"Promise" (1985) de Sade, el disco que puso de acuerdo a una generación.

De madre inglesa y padre nigeriano Helen Folasade Adu más conocida como Sade nació el 16 de enero de 1959 en Ibadán, una pequeña ciudad de Nigeria ubicada a 80 km de la capital Lagos. A los cuatro años sus padres se separaron y la pequeña Helen se fue con su madre a vivir a Inglaterra.



Gran amante del jazz y la bossa nova, Adu pasó su adolescencia escuchando discos de Nina Simone, Peggy Lee y Astrud Gilberto. Ella todavía no pensaba en cantar en aquella época, sino en estudiar moda en la facultad de Saint Martin, y sólo se decidió a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crearon un grupo y le propusieron ejercer de cantante de forma provisional mientras intentaban localizar a otra voz. Sus estudios de diseño le llevaron a abrir una boutique, pero su amor por la música hizo que Adu pasara su tiempo libre cantando en un grupo funky latino llamado Arriva. Con ellos Sade descubrió que le gustaba escribir letras para las canciones cosa que no dejó de hacer desde entonces. Tras un breve impass durante el cual se hicieron llamar Pride la banda adquirió el nombre definitivo de Sade, una abreviación de Folasade, el apellido real de la cantante.





En 1984 ya con el nombre definitivo la banda consigue firmar su primer contrato y al poco se convierten en la sensación de los clubs de Londres, en gran parte gracias a sus cualidades musicales pero también a la belleza de su cantante que no tardó en verse reflejada en revistas de tirada internacional como Vogue, Cosmopolitan o Times. Como sucede tan a menudo Sade (el nombre de la banda acabó siendo el de la vocalista) se transformó de la noche a la mañana en la reina del cool. Ese mismo año aparece su primer sencillo "Your love is King" que se consolida de forma inmediata como un gran éxito dentro del Top Ten.



Con la edición en 1984 de su disco de presentación "Diamond life", Sade se dirigía a una audiencia mundial. "Diamond Life" contenía sencillos de gran éxito como "Your love is King", "Smooth Operator" y "Hang on to your love", y permaneció 98 semanas en las listas británicas y 81 semanas en las listas americanas. Sade recibió el premio BPI al mejor álbum y un Grammy a la mejor nueva artista. Al año siguiente llegaría "Promise", un rico y evocador segundo álbum que cosechó éxitos como "Is It a Crime" y "The Sweetest Taboo", que ha sido uno de los temas más oídos en la historia de la radio. Al igual que su predecesor, éste también fue un éxito internacional recibiendo un disco multiplatino.



Is It A Crime, uno de los mejores y más populares temas de Sade. Incluído en Promise.





Tres años más tarde, en 1988, volvió a reunir al grupo para grabar "Stronger Than Pride", un álbum cuyo título era un juego de palabras (pride significa orgullo, pero era también el segundo nombre de la banda). El trabajo dio lugar a diversos singles, como "Paradise", "Love Is Stronger Than Pride" y "Nothing Can Come Between Us". Con él llegó también una gira por todos los continentes, incluida Europa, Australia, Japón y América.



En 1992, Sade editó "Love Deluxe", un álbum audaz y emocionalmente honesto que se ganó la aclamación comercial y de la crítica. En USA permaneció 90 semanas en las listas. El sencillo "No Ordinary Love" tuvo una notoria aparición en la película de Robert Reford, "Una Proposición Indecente".



En 1994 llegó "Best of Sade", una colección que incluía 16 de sus mejores temas. Desde entonces hasta la actualidad Sade ha puesto en el mercado dos trabajos originales más, Lovers Rock (2000) y "Soldier of Love" (2010) , y un directo producto de la gira de promoción del primero de ellos que salió a la venta con el nombre de "Lovers Live". Sade tiene el honor de ser uno de los pocos grupos que han sido capaces de vender más de 40 millones de copias, y eso con tan sólo 6 discos en el mercado. Una hazaña difícil de igualar que nos apetece destacar desde aquí, sobretodo teniendo en cuenta que su propuesta está musicalmente muy por encima de la de otros artistas con cifras de venta similares. Y para ello hemos decidido rescatar Promise, su segundo disco y, para nosotros, el mejor hasta la fecha. Además este año se ha cumplido el 25 aniversario de su grabación.



Promise es un trabajo bien hecho. Buenas y cálidas melodías interpretadas por excelentes músicos, muy por encima de la media en lo que a pop se refiere, todo ello subrayado por la excitante voz de una artista que daba un contrapunto perfecto. Música para todos los públicos pero bien trabajada y arreglada, pop sofísticado pero sin demasiados artificios y con algunos destacables y efectivos sólos que la acercan al jazz sin perder ni un ápice de comercialidad. Todo ello convirtió a Promise en un trabajo que fue capaz de poner de acuerdo a toda una generación de público y crítica.



Jezabel interpretada por Sade en un concierto celebrado en San Diego en el año 1993.





Promise fue un éxito de la mano de sus dos primeros temas, The Sweetest Taboo y Is It A Crime pero a nosotros nos apetece destacar la bonita War of the Heats, la jazzística Punch Drunk y la excitante Maureen, probablemente tres de las composiciones más desconocidas y que hemos decidido cargar en el reproductor que aparece a continuación.

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TRACKS



1-Is It a Crime Adu, Hale, Matthewman

2-The Sweetest Taboo Adu, Ditcham, Matthewman

3-War of the Hearts Adu, Matthewman

5-Jezebel Adu, Matthewman

6-Mr. Wrong Adu, Denman, Hale, Matthewman

7-Punch Drunk Hale

8-Never as Good as the First Time Adu, Matthewman

9-Fear Adu, Matthewman

10-Tar Baby Adu, Matthewman

11-Maureen Adu, Denman, Hale



CREDITS



Sade Adu Arranger, Composer, Vocals, Producer

Stuart Matthewman Guitar, Composer, Saxophone Terry Bailey Trombone, Trumpet Pete Beachill Trombone Carlos Bonnell Guitar Paul S. Denman Bass, Guitar (Bass) Martin Ditcham Percussion Dave Early Percussion, Drums

Andrew Hale Keyboards Nick Ingman Arranger Jake Jacas Vocals

Mike Pela Strings, Producer, Engineer, Mixing, Production Engineer

Jazzy

Canciones para Gatos: "Storm At Sunup" un impactante tema del inclasificable Gino Vannelli.

Gino Vannelli es un músico absolutamente inclasificable. Cuando era niño aprendió a tocar la bateria mientras escuchaba todo tipo de música, desde jazz hasta clásica a través de los conciertos que se hacían de forma periódica en los alrededores de su ciudad natal, Montreal. A principios de los 70 consiguió convencer al productor Herp Albert, guitarra en mano y ofreciendole un improvisado concierto en el aparcamiento de la discográfica que este dirigía, A&M, y apareció en el mercado Crazy Life (1973), una grabación con marcado acento brasileño. Poco después llegaría su segundo intento, Powerful People (1974) que combinaba jazz con soul ,funk e incluso disco. Storm at Sunp (1975), su tercer larga duración era, según el mismo manifiesta jazz puro, aunque para su elaboración no fuera necesaria la intervención de bajista alguno. Más tarde recordaría su afición por la música clásica y con ella llegarían The Gist of the Gemini (1976) y A Pauper in Paradise (1978), dos auténticas obras maestras. Pero entonces Vannelli se orientó hacía la música algo más popular aunque sin olvidar sus raices consiguiendo dos nuevos trabajos de gran calado, Brother to Brother (1978) que le llevó a realizar inacabables giras y Nightwalker (1981). En ese momento la popularidad de Vannelli estaba en su punto más álgido pero decidió desaparecer.

Al cabo de 4 años Vannelli volvió a los estudios de grabación. Pero era otro Vannelli y su música no tenía nada que ver con la aparecida en sus trabajos precedentes. Armado con impecable traje y un curioso tupé nos ofreció una mezcla de pop y rock de dudoso gusto y volvió a adquirir fama. En ese periodo salieron a la venta sus peores discos y, como casi siempre, los más comerciales. Un conjunto de obras menores compuesto por Black Cars (1985), Big Dreamers Never Sleep (1987) y Inconsolable Man (1990). Parecían grabaciones de un anciano Elvis Presley pero una de ellas, concretamente Black Cars, se convirtió en su mayor éxito. Años después Vannelli ofrecería a sus auditorios versiones de Black Cars hechas con un gran sentido del humor, reconociendo de forma explícita que la original era un auténtico chiste comparada con cualquiera de los temas de sus primeros seis vinilos. Vannelli volvía de nuevo a estar en la cima y probablemente no le gusto nada lo que desde allí se divisaba ya que volvió a desaparecer.

Pasaron otros cinco años. Sus seguidores primitivos pensaban que la causa estaba perdida y los que adquirió en su etapa más pop ni siquiera se acordaban de él. Pero Vannelli decidió volver y lo haría a lo grande. De nuevo dos excelentes grabaciones, Yonder Tree (1995) y Slow Love (1997), especialmente la primera. El gran Gino Vannelli había regresado pero como casi siempre no podíamos cantar victoria. 6 años más de silencio y, de repente, otro nuevo disco llamado Canto. Esta vez el giro se produjo hacia su interior y eso le llevó a la necesidad de hablar sobre sus orígenes italianos. La propuesta era ahora decididamente clásica y el desconcierto nos alcanzó de nuevo pero teníamos que ser comprensivos puesto que así es el gran Gino Vannelli, inclasificable y desconcertante.

Pero era este el último Gino Vannelli posible? Y la respuesta volvía a ser que no ya que para colmo de colmos en el año 2006 publicaba These Are The Days, un extraño trabajo que incluía 7 temas de sus Lp's precedentes y siete nuevos aunque algo cercanos a su etapa más comercial. Su último larga duración hasta la fecha es A Good Thing (2009), una poderosa mezcla de jazz, funk y soul aunque en esta ocasión ya no nos pilló desprevenidos porque ya conocíamos su poliédrica personal musical.

Magnífica versión en directo del tema que os ofrecemos hoy, Sorm At Sunup, extraída de la gira de presentaión de su trabajo de 1995 Yonder Tree. Como más tarde reconocería el propio Vannelli, puro jazz.


Admirado y detestado casi a partes iguales, la carrera de Vannelli es imposible de definir y creémos que esa idea queda del todo patente al escuchar el tema que hemos decidido ofreceros hoy, Storm at Sunup, una composición de Vannelli que da título a su trabajo de 1975, en nuestra humilde opinión una extraordinaria aportación a la música. Storm at Sunup incluye todos los ingredientes que debe tener un tema mítico. Una poderosísima linea de batería ejecutada de forma magistral por el canadiense Graham Lear (quién poco después se incorporaría a la mítica banda de Santana de finales de los 70s) que al cabo de unos años sería alabada por el mismísimo Buddy Rich; un impecable y fascinante sólo de saxo de una auténtica leyenda del jazz como Jerome Richardson y una melodía y unos arreglos al alcance de muy pocos músicos en un track de 6 minutos y medio de duración, compuesto por un cantante que tan sólo interviene con su voz en algo más de 2 minutos dejando el resto para los músicos y, como no, para su hermano Joe, pieza importantísima de una factoría, la factoría Vannelli, que a nadie deja indiferente.

Podéis escuchar la versión original de Storm at Sunup en el reproductor ubicado a continuación o, si os apetece, descargarlo mediante el link que aparece en comentarios, haciendo click en Read More.

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Esperamos que os guste.

Ficha Técnica

Nombre del tema: Storm At Sunup
Compuesto por: Gino Vannelli
Incluído en: "Storm At Sunup"
Editado en el año: 1975
Discográfica: A&M Records

Jazzy

Michael Franks Box. Las grandes canciones de uno de los compositores y vocalistas más populares del jazz contemporáneo.

Michael Franks nace un 18 de septiembre del año 1944 en La Jolla (California). Enormemente popular en los años 80, Franks ha trabajado con músicos de la talla de Patti Austin, Brenda Rusell, Art Garfunkel o David Sanborn y sus temas han sido grabados por gente del nivel de The Manhattan Transfer, Patti Labelle, Carmen McRae, Diana Krall o The Carpenters, por citar unos pocos. Franks creció al sur de California con sus padres y sus dos hermanas pequeñas. Aunque ninguno de sus familiares tuvo relación alguna con el mundo de la música, sus padres eran unos grandes aficionados al swing y escuchaban con frecuencia a grandes del jazz como Peggy Lee, Ira Gershwin, Johnny Mercer, Nat King Cool o Irvin Berling. Estás fueron las primeras influencias que recibió Franks.

Al cumplir los 14 años, Franks se compró su primera guitarra, una Marco Polo japonesa que le costó 29,95$. Incluía 6 lecciones privadas, la única formación musical que Franks iba a recibir.

En el instituto Franks empezó a tocar en un grupo de rock-folk. Más tarde se iría a estudiar a la Universidad de UCLA y sería allí donde descubriría las que a la postre serían sus más grandes influencias, personificadas en músicos como Dave Brubeck, Patti Page, Stan Getz, Joao Gilberto, Miles Davis y, muy especialmente, el maestro Jobim.

Chuck Loeb nos presenta a Michael Franks y a su banda Reunión, formada por un puñado de brillantes músicos entre los que destacan Eric Marienthal, Dennis Chambers y Jim Beard. Interpretan uno de los temas más versionados de Franks, The Lady Wants to Know.

A finales de los años 60, Franks empezó a componer sus primeros temas. Participó en un musical antibélico y hizo sus primeras bandas sonoras para cine, hasta que en 1973 grabó su primer trabajo más tarde rebautizado como "Previously Unavailable". Era un disco con carácter marcadamente folk que nada tendría que ver con sus siguientes trabajos.

Fue en el año 1976 cuando grabó su segundo trabajo. Producido para Warner Bross por el gran Tommy Lipuma, "The Art of Tea" contenía grandes temas como "Eggplant", "Sant Elmo's Fire" o el muy irónico "Sometimes I Just Forget to Smile", además de grandes clásicos del cantautor, como "Popsicle Toes" o "Monkey See, Monkey Do" e incluía en su nómina a músicos de la talla de Michael Brecker, Dave Sanborn o Wilton Felder (de Crusaders). Desde entonces hasta su último "Watching the Snow" del año 2006, nada menos 15 discos firmados por Franks (sin incluir recopilaciones ni directos), algunos tan brillantes como "Sleeping Gypsy" (1977), "Tiger in the Rain"(1979), "Abandoned Garden" (1995) o el que representó su mayor éxito comercial "Passionfruit" grabado en el año 1983.



Una pequeña muestra del talento de Michel Franks con su composición "Down on Brazil" contenida en su espléndido "Sleeping Gypsy" del año 1977. Grabado en Tokio en 1981.

La música de Michael Franks tiene un valor indiscutible a pesar de que los críticos siempre le han machacado hasta el punto que en su Rendezvous in Rio añadía un tema que se llamaba The Critics Are Never Kind en el cual los definía como gente ciega y solitaria. Es por ello que hemos creído oportuno recopilar algunos de los grandes temas de este singular artista con la sana intención de que seas vosotros los que juzgueis ese extremo. Esperamos que os guste.



En el siguiente enlace podéis encontrar su discografía completa.

Discografía Michael Franks.

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TRACKS

1-Eggplant. Extraído de su trabajo "The Art of Tea" (1976)

2-A Robinsong. Extraído de su trabajo "Burchfield Nines" (1977)

3-Down in Brasil. Extraído de su trabajo "Sleeping Gypsy" (1977)

4-Jardin Botánico. Extraído de su trabajo "Tiger in the Rain" (1979)

5-Don't Be Blue. Originalmente contenido en su "Sleeping Gypsy" (1977). Esta es la versión en directo extraída de "Michael Franks with Crossfire" (1980).

6-Inside You. Extraída de su trabajo "One Bad Habit" (1980)

7-Laughing Gas. Extraído de su trabajo "Objects of Desire" (1982)

8-When Sly Calls. Extraído de su trabajo "Passion Fruit" (1983)

9-Now I Know Why. Extraído de su trabajo "Skin Dive" (1985)

10-Island Life. Extraído de su trabajo "The Camera Neves Lies" (1987)

11-On the Inside. Extraída de su trabajo "Blue Pacific" (1990)

12-I Love Lucy. Extraído de su trabajo "Dragonfly Summer" (1993)

13-Cinema. Extraído de su trabajo "Abandoned Garden" (1995)

14-The Fountain of Youth. Extraído de su trabajo "Barefoot on the Beach" (1999)

15-Christmas in Kyoto. Extraído de su trabajo "Watching the Snow" (2006)

16-Under the Sun. Extraído de su trabajo "Rendezvous in Rio" (2006)

Jazzy.

Marilyn Scott Box: Una selección de lo mejor de la ecléctica vocalista californiana.

Marilyn Scott nació y se crió en Arcadia, California. La pequeña Marilyn estaba profundamente influida por su madre que era pianista clásica y cantante. Pero Marilyn tenía tan sólo 11 años cuando su madre murió y el repentino silencio y su ausencia fue más de lo que podía soportar. En cierto modo, ella está convencida de que su pasión por la música fue alimentada por la enorme pérdida que hubo de sufrir. "Lo que escuché de mi madre me encendió absolutamente", afirma. "Sin ella no tuve otra opción que escuchar la radio. Escuchaba jazz, R & B, pop y fusion. Estaba decidida a triunfar en la música y a ponerme a trabajar con grandes músicos que me obliguen a ser lo mejor posible".

Después de graduarse en la escuela secundaria, Marilyn se trasladó a la zona de la bahía en el norte de California, donde comenzó a cantar con algunas de las mejores bandas de la época. "En aquellos días que tenías que hacer 4 o 5 conciertos cada noche. Tenías que conocer una amplia gama de música. Y en esa época decidí que quería hacer jazz. Eso sí, en la forma en la que yo quería hacerlo". Al poco tiempo conoció a los miembros de la banda de soul Tower of Power, especialmente a Emilio Castillo, y con ellos comenzó a hacer unas cuantas sesiones. Con Tower of Power pudo demostrar su capacidad para transmitir emociones a través de su voz y al poco le llegó una oferta para convertirse en la única persona de raza blanca que participaría en Selma, el musical dedicado al Dr. Martin Luther King Jr.. Después de eso Scott grababa un single para el sello Atco, concretamente con el tema "Good Only Knows" de Brian Wilson. El single llegó rapidamente a format parte del Top 100 de la lista Billboard y ese hecho le dió la oportunidad de editar el primer disco con su nombre, el refrescante Dreams of Tomorrow, en el año 1979. En ese momento Scott era aún joven pero ya había trabajado para gente tan importante como Etta James o John Mayall.

Tras su primera grabación Scott comenzó una gira de conciertos durante los cuales trabaría amistad con un joven teclista y compositor, una relación que se mantendría hasta la actualidad. Era Russell Ferrante, miembro fundador junto a Jimmy Haslip de los míticos Yellowjackets. "Cada vez que quería escribir, Russell siempre encontraba tiempo y espacio para ayudarme", nos cuenta Scott. Y prosigue: "El fue muy generoso con su tiempo y eso me permitió encontrarme a mí misma. Lo mismo ocurrió con otros con los que he tenido la suerte de trabajar como George Duke, Brenda Russell y Bobby Caldwell".



Pero lo cierto es que Dreams of Tomorrow no sería precisamente un éxito y Scott tardaría la friolera de 12 años en volver a poner su nombre a una grabación. Su vuelta se produjo en el año 1991 con Without Warnin' que la convertiría por un tiempo en la niña mimada de algunos críticos de jazz. En los años que trancurrieron entre ambas grabaciones Marilyn no dejó de trabajar, participando en discos de gente como Gino Vannelli, sus amigos The Yellowjackets, el guitarrista brasileño Oscar Castro-Neves o el vocalista Bill Gables. Además, el hecho de vivir en Los Ángeles le permitió trabajar en muchas y variadas bandas sonoras y de colaborar con otro de sus grandes amigos, Bobby Caldwell.

Al año siguiente graba Smile que incluía dos duetos con la vocalista Brenda Russell en los temas "That Man On My Mind" y " You Don't Know Me".

Tras cuatro años de silencio aparecería en el mercado el que nos parece su mejor trabajo hasta la fecha, Take Me With You, su debut con Warner editado en el año 1996. En este larga duración Scott combina de forma acertada todos sus intereses musicales incluyendo R&B, jazz, soul, pop, funk y música brasileña. Producido por George Duke y The Yellowjackets, en Take Me With You colaboraban, además de los productores, algunos músicos de la talla de Dori Caymmi (que además ejercía de productor y dejaba sus arreglos en un par de temas), Ricardo Silveira, Bob James o Boney James, por citar unos pocos.

Desde entonces Marilyn Scott ha publicado 7 trabajos más, a saber; "Avenues of Love" (1998), "Walking With Strangers" (2001), "I'm In Love Once Again" (2003) (recopilatorio editado exclusivamente en Gran Bretaña), "Nightcap" (2004), Handpicked (2005) (un nuevo trabajo recopilatorio), "Innocent of Nothing" (2006) y su último y quizás uno de los más jazzísticos , "Everytime We Say Goodbye" (2008) llegando a conformar una carrera de lo más acléctica. En torno a esta última grabación Scott nos comenta; "No me gusta jugar a lo seguro. Mi último álbum de jazz, Innocent of Nothing" era más aventurero. Este es quizás más tenue. Probablemente la gente dirá que este es el álbum que debería haber hecho ya que encaja muy bien con la radiofórmula, pero no se puede hacer discos para la radio. Intento hacer lo que me gusta y espero saber defenderlo. Ahora tan sólo necesito una oportunidad para estar en frente de una audiencia y mostrarles lo que soy". Más sincera no pudo ser.



Marilyn Scott es muy poco conocida fuera de Estados Unidos, pero tiene una agradable y sensual voz que nos ha impulsado a presentarla en este espacio en forma de box. Con esa intención hemos seleccionado algunos de sus mejores temas para compartirlos con vosotros en nuestro tejado.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

De "Dreams of Tomorrow" (1979)

1-Let's Be Friends
2-Highways Of My Life

De "Without Warning" (1991)

3-I'll Be Lovin' You

De "Smile" (1992)

4-Smile
5-Giving Up For Love


De "Take Me With You" (1996)

6-I'm Calling You
7-Bird of Beauty
8-That's The Way It Should Be


De "Avenues of Love" (1998)

9-Avenida del Sol
10-Heaven's Desigh

De "Walking With Strangers" (2001)

11-Loving You
12-Give In

De "Nightcap" (2004)

13-You Don' Know What Love Is

De "Innocent of Nothing" (2006)

14-A Flame
15-Spring Can Really Hang You Up The Most

De Everytime We Say Goodbye (2008)

16-Autumn in New York
17-I Got Lost Into His Arms

Jazzy

"Joyce" (1969), el primer trabajo de la gran vocalista brasileña Joyce.

Joyce Silveira Palhano de Jesus, más conocida en el ámbito artístico como Joyce, es una de las grandes, dentro de la música brasileña. Vocalista excepcional, guitarrista, compositora, letrista, periodista, escritora y muchas cosas más, esta polifacética artista ha conseguido llevar a cabo una envidiable carrera plagada de grandes grabaciones.

Joyce nació muy cerca de la playa de Copacabana, al sur de Rio de Janeiro el día 31 de enero de 1948. Sus padres sesepararon antes de que ella naciera y fue registrada por su madre, Zemir, como hija de su primer matrimonio. Zemir, funcionaria pública, cuidó sola de ella y de dos hijos más.

Joyce aprende a tocar la guitarra a los 14 años, observando a su hermanastro Newton, 13 años mayor que ella. Un par de “desconocidos” de nombre Roberto Menescal y Eumir Deodato (que en esos años tocaba el acordeón) eran buenos amigos de Newton. De hecho, por casa de la pequeña Joyce pasaba de forma habitual gente como Leny Andrade, los hermanos Castro-Neves y los antes mencionados, Menescal y Deodato. Ella se limitaba a mirar y a abrir bien los oídos.

En 1964, con 16 años de edad, hace su primera grabación en estudio, “Sambacana”, invitada por Roberto Menescal, pero la música seguía siendo para ella un sueño distante.
Dos años después inicia por primera vez estudios de música y al año siguiente comienza la carrera de periodismo llegando a trabajar para O Jornal do Brasil. Ese mismo año clasifica la canción “Me disseram” para el Segundo Festival Internacional da Cançao de Rio. La letra, que incluye el verso “ja me disseram que meu homem nao me ama” (me dijeron que mi hombre no me quiere) causo gran revuelo en Brasil tan sólo por que estaba escrita en 1ª persona del femenino. Algunos periodistas calificaron la letra de “vulgar e inmoral”, acusándola de feminista (concepto que luego comentó la propia Joyce que ni siquiera conocía en aquel momento). Recordemos que Brasil estaba sumida en una terrible dictadura. Algunos músicos, como Nelson Motta o Fernando Lobo apoyaron a la joven artista brasileña.

Resumen del show realizado para conmemorar los 40 años de carrera de Joyce. La artista nos canta algunos de más conocidas composiciones, incluído Nao Muda Nao, tema que abre el disco que os presentamos hoy.


En 1968 graba su primer trabajo con el nombre de “Joyce”, precisamente el disco que hemos escogido hoy para compartir con todos vosotros.

"Joyce" estaba compuesto por 11 temas; 5 suyos y 6 más de gente entonces desconocida. Eran Paulino da Viola, Marcos Valle, Francis Hime, Caetano Veloso, Jards Macalé, Toninho Horta y Ronaldo Bastos. Casi nada.

"Joyce" no es, probablemente, la mejor obra de está artista, una de las primeras junto a Dolores Durán que tuvo el coraje de escribir temas siendo mujer. Pero es sin duda un trabajo que anticipa la irrupción de una de las más interesantes músicos de la rica escuela carioca. Vinicius de Moraes se expresaba con estos términos al referirse a este trabajo de Joyce: "Podría hablar de la Joyce morena de ojos verdes, sonrisa medio triste y boca de niña enfadada, una chica moderna y tolerante, como una caricia de la luna nueva en el cielo de la tarde y también de la que conocí una noche y que justo acabar de estudiar periodismo en la PUC se acercó a mi en un espectáculo en el que yo participaba y me dijo que me quería hacer una entrevista y la hizo. Pero prefiero hablar de aquella chiquilla de 11 años que sentía una inmensa pasión por Tom Jobim y que desde los 3 no había hecho otra cosa que escuchar "Urubu Malandro". Aquella que conocía a Roberto Menescal desde pequeña y que de vez en cuando grababa jingles como sólo ella podía hacerlo. Aquella que antes de los 20 años ya había compuesto alrededor de 30 sambas. Aquella que canta con una voz linda y afinadísima y que sabe acompañarse a la guitarra con un sentido armónico y un ritmo ejemplar. Esa cantante que cuando toca la guitarra y canta (podría hacer una carrera sólo como cantante) dice cosas simples y bellas como en Cantiga de Procura. Es esa la Joyce de la que me gusta hablar pues esa es la Joyce que dará mucho que hablar, la Joyce que es toda musicalidad, tiene un alto sentido de las palabras y conoce el misterio de las notas. La Joyce que está en este LP con sus primeras ansias, deseos y frustraciones de amor y que entra de forma directa en la moderna canción brasileña. Desde luego mucho más que aquellos ojos verdes y aquella gracia natural". Si Vinicius De Moraes lo dice no vamos a ser nosotros quienes digamos lo contrario.

Ese mismo año graba su segundo trabajo producido por Nelson Motta, con arreglos de Luis Eça, titulado “Encontro Marcado” y hace su primera gira fuera de Brasil. Con el grupo Sagrada Familia de Luiz Eça, grabaría un nuevo trabajo en 1970 y ese mismo año lanzaría un doble compacto con el grupo A Tribu, formado por ella, además de Toninho Horta,Novelli, Nana Vasconcelos y Nelson Angelo, con quien se casaría meses después.

Clareana, compuesta en honor de las dos hijas que tuvo en su matrimonio con Nelson Angelo, Clara y Ana. Una preciosa canción de cuna.


Entre 1971 y 1975 sólo un trabajo realizado en 1972 junto a su entonces marido Nelson Angelo que se llamaría sencillamente Nelson Angelo e Joyce. El disco, prácticamente imposible de encontrar actualmente, contenía temas de Angelo, Joyce, Marcio Borges, Ronaldo Bastos y Joao Carlos Padua. La artista se dedica a su familia y tiene dos hijas, Clara y Ana, cuyos nombres daría origen a uno de sus temas más famosos, “Clareana”.

En 1975 se separa de Nelson Angelo y es invitada por Vinicius de Moraes para substituir a Toquinho. Al año siguiente graba en Italia “Passarinho Urbano” donde interpreta temas de nuevos artistas censurados por la dictadura militar, entre ellos Chico Buarque, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Edu Lobo, Maurício Tapajós o el mismo Vinicius.

Dos años más tarde conoce a Tutti Moreno en New York con quien se casaría, tras 24 años de convivencia, en el año 2001. De su unión nacería, en 1980, la tercera hija de Joyce, Mariana. Justo ese año despega definitivamente la carrera de esta polifacética artista, con el lanzamiento del excelente trabajo “Feminina".

El disco, grabado en enero de 1980 en los estudios Odeon, contiene temas memorables como el que da título al disco, "Feminina" o el mencionado "Clareana" además de la conmovedora "Essa Mulher", o "Aldeia de Ogum". Este último tema fue redescubierto 12 años más tarde por algunos DJ’s de Londres que convertirían a Joyce en una gran estrella en UK. Cabe recordar que fue la primera artista brasileña invitada en un festival de acid jazz donde la acogió un caluroso público de más de 2000 personas.

Joyce nos interpreta Revendo Amigos y para honrar el tema lo comparte con su amiga Leila Pinheiro.



Desde entonces Joyce ha grabado 26 trabajos más, los dos últimos publicados en el pasado año 2009, Slow Music y Aquarius, este último junto a Joao Donato, completando una carrera absolutamente envidiable que ya se alarga casi medio siglo. Desde aquí queremos constatar nuestra más total y absoluta admiración hacia Joyce Moreno además del convencimiento de que junto a Djavan y Milton Nascimento (sin contar con los pioneros de la bossa) ha sido una de las artistas que más ha ayudado al avance y la consolidación de los maravillosos sonidos procedentes de nuestro amado Brasil.

Esperamos que os guste.

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TRACKS
1-Nao muda, Nao Joyce
2-Bloco Do Eu Sozinho Marcos Valle, Rui Guerra
3-Improvisado Joyce
4-Ansiedade
5-Superego Joyce
6-Cantiga De Procura Joyce
7- Choro Chorado Joyce, Jards Macalé
8- Ave Maria Caetano Veloso
9-Anoiteceu De Moraes, Himes
10- Litoral Horta, Bastos
11-Me Disseram Joyce

CREDITS

Joyce Vocals, Guitar, Arrangements
Resto de músicos no disponibles en la carátula del disco y CD.

Jazzy