco completo en Música para Gatos.

11-Prince of Peace. Interesante tema con gotitas de funk, rap y más. Desde "A Joyful Noise Unto the Creator" de los britábicos Galliano.

12-Samba D'Rivera. El saxofonista de origen cubano Bobby Martinez nos ofrece este tema latin dedicado a uno de los gurús del genero, el también cubano Paquito D'Rivera quien participa en la grabación. Desde "Latin Elation I" del año 2005.

13-The Red Blouse. Desconocidísimo tema del maestro Antonio Carlos Jobim contenido en uno de sus mejores trabajo, el extraordinario "Wave" del año 1967.

14-Know You Know. La polémica Amy Winehouse desde su extraordinario primer trabajo, "Frank", del año 2003. Su siguiente album fue una operación comercial de gran éxito, pero "Frank" es realmente magnífico. Compruébalo escuchando una parte.

15-Love the Way. Bonito tema contenido en el primer trabajo del guitarrista Jorge Santana, editado en el año 1978. Podéis encontrar el disco completo en Música para Gatos.

16-Bird of Beauty. Cerramos con esta extraordinaria versión de uno de los grandes temas de Stevie Wonder a cargo de la vocalista californiana Marilyn Scott. Arreglos de Dori Caymmi y guitarra de Ricardo Silveira con producción de los Yellowjackets. Precioso.

Versión original interpretada por Stevie Wonder, sin duda uno de los grandes de la música popular del pasado siglo XX.


Jazzy



miércoles, 27 de enero de 2010

"Live with Crossfire" (1980) de Michael Franks.






Michael Franks nace un 18 de septiembre del año 1944 en La Jolla (California). Enormemente popular en los años 80, Franks ha trabajado con músicos de la talla de Patti Austin, Brenda Rusell, Art Garfunkel o David Sanborn y sus temas han sido grabados por gente del nivel de The Manhattan Transfer, Patti Labelle, Carmen McRae, Diana Krall o The Carpenters, por citar unos pocos. Franks creció al sur de California con sus padres y sus dos hermanas pequeñas. Aunque ninguno de sus familiares tuvo relación alguna con el mundo de la música, sus padres eran unos grandes aficionados al swing y escuchaban con frecuencia a grandes del jazz como Peggy Lee, Ira Gershwin, Johnny Mercer, Nat King Cool o Irvin Berling. Estás fueron las primeras influencias que recibió Franks.

Chuck Loeb lo explica bien en el video. Tocan The Lady Wants to Know. Un supergrupo con Franks, Loeb, Eric Marienthal, Dennis Chambers... disfrútalo.



Al cumplir los 14 años, Franks se compró su primera guitarra, una Marco Polo japonesa que le costó 29,95$. Incluía 6 lecciones privadas, la única formación musical que Franks iba a recibir.
Al llegar al instituto Franks empezó a tocar en un grupo de rock-folk. Más tarde se iría a estudiar a la Universidad de UCLA y sería allí donde descubriría las que a la postre serían sus más grandes influencias, personificadas en músicos como Dave Brubeck, Patti Page, Stan Getz, Joao Gilberto, Miles Davis y, muy especialmente, el maestro Jobim.

Antonio's Song, compuesto por Franks en honor de Antonio Carlos Jobim.


A finales de los años 60, Franks empezó a componer sus primeros temas. Participó en un musical antibélico y hizo sus primeras bandas sonoras para cine, hasta que en 1973 grabó su primer trabajo más tarde rebautizado como "Previously Unavailable". Era un disco con carácter marcadamente folk que nada tendría que ver con sus siguientes trabajos.

Fue en el año 1976 cuando grabó su segundo trabajo. Producido para Warner Bross por el gran
Tommy Lipuma, "The Art of Tea" contenía grandes temas como "Eggplant", "Sant Elmo's Fire" o el muy irónico "Sometimes I Just Forget to Smile", además de grandes clásicos del cantautor, como "Popsicle Toes" o "Monkey See, Monkey Do" e incluía en su nómina a músicos de la talla de Michael Brecker, Dave Sanborn o Wilton Felder (de Crusaders). Desde entonces hasta su último "Watching the Snow" del año 2006, nada menos 15 discos firmados por Franks (sin incluir recopilaciones ni directos), algunos tan brillantes como "Sleeping Gypsy" (1977), "Tiger in the Rain"(1979), "Abandoned Garden" (1995) o el que representó su mayor éxito comercial "Passionfruit" grabado en el año 1983.

En el año 1980 Michael Franks dió una serie de conciertos en Australia y Nueva Zelanda acompañado por una banda local llamada Crossfire. Fruto de dichos conciertos nace este trabajo editado por WEA Records ese mismo año y que contiene algunos de los temas más clásicos del primer repertorio de Franks, como "Chain Reaction" (esta compuesta por Joe Sample con letra de Franks) , "Antonio's Song", dedicado a su ídolo Antonio Carlos Jobim, "Popticle Toes", "When the Cookie Jar is Empty" o su tema más versionado, "The Lady Wants to Know".

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Don't Be Blue John Guerin, Franks
2-When the Cookie Jar is Empty Franks
3-The Lady Wants to Know Franks
4-B'Wana He No Home Franks
5-Chain Reaction Joe Sample, Franks
6-Antonio's Song Franks
7-Monkey See - Monkey Do Franks
8-Popsicle Toes Franks

CREDITS

Michael Franks Vocals, Guitar, Composer, Producer
Crossfire son: Jim Kelly, Michael J. Kenny, Tony Buchanan, Phil Scorgie, Ian Bloxsom, Steve Hopes

Jazzy

lunes, 25 de enero de 2010

"Jorge Santana" (1978) de Jorge Santana.









Hace días que tengo ganas de permitirme una frivolidad y cuando he recordado este disco me ha parecido que era del todo oportuno para saciar mi inquietud. Este trabajo fue grabado en 1978 por Jorge Santana, también conocido por los señores críticos como 'Malo' Santana por ser el guitarrista 'malo' de la familía de su insigne hermano Carlos. Evidentemente no es, un disco esencial en ninguna discografía pero lo cierto es que si tienes una cierta edad (a partir de los 40, más o menos) y eres un poco nostálgico, escucharlo te va a sacar una sincera sonrisa ya que es el reflejo absoluto de la música comercial de una época en la cual dicha música comercial aún tenía un cierto valor artístico. Grabación amable, divertida, bailable y en ocasiones salvajemente ingénua, el disco de Santana nos parece un perfecto antídoto contra depresiones poco profundas. No te pongas exigente y simplemente escucha y disfruta con el punto hortera de Jorge Santana quien, a estas alturas del mundo, ya ni siquiera nos parece tan 'malo'.

Una última recomendación en el caso de que te animes a escucharlo. NO COMIENCES por el primer tema ya que, si estas aquí es que tienes un oido algo afinado y podría ser demasiado. Empieza por la muy cálida "Love the Way" y sigue a partir de ahí,si puede ser, ya puestos a pedir, obviando la siguiente, "Sandy". Creo que al final el esfuerzo habrá valido la pena.

Esta vez si, espero vuestros comentarios.

Espero que os entretenga.

Encontraréis link en comentarios.



TRACKS

(Todos los temas compuestos por Jorge Santana y Richard Bean.)

1-Love You, Love You
2-We Were There
3-Love the Way
4-Sandy
5-Seychells
6-Nobody's Perfect
7-Tonight You're Mine
8-Darling I Love You


CREDITS


Jorge Santana Lead Guitar, Vocals
Richard Bean Guitar, Lead Vocals
Carlos Roberto Bass
Kincaid Miller Keyboards
Jerry Marshall Drums
Yogi Newman Percussion



Jazzy

"Gagabiró" (1984) de Joao Bosco.







Nacido en Ponte Nova, Minas Gerais en el año 1946, Joao Bosco es una de las principales figuras de la música brasileña de los últimos 40 años y es también unos de los músicos más respetados en su país a pesar del generalizado desconocimiento que fuera de las fronteras cariocas existe sobre él.

Bosco se licenció como ingeniero civil en el año 1972, pero pronto entendió que lo suyo iba a ser la música y desde entoces ha conseguido convertirse en uno de los compositores más interesantes de Brasil.
Se crió en una familia para la cual la música era tan importante como el propio sustento. Su madre era violinista, su padre cantante de samba, su hermana concertista de piano y su hermano compositor. Con esos precedentes no es de extrañar que el pequeño Joao se sintiera atraído por el maravillosos arte de ordenar sonidos.

Mientras asistía a la Universidad de Ouro Preto se impregnó del jazz estadounidense y, especialmente de Miles Davis, pero también del sonido de la bossa nova que Antonio Carlos Jobim y Joao Gilberto acababan de inventar. Fue allí donde conoció al poeta Vinicius de Moraes quién contribuyó con sus elegantes letras a las primeras músicas de Bosco. A partir de entonces Bosco de convirtió también en uno de los compositores que más temas suministró al repertorio de la gran Elis Regina, colaborando con ella hasta el día de su muerte.

A principios de los 70 Bosco comenzó la que iba a ser su colaboración musical con un psiquiatra que decidió dejar su trabajo para convertirse en uno de los
más grandes letristas de la música brasileña, nada menos que Aldir Blanc. Las letras de Blanc eran ingeniosas, surrealistas, y algo ambiguas; cosmopolitas pero trufadas de referencias a la cultura popular brasileña, y siempre llenas de inteligencia, incorporando combinaciones políglotas en idiomas como el portugués, el inglés, el francés, el español y el yoruba además de imaginativos juegos de palabras , que las convirtian en el complemento ideal para la música de Bosco.

El auge de la carrera Bosco coincidió con la dictadura militar de Brasil, que duró de 1964-1985 y su obra, incluso las canciones de amor más inocentes, fueron censuradas. A este respecto en una entrevista que concedió a mediados de los años 80, Bosco afirmaba, "Todo lo que componía y cantaba fue censurado. Y no había directrices sobre lo que se podía hacer y decir . Cada tema que componía me suponía pasar horas en la oficina de censura, discutiendo". Su primer larga duración, el autodenominado "Joao Bosco" fue editado en el año 1973. Le seguirían "Caça a Raposa" (1975) y "Galos de Briga" (1976). Desde entonces no ha dejado de grabar.

En 1977 escribió la que fue su canción de protesta más personal, "O Bebado E O Equilibrista" incluído en su disco "Tiro de Mirericordia". La canción se convirtió en un auténtico himno a favor de la vuelta de los exiliados políticos de la dictadura brasileña además de ser el tema de Amnistía Internacional y una de las piezas más exitosas de la gran Elis Regina. Este tema tiene una curiosa historia que podéis encontrar en el post "Elis Regina: La voz más popular de la Bossa Nova" publicado en Música para Gatos en pasado 21 de junio de 2009.

Joao Bosco interpretando "O Bebado E O Equilibrista". La letra es de Aldir Blanc. Bosco se queda en segundo término y deja al público interpretar el tema de forma íntegra. Eso es lo que sucede cuando un tema deja de pertenecer a su creador y pasa a formar parte de la historia. Bosco lo entiende, lo asume y lo celebra. Realmente conmovedor.


A pesar de su fama en Brasil, la música de Joao Bosco no fue conocido por los estadounidenses hasta que se hizo una aparición con el guitarrista californiano de jazz fusionLee Ritenour, un auténtico enamorado de los ritmos brasileños, en el año 1988. No fue suficiente para convertir a Bosco en una estrella internacional, pero comenzó a atraer más interés en los EE.UU. A principios de los 90 Bosco organizaría una gran gira por norteamérica y comenzaría a aparecer de forma regular en el Festival de Jazz de Montreux, lo que le daría una mayor resonancia a su carrera.

Joao Bosco siempre se ha sentido muy próximo a su país y a su cultura, hasta el punto de no querer salir de Brasil por períodos prolongados de tiempo. Así, mientras su carrera continúa siendo una incógnita para una gran parte del público internacional, su música, sigué resultando para el oyente una curiosa, a veces relajante, otras muy excitante mezcla de sabores, incorporando a su receta elementos propios de la samba, la bossa nova, el rock. el jazz y algo de folk, consiguiendo un resultado que resulta de una inventiva y originalidad capaz de desarmar a cualquier oyente dispuesto a escucharle.

Preciosa interpretación de "Papel Marché" a cargo de Bosco. Encontraréis la letra subtitulada al español por gentileza del internauta Horcris187.


El disco que hemos decidido compartir con vosotros se llama "Gagabiró" y fue grabado en el año 1984. Creémos que este trabajo es una auténtica perla dentro del ámbito de la fusion de estilos ya que incorpora con habilidad algo de la músicas brasileña, africana y cubana, incluyendo algunos temas absolutamente imprescindibles en la discografía de Bosco, como el precioso "Papel Marché" o el muy irónico "Preta-a-Porter de Tafeta".

Link a la discografía completa de Joao Bosco.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.


TRACKS


1 - Bate um Balaio ou Rockson do Pandeiro Bosco
2 - Papel Machê Bosco, Capinam
3 - Pret-a-Porter de Tafeta Bosco, Blanc
4 - Imã dos Ais Bosco, Capinam
5 - Gagabirô Bosco
6 - Jeitinho Brasileiro Bosco, Blanc
7 - Tambores Bosco
8 - Retorno de Jedai Bosco, Blanc
9 - Senhoras do Amazonas Bosco, Belchior
10 - Dois Mil e Índio Bosco, Blanc



CREDITS


Joao Bosco Guitarra, Voz, Arreglos (1,5,6 y 7) , Composición, Productor
Radamés Gnatalli (8), Ivan Paulo (3 y 5) , Nico Assumpçao (1 y 6), Cristovao Bastos (2) ,Dori Caymmi (4) Arreglos
Sergio Carvalho Piano (3)
Luizao (3 y 6) , Jamil (2, 4 y 8), Nico Assumpçao (1,5,7 y 10) Bajo
Wilson Das Neves (3 y 6), Teo Lima (2,4 y 8), Robertinho Silva (10) Bateria
Robertinho Silva Ganzá
Cesar Camargo Mariano Piano, DX-7, Arreglos (1 y 9)
Cristovao Bastos DX-7 (2,4,5,6 y 8)
Armando Marçal, Nilton Marçal, Elizeu Félix, Milton Manhaes Tamborim en 6.
Armando Marçal, Chacal Percusión en 8
Nilton Marçal Cuica en 6
Antenor Marqués Surdo, Agogó en 6
Antenor Marques, Elizeu Félix, Roberto Pinheiro Ganzá en 6
Paulo Correa Caixa de Guerra en 6
Jorge Ferreira Pandeiro en 6
José Belmiro Repique en 6
Regininha, Luna, Cláudia Telles, Flávio, José Luis, Marcio Vocales en 10
Afonsina Pires, Eurídice, Maura Maria, Marlene, Zélia, Zenilda, Carlos Alberto, Raymundo Lopes, Stenio Barcellos, Tufic Coro en 6
Alceu Reis, David Chew, Eugen Ranevsky, Jorge Ranevsky, Jaques Morelembaum, Luis Zamith, Marcio Malard, Marie Stephanie Cellos en 9
Wanda Eichbauer Harpa en 9
Giancarlo Pareschi, Alfredo Vidal, Aizik Geller, Carlos Eduardo Hack, Francisco Perrotta, José Alves Da Silva, Jorge Faini, Michael Bessier, Virgilio Arraes Filho, Walter Hack, Paschoal Perrotta, Luis Carlos Marques Violines en 4
Antonio Fidelis, Arlindo Figuereido, Hindenburgo Vitoriano, Nelson Macedo
Violas en 4
Alceu Reis, Jorge Ranevsky, Jaques Morelembaum, Luis Zamith Cellos en 4


Jazzy

domingo, 24 de enero de 2010

"Keeping Time" (1993) de Jason Rebello








Jason Mathew Rebello, más conocido como Jason Rebello, es un joven y extraordinario pianista de jazz nacido en Carsharton, Inglaterra, en el año 1969.

Sólo de Jason Rebello acompañado por Sting al bajo.


Rebello comenzó tocando el piano clásico a la edad de nueve años, interesándose por el folk y el soul, pero a la edad de 16, tras oír a Herbie Hancock, se inclinó por el jazz. Con 19 años se convirtió en el primer músico de jazz en asegurarse una plaza de estudiante en la England's Guildhall School of Music and Drama. Ganó experiencia como acompañante de un surtido grupo de estrellas americanas como James Moody, Bud Shank, Art Blakey, Gary Burton, Branford Marsalis y Wayne Shorter, quién produjo su primera grabación como bandleader "A Clearer View" en el año 1990. También trabajo con algunos músicos ingleses como Tommy Smith, Cleveland Watkins, Steve Williamson o Alec Dankworth.

En el año 1993 aparece en el mercado su segundo trabajo en solitario, "Keepin' Time", una colección de 14 temas, todos ellos compuestos por Rebello. Lo cierto es que es un disco al que le falta una cierta cohesión pero que incluye unos cuantos extraordinarios t
emas como "Coral Beads", "The Stream" o "Eraserhead", en la linea más fusion, mezclados con suaves baladas, en general con la intervención de la vocalista Marian Jane Baptiste, y temas más funky en los que participa Jocelyn Brown. Eso genera que al final no tengas muy claro que es lo que acabas de escuchar. Pero hay que entender que la trayectoria musical de Rebello y sus influencias son variadas y que en el momento de la grabación del trabajo tenía tan sólo 23 años. Quizás un buen productor hubiera solucionado este pequeño problema pero lo cierto es que era el propio Rebello quien desempeñaba este rol. Todo y así creémos que es un ejercicio interesante que merece ser destacado y es por ello que hemos decidido escogerlo para compartirlo con vosotros en el post de hoy.

Con Jeff Beck, Tal Wilkenfeld y Vinnie Colaiuta en un concierto celebrado en el año 2007 en el Ronnie Scott de Londres, interpretado "Space Boogie".


Después de "Keeping Time" Rebello ha participado en algunas grabaciones con artistas como Jean Toussaint, Tony Remy, Lammas, Tim Garland o Julian Joseph, además de editar dos trabajos más como lider, "Last Dance" y "Next Time Round" que realmente no le han dado el reconocimiento que merece la calidad de su propuesta y su habilidad como pianista.
Sería Sting quién le daría algo más de notoriedad cuando lo seleccionó para participar
en las giras que realizó a finales de los 90 y principios del siglo en curso además de las grabaciones que editó en este período. La primera de ellas sería el interesante "Brand New Day" (1999), a la que le seguirían "All This Time" (2001) y el fallido "Sacred Love" (2003).

Esperamos que os guste "Keeping Time". Encontraréis link en comentarios.



TRACKS

1-Coral Beads Rebello
2-Close Your Eyes Baptiste, Rebello
3-The Stream Baptiste, Rebello
4-Permanent Love Brown, Rebello
5-Silver Surfer Rebello
6-Keeping Time Baptiste, Rebello
7-Eraserhead Rebello
8-Little Man Rebello
9-Spider Baptiste, Rebello
10-Wind in the Willows Rebello
11-Swings & Roundabouts Baptiste, Rebello
12-Tic Toc Rebello
13-The Future Brown, Rebello
14-Journey's End Rebello



CREDITS


Jason Rebello Piano, Keyboards, Programming, Vocals (bckgr), Producer
Darren Abraham Drums
Marianne Jean Baptiste Vocals
Jocelyn Brown Vocals
Patrick Clahar Saxophone
Julian Crampton Bass
Thomas Dyani-Akuru Percussion
Mike Mondesir Bass
Tony Remy Guitar
Jeremy Stacey Drums


Jazzy

viernes, 22 de enero de 2010

Djavan Box








Djavan Caetano Viana nace en Maceió (Alagoas) el 27 de enero de 1949. Hijo de familia humilde, cuando aún era un crio se dedicaba a cantar los éxitos de Ângela Maria y Nelson Gonçalves. Poco más tarde aprendió a tocar la guitarra como pudo y a ganarse la vida jugando de centrocampista en el CSA, un modesto equipo de fútbol de Brasil.

A los 18 años formó su primera banda, Luz, Som, Dimensão (LSD). Con ella empezó a tocar en clubes, playas e incluso iglesias. Al año siguiente decide abandonar el fútbol y dedicarse de pleno a su gran pasión, la música. Fue uno de esos días, rasgueando su guitarra, cuando descubrió que tenía habilidad para componer y aunque sus compañeros de grupo no le entendían demasiado bien Djavan tenía ya una idea que aún le acompaña; le gusta cantar pero necesita componer. Con esa idea en la cabeza decide tentar a la suerte y en 1973 se traslada a Rio de Janeiro.

Los inicios fueron difíciles. Djavan venía del norte de Brasil y no tenía ningún conocimiento sobre la gran ciudad. Pero sus desilusiones iniciales se fueron poco a poco confundiendo con sus deseos y el sueño comenzó a tomar visos de realidad. Contó con la ayuda de Adson Mauro, quién le presentó a Adelzon Alves y este a João Mello de Som Livre. Es Mello quién le da su primera oportunidad que consiste en grabar músicas de otros artistas para las telenovelas de TV Globo. En este período interpreta temas como “Alegre menina” de Jorge Amado y Dorival Caymmi o “Calmaria e Vendaval” de Toquinho y Vinícius de Moraes. Con este trabajo y sus apariciones en algunos clubes como Number One de Ipanema y 707 de Leblon, Djavan gana el dinero suficiente para traerse a su mujer y a su hija a vivir a Rio.

Djavan interpreta "Linha Do Ecuador", contenida en su "Coisa De Ascender" (1994).


Pero aún tenía pendiente su gran sueño; componer. La oportunidad para demostrar su talento en esta faceta le llegó en el año 1975 con su participación en el Festival Abertura donde conquistó el segundo lugar. Ese hecho le dió la oportunidad de grabar su primer LP, nada menos que Flor de Lis que llegaría al mercado en el año 1976. La canción que da título al disco es un auténtico himno en Brasil y uno de los temas que han pasado a la posteridad, siendo interpretado por innumerables artistas. Cuentan que esta canción fue compuesta por Djavan tras pasar por la terrible experiencia de perder a su mujer y a su futura hija durante el parto. Curiosamente es una canción optimista que pone de relieve que el poeta saca belleza de donde sólo parece haber dolor.

Al año siguiente Djavan firma contrato con EMI-Odeon con quienes graba tres trabajos extraordinarios; “Djavan” (1978), “Alumbramento” (1980) y “Seduzir” (1981). En estos tres discos ya aparecen algunos temas fundamentales en la carrera del artista como "Serrado" y "Alibi" del primero, "Meu bem Querer" y "A Rosa" (en duo con Chico Buarque) del segundo y "Seduzir" y "Faltando Um Pedaço" del tercero. Artistas, público y crítica comienzan entonces a reconocer a Djavan como un excelente compositor. Nana Caymmi graba "Dupla Traiçao"; Maria Bethania, "Alibí" y Roberto Carlos se atreve con la fantástica "A Ilha". Gal Costa interpreta "Açai" y "Faltando Um Pedaço". Pero el mayor homenaje le llega cuando Caetano Veloso al grabar "Sina" acuña la expresión Djavanear (por el famoso Caetanear). Sus canciones se oyen en la radio, en diversos espectáculos y en discos. Djavan recibe durante dos años consecutivos (81 y 82) el premio que otorga la Associação Paulista dos Críticos de Arte y que le acredita como el mejor compositor de Brasil.

A pesar del deficiente sonido vale la pena ver esta interpretación de "Sina" con Caetano Veloso como invitado especial.


En 1982 Djavan ya es un artista consagrado. Ese mismo año firma con CBS (actualmente Sony Music) y se traslada a EEUU para grabar su siguiente trabajo. Se llamará "Luz" y contará con la participación especial de grandes artistas como Stevie Wonder (en el corte "Samurai") , el saxofonista Ernie Watts o el teclista Ronnie Foster, quién además es el productor. Os recomiendo miréis los créditos. Son absolutamente extraordinarios.

"Luz" (1982) convierte a Djavan en una estrella internacional y lo cierto es que si conoces todos los cortes en profundidad lo entiendes a la perfección. Son 10 temas, todos ellos extraordinarios, aunque en mi opinión resaltaría "Luz", "Capim", "Esfinge" y el breve (poco más de 2 minutos) "Minha Irma" dedicado, como indica el título, a su hermana. Una auténtica orgía de ritmo y melodía al alcance de muy pocos artistas.

En 1997 Djavan y Al Jarreau se encontraron en un concierto en Sao Paulo, interpretando conjuntamente canciones de ambos repertorios. Hemos creído interesante incluir un tema de Djavan y otro de Jarreau. A pesar de el deficiente sonido y de que queda claro que no cantan juntos de forma habitual el resultado me ha parecido muy interesante. Podéis ver a continuación dos de los temas más conocidos de uno y otro, "Flor de Lis" de Djavan y "Mornin'" de Jarreau.


Desde entonces la carrera de Djavan ha sido absolutamente envidiable. Más de una decena de trabajos originales, algunos tan interesantes como "Lilás" (1984), "Meu Lado" (1989), , "Coisa de Ascender" (1993), "Novena" (1994) o "Malasia" (1996). Su último disco se llama "Matizes", editado por Luanda Records en el año 2007.

Como figura pública, Djavan conoce bien la repercusión de sus actos y p
alabras pero nunca ha escondido su postura política como simpatizante del PT (izquierda brasileña). Confiesa que para él un buen candidato es aquel cuyo programa priorice la educación, la salud y la reforma agraria y que tenga posibilidades de formar un grupo fuerte, que garantice la governabilidad del país. Una postura coherente que entronca con sus humildes orígenes.

Otro bonito video con Caetano como invitado. Desde el programa Chico&Caetano, de emitido por la televisión brasileña. Sencillo y precioso.


Por todo ello hemos decidido dedicarle una Box en la cual daremos cabida a una parte importante de sus ya casi 20 trabajos originales, en parte acuciados por el que nos parece un desagradable comentario sobre el artista en la todopoderosa guía americana Allmusicguide, calificando su carrera como "respectable", un adjetivo que, sin ser insultante, nos parece francamente tibio para un músico del nivel de Djavan, actualmente el tercer compositor más versionado de Brasil, sólo superado por el maestro Jobim y por el gran Milton Nascimento.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Flor de Lis.
Desde "A Voz E A Violao" (1976), su primer trabajo, más tarde reeditado como "Flor de Lis". Un tema con una conmovedora historia que ya hemos comentado en el post. Un auténtico himno en Brasil.


2-Alumbramento.
Precioso tema que da título al tercer trabajo de Djavan, editado en 1980.


3-Dupla Traiçao.
Composición que cierra su segundo trabajo, el autodenominado "Djavan" (a veces también llamado "Cara De Indio") editado en el año 1978. Un tema absolutamente conmovedor. Pasión y poesia al servicio de la música.

4-Seduzir. Otro tema muy conocido de Djavan. No hay concierto del artista en el que no suene, incluso actualmente. Extraído del cuarto disco del cantautor, "Seduzir" editado en 1980.

5-Jogral. Otro gran tema de este extraordinario "Seduzir" (1980).

6-Alagoas.
Versionadísimo tema que Djavan compuso para su segundo trabajo "Djavan" de 1980. Dedicado a la tierra donde nació. Lo recordaréis en la voz de la vocalista brasileña Ana Caram.


7-Obí.
Extraído de "Lilás", trabajo editado en el año 1984.


8-Luz.
Uno de los grandes temas de unos de los grandes discos de Djavan, "Luz" grabado en el año 1982. En este corte cuenta con la colaboración estelar del gran Hubert Laws, al la flauta.


9-Limao.
De "Novena" (1984) extraemos este refrescante tema que resume toda la potencia de las composiciones del autor a pesar de que no es una de sus más conocidas melodías. Preciosa.


10-Linha Do Equador.
Extraído de "Coisa de Ascender", grabado en el año 1991.


11-Quase de Manha.
Tema incluído en uno de sus trabajos más internacionales, "Meu Lado" editado en 1989. El saxo es David Sanborn.


12-Oceano.
Otra colaboración estelar para este tema, nada menos que la guitarra del gran Paco De Lucia. Este fue el tema central de su trabajo (a veces llamado "Djavan", otras llamado "Oceano") editado en el año 1989.


13-Que Foi My Love.
Brillante e irónica composición que abre su
"Malasia", editado en el año 1996.


14-Cordilheira.
Otro interesante corte extraído del "Malasia" (1996),


15-Maça.
Volvemos a retroceder en el tiempo para acercarnos a su trabajo del año 1987 "Nao é Azul mas É Mar". De él extraemos este precioso tema.


16-Celeuma.
De uno de sus últimos discos en el mercado, "Vaidade", editado en el año 2004, escogemos este interesante corte


17-Bicho Solto.
Si hay un disco de Djavan que incorpore grandes dosis de funk, este es sin duda "Bicho Solto" (1998), su último trabajo original en el pasado siglo. Este es el tema que le da título.


18-Minha Irmà.
Tema que cierra el que a nuestro entender es uno de los mejores trabajos del cantautor de Maceió, "Luz" (1982), producido por Ronnie Foster.

Jazzy