Canciones para Gatos: "Jangada De Joao" del gran músico brasileño Filó Machado.

El pasado año 2009 apareció a la venta Ubida, el último trabajo de uno de los músicos brasileños más apreciados en el tejado, el cantante, compositor, arreglista y multi-instrumentista Filó Machado. Producido por Nilson Matta , el larga duración cuenta con la colaboración de músicos de la talla de Cesar Camargo Mariano, Kenny Barron, Paulo Braga, Teco Cardoso o Steve Turre, por sólo citar unos pocos.

Ubida (2009) es una extraordinaria demostración de lo que sucede cuando un grupo de excelentes artistas se encuentran con buen material. Un disco completo, que incluye jazz pero también samba y bossa nova. Y no nos extraña en absoluto ya que Machado es un consumado artista con multiples y declaradas influencias que incluyen, entre otros, a grandes de Brasil como Antonio Carlos Jobim o Djavan, pero también a algunos músicos americanos como Al Jarreau o George Benson.

Filó interpreta una preciosa versión de Jogral, originalmente compuesta por Djavan. Le acompañan Edu Ribeiro (bateria), João Paulo Barbosa (sax), Fabio Leandro (piano) y Rubem Faria (bass)


El trabajo contiene muchos temas susceptibles de ser incorporados en esta sección, como la preciosa L'Habitant Du Ciel o Quatro Espiritus, pero hoy nos hemos decidido por el tema que abre el CD, Jangada De Joao, una maravillosa composición que define en cierto modo el peculiar estilo de este gran artista que, sin ningún apoyo mediático, muy poco a poco, va consiguiendo afianzarse en el selectivo olimpo carioca.

Puedes encontrar más música e información de Filó Machado en los siguientes enlaces.

"Porto Seguro" (2001) del guitarrista y vocalista brasileño Filó Machado
"Cantando Um Samba" (1999) del gran guitarrista y vocalista brasileño, Filó Machado.

Esperamos que os guste.

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Jazzy

"Earl Klugh" (1976) del guitarrista de Detroit, Earl Klugh.

Earl Klugh es un excelente guitarrista acústico (aunque toca también la eléctrica) nacido en Detroit (Michigan) el 16 de septiembre del año 1953. Aunque Klugh no se considera un músico estrictamente de jazz (si más temprana referencia es el guitarrista folk Chet Atkins) lo cierto es que sus discos y gran parte de los trabajos en los que ha colaborado se enmarcan dentro de esta categoria musical.

Nacido el Detroit, Michigan, el 16 de septiembre de 1953, Earl Klugh comenzó a tocar la guitarra profesionalmente junto a Yusef Lateef cuando tan sólo tenía 15 años, y con 20 ya estaba grabando con George Benson los trabajos "White Rabbit" y "Bad Benson", ambos de 1973. Klugh trabó una buena amistad con Benson y colaboró con él de forma frecuente.

Klugh presenta a Benson y juntos interpretan Livin' Inside Your Love, una composición original de Klugh que dió título al doble amarillo de Benson del año 1977.


En 1973 graba "Stories to Tell" como sideman de Flora Purim y poco después pone su guitarra a disposición del sexteto vocal "The Dramatics". En ese momento, Earl Klugh decide que ha llegado el momento de sacar su primer larga duración como bandleader y en el año 1976 aparece su primer trabajo, el autodenominado "Earl Klugh", el disco que hemos decidido compartir hoy en el tejado.

"Earl Klugh" es un larga duración muy de esa época que mezcla conceptos de varios diferentes estilos, desde el jazz y el funk hasta el folk practicado por algunos de sus referentes. El guitarrista nos muestra su mejor versión con interesantes temas como "Vonetta" (una auténtica lección de guitarra acústica), la encantadora "Waltz for Debby" o la muy lírica "Laughter in the Rain", un popular tema de Neil Sedaka que con los arreglos de Klugh consigue adquirir una nueva dimensión.

Otro tema de Klugh que dió nombre a un gran disco es este delicado This Time. Al Jarreau lo escogió para su trabajo de 1980. Aquí le vemos interpretandolo en solitario.


En la contraportada del disco George Benson hacía un encendido elogio del trabajo de Klugh calificándolo textualmente como "una de las más importantes voces de la guitarra". Al final firmaba con un muy expresivo "An Admirer. George Benson".

Klugh tiene actualmente casi 30 trabajos en el mercado, el último de ellos "The Spice of Life" publicado el pasado año 2008.

Esperamos que os guste.

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Nota: Sabemos que este trabajo se ha reeditado recientemente y que han sido introducidos tres nuevos temas que completan el trabajo original. Creémos que este es una buena política de ventas y es por ello hemos decidido publicarlo como se hiciera en el vinilo original del año 1976.

TRACKS

1-Las Manos De Fuego (Hands Of Fire) Grusin
2-Could It Be I'm Falling In Love Steals
3-Angelina Klugh
4-Slippin' In The Back Door Grusin, Johnson, Mason
5-Vonetta Klugh
6-Laughter In The Rain Sedaka, Cody
7-Waltz For Debby B. Evans, Lees
8-Wind And The Sea Klugh


CREDITS

Earl Klugh Electric and Acoustic Guitar
Dave Grusin Fender Rhodes, Paino, Synths and percussions Lee Ritenour Electric Guitar Charles Meeks Bass Louis Johson Bass in "Hands of Fire" and "Sleepping in the Back Door" Harvey Mason Drums, Percussion Laudir De Oliveira Additional Percussion Ray Pizzi Soprano Sax Pete Christlieb Tenor Sax and Flute Jerome Richardson Baritone Sax, Flute Chuck Findlay Trumpet and Flugel Oscar Brashear Trumpet and Flugel Garnett Brown Trombone

Bernard Kundell, Marcia Van Dyke, Ralph Schaeffer, Joseph Stepansky, Kareen Jones, Alexander Murray, Thelma Beach, Kenneth Yerke, Edgar Lustgarten,Pamela Goldsmith, Myer Bello, Marie Fera, Charles Veal Jr., Daniel Schindatyov Strings

Jazzy

Canciones para Gatos "It's a Shame" de Wonder, Garrett y Wright interpretada por el guitarrista Paul Jackson Jr.

En el año 1968 Stevie Wonder, su entonces esposa Syreeta Wright y el compositor Lee Garrett escribían un tema que se iba a hacer muy popular de la mano de uno de los grandes grupos de soul y funk de principios de los 70s, The Spinners. La composición en cuestión se llamaba It's a Shame y era, en nuestra opinión, uno de las primeros grandes temas del mejor Wonder.



Wonder nunca grabó el tema en un trabajo propio, pero lo cierto es que desde la fecha de su primera edición hasta ahora It's a Shame ha sido objeto de casi 100 revisiones distintas por parte de artistas tan diferentes como la vocalista francesa Clementine o el cantante jamaicano de reggae Alton Ellis, aunque lo cierto es que en general ninguna de ellas ha estado a la altura de la versión original.


Eso cambiaría en el año 2003, fecha en la cual saldría a la venta Still Small Voice, un larga duración grabado por uno de los guitarristas de sesión más prolíficos de los años 60s y 70s, Paul Jackson Jr..
Still Small Voice es un interesante trabajo que incluye en su nómina a músicos de la enorme talla de Jeff Lorber, Harvey Mason, Patrice Rushen, Billy Preston, Abraham Laboriel o Gerald Albright, y es además una bonita colección de trece temas de entre los cuales hemos querido escoger esta composición amable, simpática y divertida que estamos seguros de que servirá para dibujar una sonrisa en tu rostro. Compruébalo.

Music Playlist at MixPod.com

Esperamos que os guste.

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Ficha Técnica

Nombre: It's a Shame
Compuesto por; Lee Garrett, Stevie Wonder y Syreeta Wright
Interpretado por; Paul Jackson Jr.
Incluído en: Still Small Voice (2003)

Jazzy

"Ahí Va" (2004) del gran guitarrista argentino Luis Salinas.

Luis Salinas es un guitarrista y compositor nacido el 24 de junio de 1957, en Monte Grande, al sur de Buenos Aires, Argentina.

Su padre y su padrastro, ambos músicos, le animaron a tocar la guitarra desde muy pequeño, “el gusto por tocar todos los géneros viene de ahí”, explicó. Pese a haber comprado su primera guitarra a los 27 años, esta pasión venía desde la cuna. El lugar que marcaría un antes y un después en su carrera fue “El papagayo”, célebre pub argentino, donde tocó durante ocho años.

Salinas es un músico autodidacta. No estudió en ningún conservatorio y quizás precisamente por eso se revela como un extraordinario improvisador, muy original en sus interpretaciones. El siguiente video es una demostración palpable de lo que acabamos de comentar.

En sus orígenes compartió experiencias con varios grandes del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán. También tocó con Egle Martin, Jaime Torres y grabó un disco de tango con María Graña.

Hasta la fecha Luis Salinas lleva grabados nueve discos, entre ellos, “Música Argentina 1 y 2” (2003 y 2006); un recorrido por el folklore y el tango llamado "Sólo Guitarra"(1997) que incluye una bonita versión de "You Are The Sunshine of my Life" de Stevie Wonder o “Ahí va” (2004) en el cual vuelve al sonido eléctrico y al latín jazz y que además es el disco que hemos decidido compartir con vosotros tras comprobar la dificultad que entraña adquirirlo en las tiendas de discos, al menos en España.

En el año 2004 grabó en Barcelona el excelente "Luis Salinas y amigos en España", junto a músicos de la talla de Tomatito, Horacio Fumero, Oscar Giunta, Javier Colina, Jordi Bonell, Jorge Pardo y Perico Sambeat entre otros. Este trabajo le reporto su tercer premio Gardel. En mayo de 2006 presentó su CD doble, "Muchas cosas" y ya en el 2009 mismo año nos ha vuelto a sorprender con el magnífico "Rosario".

Precioso bolero que nos muestra a Salinas es su faceta de cantante.

Durante su carrera ha tocado con grandes guitarristas como el mismísimo B.B. King y gente de la talla de Hermeto Pascoal y lo cierto es que la mayoría de músicos que le han conocido han hablado maravillas de él. Podemos citar los comentarios hechos pos algunos de los grandes y que podéis encontrar en la web de Luis Salinas. George Benson, Ivan Lins y Lenny Andrade le califican como uno de los grandes guitarristas del mundo. Chucho Valdés, tras tocar con él en el Teatro Ópera de Buenos Aires, le invitó a compartir escenario en La Habana. Después de la experiencia afirmó "Yo no creo que en el mundo haya dos guitarristas que toquen tan bien y conozcan tanto el instrumento. Es fuera de lo común". Lo cierto es que las referencias no pueden ser mejores. Compruébalo tú mismo.

Esperamos que os guste.



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TRACKS

(Todos los temas compuestos por Luis Salinas excepto "Contigo en la Distancia" compuesta por Cesar Portillo de la Luz)

1-Dulce

2-Funky en Si Menor

3-Allá Lejos

4-Ahí Va

5-Bolero

6-Salsita

7-La Estrella del Fin

8-Amanece

9-Noche

10-Candombes

11-Contigo en la Distancia

12-Latin Beeboop

13-RTM Blues

CREDITS



Luis Salinas guitarras, coros y voz

Daniel Maza bajo

Facundo Guevara percusión

Sebastián Peyceré Batería

Raynald Colom sólo de trompeta en "Noche"

Jazzy

"Take Two" (1982) el segundo trabajo de la extraordinaria guitarrista Emily Remler.

Emily Remler fue una guitarrista de jazz de origen judío que alcanzó merecida fama en la década de los 80s. Nacida en Nueva York el 18 de Septiembre de 1957, Remler está considerada una de las más brillantes representantes del escaso colectivo de mujeres guitarristas de jazz.

Grabó siete álbumes como solista abarcando estilos musicales que oscilaban entre el hard bop, el jazz, el blues y el fusión más puro. Lamentablemente falleció de un inesperado ataque al corazón que le sobrevino en Connells Point, mientras hacia una gira por Australia. Lo cierto es que era bien conocida su adicción a la heroina, cosa que pudo ser un factor desencadenante, pero Remler tenía tan sólo 32 años cuando se consumo la triste noticia el día 4 de Mayo del año 1990.

Remler comenzó a tocar la guitarra a la edad de diez años. Inicialmente inspirada por hard rock y otros estilos populares de la música de la época, hasta que durante sus estudios en la Berklee College of Music en Boston , entre 1974 a 1976, comenzó a escuchar a grandes maestros como Miles Davis, John Coltrane o Bill Evans. A partir de aquí ya no hubo marcha atrás, Emily se iba a dedicar al jazz en cuerpo y alma. Sus principales influencias vienen de la música de los antes citados pero por encima de todos ellos había un espejo en el cual Remler gustaba de mirarse. No era otro que Wes Montgomery, y eso era así hasta el punto que Remler llegó a afirmar "Puedo parecer una chica judía de Nueva Jersey, pero por dentro soy un hombre negro de 50 años de edad, corpulento y con un pulgar grande, como Wes".

The Red Blouse, compuesto por Jobim e interpretado aquí a pelo por Remler.


Tras salir de Berklee comenzó a actuar en clubes de jazz y blues en Nueva Orleans antes de iniciar su carrera discográfica como lider en el año 1981. Ese mismo año se casa con el pianista jamaicano de jazz Monty Alexander con quien permanecerá hasta el año 1984.

Dada su indiscutible destreza con el instrumento pronto consiguió ser apoyada y apadrinada por colegas de la talla del legendario Herb Ellis, que siempre se refirió a ella como "la nueva súper estrella de la guitarra". Remler firmó con Concorde ese año, grabando su primer álbum como líder, "Firefly", que obtuvo una buena respuesta por parte del público y de la crítica. Con esas credenciales presento al año siguiente "Take Two" (1982) en un tono algo más personal. Su tercer trabajo sería "Transitions" (1983) y algo más tarde vendría "Catwalk" (1984). Completan su discografía un trabajo lleno de dinamismo e inventiva realizado en colaboración con el también guitarrista Larry Coryel en el álbum “Together” (1985), y un encendido homenajea su ídolo Wes Montomery con el indicativo título "East to Wes" del año 1988. Ya a título postumo se publicó su último trabajo, "This Is Me", en el cual Remler nos enseñará que no sólo de jazz vive el hombre, explorando territorios del fusion y el funk y demostrando que quizás con su muerte perdimos algo más que una guitarrista de jazz.

Emily Remler y Barbara Dennerlein interpretan 'Stormy Weather Blues' en Berna (Suiza). Año 1986. Brillantes sólos blueseros de Dennerlein y Remler que demuestran las frágiles fronteras que tiene la música cuando existe el talento.

Cuando alguien le preguntó cómo quería ser recordada Emily contestó: "Quiero que me vean como a una buena compositora y que se recuerde que soy mujer. Pero en realidad la música lo es todo y no tiene nada que ver ni con la política ni con el movimiento de liberación femenino". Con sólo 30 años Remler lo tenía muy claro, tanto como nosotros su impresionante talento.

Dos discos a modo tributo se grabaron después de su muerte, con el nombre "Just Friends" y con contribuciones de músicos cercanos a Remler, como Herb Ellis, David Benoit, Bill O'Connell o David Beberg. Además, en el año 2006, el Skip Heller Quartet grabó una canción llamada "Emily Remler" en su memoria.

Hoy nos vamos a quedar con su segundo trabajo, "Take Two" publicado en 1982.

"Take Two" contiene, prácticamente, un homenaje en cada uno de los 8 temas que lo componen. Clásicos de Cannonball Adderley, Dave Brubeck, Dexter Gordon, McCoy Tyner, John Coltrane y Monty Alexander, todos maestros indiscutibles de eso que llamamos jazz, el último de ellos marido de Remler en el momento de la grabación del album.

Producido por el mítico Carl Jefferson y grabado en formación de cuarteto junto al bajista Don Thomsom, el bateria Terry Clarke y el pianista James Williams, "Take Two" contiene, además, dos originales compuestos por Remler para la ocasión que constituyen dos hermosas dedicatorias al que fue su máximo referente, el guitarrista Wes Montgomery. De hecho el primero de ellos, Pocket Wes, hace referencia a la forma que Remler utilizaba de forma irónica para autodefinirse (Wes de bolsillo).

Vale la pena dedicar unos minutos a escuchar esta bonita y muy sutil interpretación de Remler junto a la vocalista Kim Parker, hija política del saxofonista Charlie Parker. El tema es el clásico de Rodgers y Hart, My Funny Valentine.


Estamos ante un potente disco de jazz. Un trabajo que no da demasiadas concesiones a la comercialidad pero que se muestra increíblemente fresco y lleno de una pasión contenida que explota en la interpretación del último de los temas que lo componen, Eleuthra, pero que también brilla con una luz muy especial en de For Regulars OnlyDexter Gordon y en la apasionada Waltz for my Grandfather de Remler.


El pasado 4 de mayo se cumplieron 20 años de la muerte de esta excelente guitarrista. Sirva la publicación de este larga duración como modesto homenaje a una artista que, como muchos otros, nos abandonadó demasiado pronto.

Descanse en paz Emily Remler.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Cannonball Adderley
2-In Your Own Sweet Way Brubeck
3-For Regulars Only Gordon
4-Search for Peace Tyner
5-Pocket Wes Remler
6-Waltz for My Grandfather Remler
7-Afro Blue Coltrane, Santamaria
8-Eleuthra Alexander


CREDITS
Emily Remler Guitar
Terry Clarke Drums
Don Thompson Bass
James Williams Piano
Carl Jefferson Producer

Jazzy

"Up Late" (1988) del guitarrista californiano Jeff Linsky.

Nacido al Sur de California en el año 1952, Jeff Linsky comenzó a tocar la guitarra a la edad de diez años. Su pasión por la música y por su instrumento en particular fue evidente de inmediato. Tocaba todo lo que oía, desde la música popular que escuchaba en la radio hasta sus propias interpretaciones de sinfonías de artistas clásicos. Tocaba al oir sus discos y mientras veía la televisión e incluso tenía su guitarra con él en la mesa de la cena. Su pasión y la habilidad que había adquirido a través de esos años no pasó inadvertida, aunque como siempre la suerte jugó un papel fundamental.

Un buen día, el propietario de la tienda de discos que frecuentaba Linsky, el guitarrista y escritor Gene Leis, se interesó por las habilidades de Jeff y presentó al joven a muchos de los guitarristas de estudio más importantes de Los Ángeles, entre ellos a Laurindo Almeida, Johnny DeRose, Ron Anthony, Jimmy Stewart, Vicente Gómez y Joe Pass. Pasar tiempo con estos músicos consumados fue altamente educativo para Linsky. Fue entonces cuando decidió comenzar a estudiar música ya que hasta esa fecha había sido autodidacta y para ello escogió a dos maestros; el virtuoso de la guitarra española Vicente Gómez y el mestro de jazz Joe Pass.

A los 17 años, Jeff ya estaba de gira profesionalmente y tan sólo un par de años después, con 19 se inclinó por el jazz. Siempre deseoso de experimentar diferentes las culturas e influencias musicales, conoció y compartió horas de aprendizaje con una enorme variedad de artistas , desde Markus Reinhardt ( violinista gitano sobrino de Django) hasta el maestro hawaiano del ukelele, Ohta-San. Su cada vez más elevada competencia técnica y su extrema habilidad en el difícil arte de la improvisación le permitió compartir escenarios con muchos de los grandes, incluyendo la leyenda del jazz Jim Hall y en el maestro brasileño Carlos Barbosa-Lima.

Pacífica, un precioso tema incluído en su disco de 1996 "California".


En 1988 firmó con Concorde y lanzó su primer trabajo como lider, "Up Late" , el disco que hemos decidido compartir hoy en el tejado. De esa grabación la revista Jazzscene comentó ; "Si, por alguna insondable razón el latin jazz aún no ha entrado en tu sangre ni tocado tú alma este es el álbum que te hará cambiar de opinión! ". De hecho Up Late está dedicado a los músicos latinos que le han emocionado especialmente, entre los que incluye a Monty Alexander, Laurindo Almeida, Carlos Barbosa Lima, Charlie Byrd, Tania Maria, Tito Puente, Poncho Sánchez, Mongo Santamaria, Carl Tjader y a Jorge Dalto. No está nada mal la selección de Linsky, nada mal.
Up Late contiene sonidos latinos y además está impregnado de un ritmo de bossa nova que se hace patente en muchos de los temas compuestos por el guitarrista, como el precioso "Lanikai" (el nombre de la playa hawaiana favorita de Linsky) o en "Carlos" (dedicada a su amigo y maestro Carlos Barbosa Lima) , pero también en sus brillantes homenajes, como el que le hace al maestro Jobim con su versión de Wave o al también guitarrista Baden Powell, recreando su tema más conocido, Berimbau.

Jeff siguió componiendo jazz latino en su siguiente proyecto, "Simpatico" , que incluía entre sus músicos al bateria peruano Alex Acuña y a Alfonso Johnson en el bajo, dos ex miembros de los Weather Report, y haría lo propio en todos y cada uno de los discos que componen su ya extensa carrera. Os recomendamos repaseis su discografía en el link situado un poco más abajo.

Durante las tres últimas tres décadas Jeff Linsky se ha presentado en salas de concierto de todo el mundo y ha grabado excelentes trabajos. Con su repertorio infinito, sus maravillosas dotes de improvisación y su cálida presencia en el escenario ha conseguido cautivar a un público muy variado y la diversidad de sus trabajos también ha contribuído a ello. Además su guitarra aparece en numerosas grabaciones para otros músicos y compositores y también en varios álbumes de compilación para Concord Jazz. Jeff también ha escrito para cine y televisión, especialmente en los EE.UU.

Comentar también que durante varios años, su composición "Monterey" (incluída en Up Late) fue el tema de presentación del Festival de Jazz de Monterrey. Además ha tenido tiempo para ofrecer clinics y clases magistrales en algunas de las más importantes escuelas de música en todo el planeta.

Discografía Jeff Linsky

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Up Late Linsky
2-Besame Mucho Skylar, Velazquez
3-I Didn't Know What Time It Was Hart, Rodgers
4-Lanikai Linsky
5-Wave Jobim
6-Carlos Linsky
7-Hermosa Linsky
8-Berimbau DeMoraes, Gilbert, Powell
9-Monterey Linsky
10-Armony Linsky

CREDITS

Jeff Linsky Guitar, Producer, Requinto
Luis Conte, Gary Cardile, Chris Trujillo Percussion
Steve Kujala Flute
John Leitham Bass

Jazzy

Videos Memorables: "Here Comes The Sun" de George Harrison interpretada por George Benson. El poder de una banda mítica.

Una banda absolutamente mítica.

La mejor banda del guitarrista George Benson nos regala esta personal y brillante versión de Here Comes the Sun que supera claramente el original de George Harrison. Además nos permite apreciar la tremenda importancia del argentino Jorge Dalto en el sonido de la formación de George Benson de finales de los 70s. Dalto se encarga de la introducción de piano y de las cuerdas y es el que aporta aquella textura que provoca que al oir el tema digas de forma inmediata; "este es Benson". El sonido creó escuela y Benson, uno de los grandes guitarristas de la historia del jazz, adquirió una popularidad inmediata que le iba a acompañar hasta la actualidad. Menos quedó para Dalto, Mason, Banks y Foster, especialmente para el primero que como sabéis los aficionados a esta web falleció en el año 1987 tras una penosa enfermedad. Tenía sólo 39 años pero había dejado una herencia musical prácticamente imposible de calcular.

La popularidad, como casi siempre, se fue hacía un lugar equivocado o, cuando menos, no se repartió de forma justa. No queremos decir que Benson no fuera también responsable directo de ese fantástico sonido pero fue Jorge Dalto, como director musical y arreglista, quien había apoyado a Benson ante el productor, nada menos que Tommy Lipuma, para que This Masquerade fuera un tema cantado cumpliendo de esta forma el sueño de la infancia del guitarrista. Benson ya había ejercido de vocalista en varias de sus anteriores grabaciones pero This Masquerade , un tema de Leon Russell adaptado por Dalto para la banda, fue su primer éxito rotundo y además le reportó su primer Grammy. Y Breezin', el trabajo que lo contiene, sigue siendo uno de los discos más vendidos de la historia del jazz y también uno de los mejores trabajos del guitarrista, probablemente tan sólo superado por el extraordinario directo Weekend in L.A. que también contaba con la presencia de Dalto, Mason, Banks y Foster además del percusionista Ralph McDonald y del guitarrista Phil Upchurch. Vosotros juzgáis.

Aquí podéis escuchar This Masquerade, que contiene uno de los sólos más conocidos de Dalto.



Esperamos que os guste.

Jazzy

"Clean Sweep" (1981) del guitarrista neoyorquino Bobby Broom. Paseando entre el funk y el jazz.

Bobby Broom nació el 18 de enero de 1961 en NYC.
Con 12 años comenzó a asistir a clases de guitarra folk. Algo más tarde, a los 15, fue cuando comenzó a interesarse por el jazz, iniciando entonces sus primeros estudios serios con el guitarrista Jimmy Carter, que se prolongarían por espacio de 2 años. Justo después Broom asistió a la Escuela Superior de Música y Arte (ahora conocido como La Guardia High School of Performing Arts) , donde tocó en una banda de jazz, recibiendo un premio por su habilidad en el difícil arte de la improvisación.

Bonita versión del clásico Here's That Rainy Day interpretada por Broom.


Broom comenzó su carrera cuando aún estaba en la escuela secundaria, actuando en clubes de Nueva York con los pianistas habituales de Charlie Parker, Al Haig y Walter Bishop, Jr. En 1977 tocó en con el gran saxofonista Sonny Rollins en uno de los templos sagrados de la música americana, el Carnegie Hall. El invitado especial era nada menos que Donald Byrd.

Entre 1978 y 1979 asistió a la prestigiosa Berklee School of Music , regresando a Nueva York para proseguir su carrera mientras asistía a Universidad de Long Island. En este tiempo comenzó a trabajar en Nueva York como guitarrista para gente Art Blakey & The Jazz Messengers, Dave Grusin, Hugh Masakela y Tom Browne consiguiendo finalmente su contrato de grabación con la discográfica GRP que dio como fruto el trabajo que os presentamos hoy, "Cleen Sweep".

"Clean Sweep" está claramente influenciado por algunos grandes guitarristas referentes de Broom, como Wes Montgomery, Pat Martino y, sobretodo, el George Benson de finales de los años 70 (a quien creeréis estar escuchando en algunos momentos de esta notable grabación) pero a pesar de ello tiene una personalidad propia que creémos interesante destacar. El larga duración contiene un puñado de buenos temas como el muy funky Clean Sweep; el "Bensoniano" Remember When; la delicadísima She's My Reason o la preciosa Niqui que incluye unos bonitos arreglos de piano que se hacen más patentes en el dialogo final que se establece entre la guitarra de Broom y el teclado de Grusin y cuenta, además, con la participación de un grupo de potentes músicos entre los cuales podemos citar al bajista Marcus Miller, al citado teclista Dave Grusin y a los baterias Buddy Williams y Omar Hakim. Además es la primera grabación de Victor Bailey, un magnífico bajista que en un futuro próximo iba a asociarse a la gran banda de Joe Zawinul y Wayne Shorter, Weather Report, substituyendo nada más y nada menos que a Mr. Jaco Pastorius.

Niqui, contenida en Clean Sweep.

En la actualidad (año 2009) Bobby Broom acaba de sacar a la venta un nuevo disco con actual su trio de jazz, aunque en este caso ha abandonado el funky y el fusion-jazz contenido en su primer trabajo para dedicarse a hacerle un creativo homenaje al gran Theolonius Monk en su disco de título "Bobby Broom plays for Monk". Os adjunto un interesante video promocional de su último trabajo.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1- Clean Sweep
2- No Bad Vibes
3- Remember When
4- She's my Reason
5- Saturday Night
6- Niqui
7- Share my Love
8- Con Alma

CREDITS

Bobby Broom. Guitar
Marcus Miller. Bass ( tracks 2, 4, 5 , 8)
Buddy Williams. Drums ( tracks 2, 4, 5, 6 )
Omar Hakim. Drums ( tracks 1, 7, 8 )
Dave Grusin. Keyboards. ( tracks 3, 4, 6, 7 )
Errol 'Crusher' Bennett. Percussion ( tracks 1, 2, 4, 5, 7)
Carol Steele. Percussion ( tracks 3, 5)
Larry Rosen. Percussion ( tracks 2, 3, 5)
Terry Burrus. Piano ( track 1, 2, 5, 7)
Victor Bailey. Bass ( track 1)
Sekou Bunch. Bass ( track 3 )

Jazzy