"To the Heart" (1976) de Mark-Almond, uno de los más grandes trabajos del fusion europeo.

Dos excelentes músicos británicos de estudio, John Mark (guitar, vocals, drums) y Johnny Almond (sax, flutes, vocals, vibes y percusión) se conocieron a finales de los 60s mientras tocaban en los Bluesbreaker de John Mayall. Antes de ingresar en la banda de Mayall, Mark había coproducido junto a Mick Jagger algunos de los primeros trabajos de Marianne Faithfull. Para ella llegó a escribir algunos temas y participó activamente en sus giras. También fue un asiduo en los conciertos del cantante folk Alun Davies con quien montó una banda que se llamó Sweet Thursday. Por su parte Almond había tocado en la Zoot Money's Big Roll Band, la Alan Price Set y la Johnny Almond's Music Machine, todas ellas bandas muy poco conocidas.

Tras su experiencia en Bluesbreakers, donde grabaron dos trabajos, "Turning Point" y "Empty Rooms", ambos decidieron comenzar una nueva carrera y para ello reclutaron al bajista Rodger Sutton y al teclista Tommy Eyre. El resultado fue la primera versión de Mark-Almond, a veces también llamada Mark-Almond Band. El grupo creció, pasando a ser un septeto en el año 1973, pero poco después, dados sus pobres resultados comerciales, decidieron disolverlo. Tres años más tarde, en 1976 se volvieron a reunir para grabar To The Heart, posiblemente su mejor trabajo y el disco que hemos decidido compartir hoy con vosotros tras comprobar que encontrarlo en el mercado es una misión del todo imposible, cosa que suele pasar con muchos grandes discos grabados en los años 70s.

To the Heart nos parece una auténtica demostración de buen fusion. Contiene rock y jazz; ritmos brasileños (en New York State of Mind) y bastante folk, incluso algo de clásica (en On More for the Road), pero a pesar de acreditar tanta variedad de lenguajes musicales es un disco enormemente compacto y muy bien diseñado.

De entre todas las composiciones que integran el vinilo original nos apetece destacar New York State of Mind/Return to the City, el tema que abre la grabación, además de la mencionada On More For the Road, la curiosa Here Comes the Rain y, muy especialmente la vibrante Busy On The Line, una de las composiciones más interesantes y que mejor plasman la realidad musical de unos años en los cuales la creatividad se comía con patatas cualquier etiqueta musical que se inventaran discográficas y críticos. Puedes escuchar estos temas en el reproductor que hemos ubicado a continuación.

Music Playlist at MixPod.com

Mark-Almond interpretan en directo el tema de Billy Joel que abre To the Heart, New York State of Mind. La imagen es fija pero el sonido corresponde a un concierto del año 1980.


Esperamos que os guste.

Encontraréis link a "Busy On The Line" de Mark-Almond en comentarios.

TRACKS

1-Medley: New York State of Mind/Return to the City
2-Here Comes the Rain, Parts 1&2
3-Trade Winds
4-One More for the Road
5-Busy on the Line
6-Everybody Needs a Friend

CREDITS

John Mark Vocals, Guitar
Johnny Almond All saxes, All flutes, Vibes
Tommy Eyre Keyboards
Billy Cobham Drums
Wolfganf Melz Bass
Milt Holland Percussion
Gary Barone Trumpet, Flugelhorn
Greg Bloch Violin, Electric Violin
Jack Elis Trombone

Jazzy

"Blues at Bradley's" (1993), el primer directo del gran bajista de Philladelphia, Charles Fambrough.

Charles Fambrough es un bajista y compositor nacido el 25 de agosto del año 1950 en Philadelphia, influenciado por la música de algunos grandes del jazz como Art Blakey, McCoy Tyner, Herbie Hancock y Wayne Shorter, así como por los ritmos latinos, brasileños y afrocubanos.

Originalmente estudió piano clásico, pero a los 13 años se interesa por el bajo, que será su instrumento definitivo.
En 1968 comenzó a tocar con grupos locales de su Philadelphia natal y dos años después, en 1970, le aparece la oportunidad de unirse a la banda de Grover Washington, Jr. permaneciendo con el famoso saxofonista hasta 1974.

Después de esa experiencia se incorpora al grupo del percusionista brasileño Airto Moreira, quien le enseña a tocar el berimbau. Posiblemente en este momento nace el gusto de Fambrough por los ritmos procedentes de Brasil, que estarán presentes en gran parte de las grabaciones que hará como lider de su propio grupo en el futuro. En el 78 empieza su andadura con el pianista McCoy Tyner que se prolongará hasta el año 80, momento en el cual se incorpora a los Jazz Messengers de Art Blakey con quienes adquiere el mayor reconocimiento hasta la fecha.

Aquí le vemos con The Jazz Messengers de Art Blakey junto a Wynton Marsalis, Branford Marsalis, Bill Pierce y Donald Brown interpretando "Little Man".


Tras abandonar la banda de Blackey comienza a hacer sesionista, participando en grabaciones de gente tan conocida como los hermanos Wynton y Branford Marsalis, Roy Hargrove, Kenny Kirkland, Jerry González, Steve Turre, Donald Harrison, Kenny Garrett, Abdullah Ibrahim o Grover Washington, Jr.

En 1991 graba su primer larga duración como bandleader, "The Proper Angle", un magnífico trabajo compuesto por 10 temas originales: 6 del propio Fambrough más 4 composiciones de Ford, Kirland, Marsalis y la excelente versión del tema Don Quixote, de Milton Nascimento. Producido por el legendario Creed Taylor, "The Proper Angle" nos muestra a un excelente grupo de músicos entre los cuales se encuentran, además de los citados, algunos grandes nombres del jazz y del fusion como Steve Berrios, Roy Hardgrove, Mino Cinelu o Jerry Gonzalez. Podéis encontrar este trabajo en el siguiente enlace.

The Proper Angle(1991) de Charles Fambrough

Al año siguiente llegará su segunda propuesta, The Charmer, que seguirá la extraordinaria linea marcada por su predecesor. De los 7 temas que componen el disco, 4 están compuestos por Fambrough para la ocasión y el resto nada más y nada menos que por el saxofonista Grover Washington Jr y los pianistas Abdulah Ibrahim y Bill O'Connell, todos ellos con participación activa en la grabación. De hecho, los créditos de los discos del bajista siempre garantizan la presencia de grandes músicos y The Charmer no es una excepción ya que en él podemos encontrar, además de los citados, a gente como los baterias Jeff 'Tain' Watts y Jimmy Drummond, el trompetista Roy Hargrove, al pianista Kenny Kirland, al saxofonista Kenny Garrett o el percusionista Leonard Doc Gibbs, por sólo citar unos pocos.

Como su previo "The Proper Angle", "The Charmer" está producido por Creed Taylor para la legendaria CTI . De entre todos los temas que componen el larga duración nos apetece destacar las bellísimas Alycia/Andrea y Oasis, ambas de Fambrough; la conmovedora Lullaby for Shana Bly, en nuestra opinión, una de las grandes composiciones del genial Grover Washington Jr. y , como no, Sparks, el primer tema que Bill O'Connell incorporaría a un disco del bajista, iniciando de esta forma una colaboración que se haría extensible a la mayoría de las grabaciones de ambos y que duraría prácticamente hasta la actualidad. Podéis encontrar The Charmer a continuación.

The Charmer(1992) de Charles Fambrough

Aquí vemos a Charles Fambrough formando parte de la banda de Eugene Maslov, un hombre del que hablaremos en el tejado. Les acompañanan Ron Blake al saxo, Sean Jones a la trompeta y Wilby Fletche a la bateria.


Pero hoy nos vamos a ocupar del tercer trabajo de este excepcional bajista, su primer disco en directo, grabado los días 25 y 26 de febrero de 1993 nada más y nada menos que en el Bradleys's Jazz Club, un legendario local neoyorquino conocido por ser uno de los clubes de jazz más pequeños del mundo, pero también por tener una de las mejores acústicas. Allí han tocado desde Charlie Mingus hasta Paul Desmond. De hecho este último cedió su preciado piano como herencia a Bradley's tras su muerte.

Producido de nuevo por Cred Taylor para CTI, el disco contiene tan sólo 5 temas, tres de ellos (los tres primeros) de Fambrough. El resto se reparten entre el trombonista Steve Turre, que nos regala la deliciosa Steve's Blues, y el pianista habitual de las formaciones Fambrough, Bill O'Connell, un hombre con una larguísima experiencia como músico de sesión con artistas del nivel de Gato Barbieri o la Fort Apache Band por sólo citar un par de sus más ilustres colaboraciones y que aquí aporta la preciosa Better Days Are Coming.



Blues at Bradley's es un disco sobrio, sin estridencias, pero maravillosamente interpretado. Una grabación imprescindible que debe ser degustada con tranquilidad y en la que resulta francamente complejo destacar un sólo corte ya que todo el disco mantiene un excelente nivel. Si te gusta el jazz pero además eres aficionado al blues estamos seguros que te encantará. Compruébalo.

Por último te recomendamos repases los créditos de Blues at Bradley's, ubicados al final de este post. Absolutamente impresionantes.

Encontrarás link en comentarios. Click Read More.

TRACKS

1-Duck Feathers Fambrough
2-Blues for Bu Fambrough
3-Andrea Fambrough
4-Better Days Are Coming O'Connell
5-Steve's Blues Turre

CREDITS

Charles Fambrough Bass, Associate Producer

Donald Harrison Alto Saxophone Steve Turre Trombone, Shells Joe Ford Soprano Saxophone Bill O'Connell Piano Bobby Broom Guitar Ricky Sebastian Drums Steve Barrios Percussion

Jazzy

"Aja" (1977) uno de los grandes trabajos de la mítica banda Steely Dan.

Donald Fagen y Walter Becker se conocieron mientras estudiaban en el Bard College de Nueva York. Allí descubrieron que coincidían en cuanto a sus gustos musicales, simpatizando con estilos como el jazz, el blues, la música popular, además de la literatura contemporánea y el humor más ácido. Tras convertirse en buenos amigos deciden comienzar a componer algunos temas que fueron grabados con un nivel de producción más bien escaso y que más tarde serían recogidos en un disco doble recopilatorio que fue editado a mediados de los ochenta con el nombre "Beker y Faguen: The Collection". Después de este primer contacto con el mundo musical deciden trasladarse a Los Ángeles, donde firman con la discográfica ABC/Dunhill Records.

En 1972 graban su primer larga duración que se llamará "Can't Buy a Thrill". En ese momento la banda estaba formada por Denny Dias y Jeff "Skunk" Baxter a la guitarra, Jim Hodder a la batería y David Palmer en los vocales. En cuanto al origen del nombre de la mítica banda existen diferentes versiones. Hay quién comenta que Steely Dan es un personaje de una novela de William Burroughs. Pero la leyenda habla de otras versiones no tan románticas que indican que fue escogido tras realizar un cuidadoso estudio de mercado para procurar a la formación el nombre más comercial posible. Incluso añaden algunas de las posibilidades que se estuvieron barajando y que fueron descartadas al final. Como la mayoría de ellas no tienen desperdicio hemos creído divertido enumerarlas adjuntando también la traducción al español. Penis Whip (El azote del pene), Oceans of Chocolate (Océanos de Chocolate), Marsupial Soup (Sopa de marsupial), Thigh Patties (Muslos empanados), Saliva The Movie (Saliva: la película), The Don't Fucks (Los que no follan), The Bloody Stumps (Los tocones sangrientos) o Steel-Eye Pan (La cacerola del ojo de acero)... así, hasta llegar, afortunadamente, al definitivo Steely Dan.

En los 70s y 80s Steely Dan era una banda de estudio. No hacían conciertos y eso no cambió hasta bien entrados los 90s. Aquí les vemos interpretando Deacon Blues, el tema que cierra la cara A de Aja, en su gira del año 2003. Hemos querido añadir a continuación un reproductor que contiene la versión del disco para que podáis comparar.




Poco después la banda comienza una gira por USA y Reino Unido. En ese período lanzan dos nuevos trabajos que aún están musicalmente muy lejos de lo que será el gran Steely Dan. Sus nombres son "Countdown to Ecstasy" y "Pretzel Logic". Este último es el album en el cual Donald Fagen comenzó a hacer de vocalista y su compañero Walter Becker se adueñó de la guitarra.
Parece ser que la discográfica aceptaba a duras penas que Steely Dan fueran una banda de jazz fusion e hicieron todo lo posible para convencer a Becker y Fagen de que el rock era un género mucho más rentable pero por lo visto todos sus esfuerzos fueron en vano. Precisamente entonces se dieron cuenta de que para el tipo de música que querían poner en práctica aún no disponían del nivel adecuado de producción. En 1975 disuelven el grupo original y comienzan una serie de discos, rodeados por los mejores músicos de estudio de New York y Los Ángeles , trabajos que a la postre constituirán el nucleo duro de la música de esta fantástica banda. Estamos hablando de "Katy Lied" (1975), "The Royal Scam" (1976), "Aja" (1977), en nuestra opinión el mejor trabajo de su carrera además de el disco que hemos decidido compartir hoy con vosotros, y "Gaucho" (1980), otra excelente aportación que incluye una colaboración de Mark Knoffler a la guitarra.

Black Cow. Extraído de la misma gira que el corte anterior. Este es uno de los temas más clásicos de la banda.




"Aja" es un espléndido trabajo con unos créditos prácticamente insuperables que incluyen a músicos de la talla de Larry Carlton, Lee Ritenour, Steve Khan o Jay Graydon a las guitarras; Tom Scott y Wayne Shorter en las flautas y saxos; Joe Sample, Don Groinick o Victor Feldman a los teclados; Steve Gadd, Bernard 'Pretty' Purdie o Rick Marotta a la bateria; Chuck Raney al bajo y Michael McDonald en back-vocals. Pero es que además el disco es una colección de seis de los temas más brillantes compuestos por el duo Fagen-Becker entre los que nos apetece mucho destacar Black Cow, Aja (que incluye uno de los solos más populares del gran bateria Steve Gadd), Deacon Blues y I Got the News.

Cuando escuches Aja entenderás a lo que se refieren los críticos y aficionados cuando hablan del sonido Steely Dan. Su música tiene una personalidad propia que permite reconocer casi todos sus temas con sólo oir unos pocos compases. Y lo cierto es que ese sello tan peculiar parece venir de la mano de los orígenes Fagen y Becker como grandes aficionados al blues. La cadencia de su música es casi como un blues tocado con el tempo algo más alto y aderezado con multitud de ingredientes que Fagen, Becker y su productor Norman Granz (tan responsable del éxito de la banda como el vocalista y el guitarrista) tomaron prestados de géneros cercanos al jazz y también del reggae. El resultado es un cocktail fascinante que no os podéis perder. Degústadlo con tranquilidad y disfrutad de su inimitable ritmo.

Después de "Aja" llegó otro magnífico trabajo, "Gaucho" (1980), que repetía la fórmula con acierto, consiguiendo de nuevo una obra sensacional, pero justo entonces, cuando se encontraban en la cima de su popularidad, Donald Fagen y Walter Becker decidieron separarse. Fagen grabó su primer álbum en solitario, el extraordinario "The Nightfly" (1982), que resultó ser un éxito de público y crítica y además colaboró con artistas tan populares en aquellos momentos como Diana Ross, The Manhattan Transfer o Jennifer Warnes. Walter Becker, por su parte, se trasladó a Hawai y se dedicó al cultivo de aguacates, naranjas y limones. Y entre unas cestas de fruta y otras produjo los discos de la exitosa banda de pop, China Crisis.

Ya en los 90s Donald Fagen y el productor Libby Titus crean en NYC el musical de título "NYR&S Live at the Beacon Theatre" (1991). A continuación Fagen comienza la grabación de su segundo álbum en solitario, "Kamakiriad" (1993) que obtiene el disco de platino. Al año siguiente Donald Fagen y Walter Becker comienzan otra vez a componer juntos un nuevo trabajo que se llamara "11 Tracks of Whack" (1994). El grupo hace una gira que se inicia en Japón, donde seguían siendo auténticos ídolos. Tras la gira editan el directo "Alive in America" (1995).

En este milenio Fagen y Becker colaboran en la grabación de un nuevo album "Two Against Nature" que sale a la venta en el año 2000. Con ese trabajo cosecharon una oleada de premios entre los cuales se encuentran 4 Grammys (incluyendo el de mejor disco). Probablemente el mundo de la música se percató de que, aunque fuera un poco tarde, valía la pena premiar la enorme trayectoría de uno de los grupos de jazz fusion más populares de todos los tiempos.

Aja, el tema que da título al disco. La versión original contiene un famoso solo de bateria de Steve Gadd y es por ello que nos ha parecido oportuno incluirla a continuación.




En mayo de 2001, Becker y Fagen reciben el título honorario de Doctores en Música por el prestigioso 'The Berklee College of Music" y dos años después, en 2003, editan el que es su último trabajo original hasta la fecha, "Everything Must Go" (2003) que dió pie a otra gira mundial. En 2005 apareció un nuevo larga duración realizado en colaboración con Marian McParland de nombre "Marian McPartland's Piano Jazz with Guest Steely Dan", un homenaje al jazz más tradicional centrado en las figuras de John Coltrane y Duke Ellington y que incluye dos temas del repertorio de Steely Dan; Josie y Chain Lighting además de una nueva composición de Becker y Fagen realizada de forma expresa para este larga duración, "Black Friday".

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Black Cow Becker, Fagen
2-Aja Becker, Fagen
3-Deacon Blues Becker, Fagen
4-Peg Becker, Fagen
5-Home at Last Becker, Fagen
6-I Got the News Becker, Fagen
7-Josie Becker, Fagen

CREDITS

Walter Becker Bass, Guitar, Guitar (Electric), Vocals, Liner Notes, Photography
Donald Fagen Synthesizer, Keyboards, Vocals, Vocals (bckgr), Whistle (Instrument), Liner Notes Gary Katz Producer Larry Carlton Guitar, Guitar (Electric) Pete Christlieb Flute, Saxophone, Sax (Tenor) Gary Coleman Percussion Denny Dias Guitar Victor Feldman Percussion, Piano, Keyboards, Piano (Electric), Vibraphone Venetta Fields Vocals, Vocals (bckgr) Chuck Findley Horn, Brass Steve Gadd Drums Jay Graydon Guitar, Guitar (Electric) Ed Greene Drums Paul Griffin Keyboards, Piano (Electric), Vocals, Vocals (bckgr) Don Grolnick Keyboards, Clavinet Jim Horn Flute, Saxophone Paul Humphrey Drums Richard Hyde Trombone Slyde Hyde Brass Plas Johnson Flute, Saxophone Jackie Kelso Flute, Horn, Saxophone Jim Keltner Percussion, Drums Steve Khan Guitar Clydie King, Rebecca Louis, Sherlie Matthews, Michael McDonald Vocals, Vocals (bckgr) Rick Marotta, Bernard "Pretty" Purdie Drums Lew McCreary Horn, Brass Michael Omartian Piano, Keyboards Dean Parks Guitar Bill Perkins Flute, Horn, Saxophone Chuck Rainey Bass Lee Ritenour Guitar Joe Sample Keyboards, Piano (Electric), Clavinet Timothy B. Schmit Bass, Vocals, Vocals (bckgr) Tom Scott Flute, Conductor, Saxophone, Sax (Tenor), Lyricon, Horn Arrangements, Horn Conductor
Wayne Shorter Flute, Saxophone, Sax (Tenor)

Jazzy

"Free & Easy" (1982) del guitarrista y bajista de Chicago, Phil Upchurch.

Un día de 1962, tras un concierto que George Benson había ofrecido en Washington con su amigo, el organista Jack McDuff, se le acercó un joven guitarrista que estaba tocando en el mismo local con Dee Clark y le dijo con descarada simpatia, "Tio, acabas de tocar "You Can't Sit Down" incluso mejor de lo que lo hubiera hecho yo". Benson, sorprendido le miró y le dijo, "Y tú quién eres?" . El joven le respondió "Me llamo Phil Upchurch". La anécdota describe a la perfección la arrolladora personalidad de este veterano guitarrista y bajista nacido en Chicago el día 19 de julio de 1941.

De hecho Phil Upchurch ha sido una figura prominente en los círculos de música de su Chicago natal desde mediados de los años 50. Comenzó como sesionista con músicos como Jerry Butler antes de convertirse en el guitarrista oficial de la discográfica Chess. La forma de tocar de Upchurch es delicada, llena de complejos punteos y también de riffs repletos de funky, cosa que le convirtió en un asiduo en el lanzamiento de nuevos artistas como The Dells, Gene Chandler o Muddy Waters. Además, en esa época solía asociarse de forma habitual con con el baterista Maurice White, quien poco más tarde crearía una de las formaciones más éxitosas de todos los tiempos, los Earth, Wind & Fire.



En los años 60 fundó el Phil Upchurch Combo que obtuvo un gran éxito con el tema instrumental "You Can't Sit Down" en 1961. Sus grabaciones posteriores nunca llegarían a igualar la enorme repercusión de ese tema y la banda se disolvió poco después. Upchurch retomó su antiguo trabajo de sesionista, participando en algunas grandes grabaciones de soul-jazz y funk para sellos como Sue y Cadet.

A principios de los 70s se interesó por el recién nacido fusion, participando en la banda del pianista Joe Sample, Crusaders y en el grupo de Ben Sidran. Llegarían también algunos interesantes trabajos como lider entre los cuales nos apetece citar especialmente The Way I Feel (1970), junto a Donny Hathaway, y Upchurch/Tennyson (1975), junto al pianista y vocalista Tennyson Stephens además de Bob James, Steve Gadd y David Sanborn. Pero quizás sus dos trabajos producidos por Tommy Lipuma en 1971 y 1973, "Darkness, Darkness" y "Love Feelin'", serían los que le abrirían las puertas para su ingreso en la banda del guitarrista George Benson, con quien colaboraria en algunos de sus mejores trabajos, incluyendo Bad Benson (1974), Breezin' (1976), Livin' Inside Your Love (1977) y el directo Weekend in L.A. (1978). La enorme exposición que le dieron estos trabajos le convirtieron en uno de los más prolíficos músicos de sesión, participando en grabaciones de prácticamente todos los miembros de la banda de Benson de finales de los 70s, incluyendo a Harvey Mason, Ronnie Foster y Jorge Dalto. Upchurch se hizo aún más popular tras sus colaboraciones con un joven cantante al que había conocido unos años antes y que estaba iniciando una prometedora carrera, Michael Jackson, quien le incluyó en uno de sus mejores trabajos, Off the Wall, el disco que precede a Thriller, probablemente el larga duración que convirtió a Jackson en el rey del pop.

Pero a pesar de todo ello, Phil Upchurch aún tuvo tiempo para grabar sus propios discos y tras un receso de 4 años, en 1982 apareció en el mercado Free & Easy, el trabajo que hemos decidido acercar hoy al tejado.

"Free & Easy" es una magnífica demostración de buena música, para nosotros uno de los mejores trabajos del guitarrista de Chicago.
El disco se mueve con soltura entre el jazz y el buen fusion, con algunas gotitas de funk, soul y blues sabiamente dispuestas que acentúan la brillantez del resultado.

Tan sólo un original de Upchurch, el delicioso Midnight Blue. El resto combina clásicos como el extraordinario y dificilísimo, Moment's Notice de Coltrane, que la banda resuelve con extraordinaria solvencia consiguiendo una de sus mejores y más complejas versiones o la preciosa Reunion, compuesta para la ocasión por el teclista Rusell Ferrante, quien unos meses antes acababa de grabar el primer trabajo de una banda que, con los años, se iba a convertir en leyenda, The Yellowjackets.
Creémos oportuno destacar también la delicadísima replica de She's Out of my Life, un tema de Bahler popularizado tres años antes por Michael Jackson, quien lo había incluído en su Off the Wall, con Upchurch en su formación.

Upchurch junto al organista Jimmy Smith nos ofrecen la bluessera Midnight Special.


Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios. Click Read More.

CREDITS

1-Free and Easy Chinn, Speights
2-Groovin' Slow Bryant, Edwards
3-People Make the World Go Round Bell, Creed
4-Midnite Blue Upchurch
5-Reunion Ferrante
6-Moment Notice Coltrane
7-She's Out of My Life Bahler


CREDITS
Phil Upchurch guitar, bass
Eddie Harris Tenor Sax
Russell Ferrante Keys
Harvey Mason Drums
Ephrain Toro Percussion
Sylvia Cox Vocals on Groovin' Slow

Jazzy

Videos Memorables: "Fine and Mellow" (1957) de Billie Holiday.

Una de las grandes damas del jazz, la extraordinaria e influyente vocalista Billie Holiday nos regala este precioso tema que oscila entre el jazz y el blues con una absoluta naturalidad.

Este es un clip en el que podemos observar muchos pequeños detalles comenzando por la expresión de Holiday, que ya mostraba signos inconfundibles de su adicción a la heroina pero también por la enorme cantidad de talento que va desfilando ante nuestros ojos en algo menos de 8 minutos. Roy Eldridge, Vic Dickenson, Lester Young, Ben Webster, Coleman Hawkins, Mal Waldron, Gerry Mulligan, Danny Barker, Milt Hinton y Osie Johnson acompañan a una mujer con una voz limitada (su registro no llegaba a más de una octava, algo poco habitual en un vocalista) pero enormemente expresiva, dando como resultado un magnífico documento que nos ha parecido muy oportuno compartir aquí.

Billie viviría menos de 2 años desde esta histórica aparición en el programa de CBS The Sound of the Jazz. El 17 de julio de 1959 mientras cumplía un arresto domiciliario por posesión de narcóticos Holiday sufrió una crisis hepática derivada de la cirrosis que padecía. Su corazón se paró y su voz nos abandonó para siempre. Billie tenía sólo 44 años.
Curiosamente 3 meses antes de la muerte de la cantante otro de los músicos que aparece en el video, el prestigioso saxofonista y clarinetista Lester Young, nos dejaba también. Young fue incapaz de abstraerse al racismo imperante en la época y a principios del año 1959 decidió abandonar EEUU para afincarse en Paris. Lester, alcohólico confeso, se recluyó en su apartamento del cual tan sólo salía para comprar algunas botellas que sirvieran para saciar su sed. Murío en New York el 19 de marzo de ese mismo año cuando aún no había cumplido los 50 años.

Sirva esto de pequeño homenaje.



Esperamos que os guste.

Jazzy

"Powerful People" (1974) del compositor y vocalista canadiense Gino Vannelli.

Gino Vannelli estudió teoría de la música en la McGill University, en su Montreal natal. Su padre, Russ Vannelli, era un gran aficionado al jazz y al descubrir el talento del joven Gino y también de sus hermanos Joe y Ross, decidió traspasar su afición a sus hijos. Pensó que Gino podía ser un excelente bateria y emular a su ídolo Gene Kruppa y de hecho el aprendizaje de ese instrumento tendría una importante influencia en la música de Vannelli. Pero Gino crecía en una época en la cual los Beatles arrasaban. El joven Vannelli asistía además regularmente a los conciertos de música clásica que se daban en su entorno. Por si eso fuera poco, el jazz-rock estaba empezando a tomar forma y gente como Dave Brubeck o Miles Davis ya eran considerados auténticos fenómenos sociales.

A principios de los 70 otra nueva banda que tenía como lider a un pianista aficionado a los nuevos instrumentos sintetizados que respondía al nombre de Joseph Zawinul, Weather Report, irrumpía también en un mercado musical desbordante de creatividad. Toda esta sucesión de hechos sería decisiva en la creación del estilo Vannelli.

En aquellos momentos, los hermanos Gino y Joe intentaban sin demasiado éxito hacer una primera grabación. Un buen día, hartos del rechazo que habían sufrido por parte de todas las compañías discográficas con las que habían estado en contacto, Gino, guitarra en mano, decidió esperar al reputado productor y trompetista Herp Alpert en el parking de la discográfica A&M Records, propiedad de este. Parece ser que Alpert comprendió que Vannelli iba a tocar aunque se hundiera el mundo y asistió con una sonrisa en los labios al improvisado concierto. Cuando Vannelli dejó de tocar Alpert se acercó y le dijo "Muy bien chico, vas a grabar, y yo voy a producir tu primer disco".

Bonita versión del primer clásico de Vannelli, "Crazy Life".


En aquellos momentos Herp Alpert triumfaba con su Tijuana Brass Band y había ganado mucho dinero produciendo a Sergio Mendes & Brasil 66. Resulta pues evidente la influencia de Alpert en el primer trabajo de Vannelli, "Crazy Life" (1973), repleto de ritmos brasileños. La canción que dá título al disco, una preciosa balada con aires de bossanova, es la única pieza aún presente en el repertorio actual de Vannelli y ha sido interpretada en la mayoría de los conciertos del vocalista de Montreal. Una pena ya que el disco contiene varios excelentes temas como "Cherizar", "There's no Time" o "Fling on Mine", entre otros.

"Powerful People". Vannelli con su fomación original. La actuación fue importante en su tiempo ya que Vannelli fue el primer artista de raza blanca que actuó en "Soul Train".


El segundo trabajo de Vannelli, "Powerful People" (1974) ya nos muestra algo más de lo que será su discografía. A parte de la exitosa "People Gotta Move", que alcanzó el puesto 22 en la lista Billboard en octubre de 1974, contiene piezas memorables, como la también popular "Felicia", pero especialmente "Powerful People", "Son of A New York Gun", "Lady", "The Work Verse", "Jack Miraculous" y "Poor Happy Jimmy", un tema compuesto en homenaje a Jim Croce, músico fallecido en un accidente de avión. Para "Powerful People", Gino y Joe Vannelli se rodearon de algunos interesantes músicos de su entorno, como el gran bateria Graham Lear, quién sería poco después reclamado por Carlos Santana para su formación. Parece ser que Santana estaba muy atento ante los trabajos de Vannelli en los primeros 70 ya que sucedió lo mismo con Richard Baker, teclista que aparecería junto a Vannelli en su siguiente trabajo, el excepcional "Storm At Sunup" editado en 1975.

Versión en directo de "People Gotta Move", incluída en Powerful People.


"Powerful people", combina jazz, funk, disco, soul y recoge la atmósfera de lo que será la discografía de Vannelli en los años 70 y principios de los ochenta, un sonido lleno de sintetizadores pero no por ello menos cálido. Este es uno de los grandes trabajos de Gino y además anuncia la irrupción de un fenómeno musical alabado y repudiado a partes iguales. No son pocos críticos los que consideran a Vannelli un músico mediocre y, especialmente, un pésimo letrista. Simplemente estamos en absoluto desacuerdo. Creémos sinceramente que si Vannelli en lugar de canadiense hubiera sido, por ejemplo, norteamericano, la historia sería bien diferente.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS (all tracks: words and music by Gino Vannelli)

1. People Gotta Move
2. Lady
3. Son of a New York Gun
4. Jack Miraculous
5. Jo Jo
6. Powerful People
7. Felicia
8. Work Verse
9. Poor Happy Jimmy [Tribute to Jim Croce]

CREDITS

Gino Vannelli Vocals, composer, arranger, lyricist, producer
Joe Vannelli organ, organ bass, synth, arranger, producer
Graham Lear Drums
John J. Mandel Percussion
Tony Golia Congas, Bongos
Lani Hall Back Vocals

Jazzy