"To the Heart" (1976) de Mark-Almond, uno de los más grandes trabajos del fusion europeo.

Dos excelentes músicos británicos de estudio, John Mark (guitar, vocals, drums) y Johnny Almond (sax, flutes, vocals, vibes y percusión) se conocieron a finales de los 60s mientras tocaban en los Bluesbreaker de John Mayall. Antes de ingresar en la banda de Mayall, Mark había coproducido junto a Mick Jagger algunos de los primeros trabajos de Marianne Faithfull. Para ella llegó a escribir algunos temas y participó activamente en sus giras. También fue un asiduo en los conciertos del cantante folk Alun Davies con quien montó una banda que se llamó Sweet Thursday. Por su parte Almond había tocado en la Zoot Money's Big Roll Band, la Alan Price Set y la Johnny Almond's Music Machine, todas ellas bandas muy poco conocidas.

Tras su experiencia en Bluesbreakers, donde grabaron dos trabajos, "Turning Point" y "Empty Rooms", ambos decidieron comenzar una nueva carrera y para ello reclutaron al bajista Rodger Sutton y al teclista Tommy Eyre. El resultado fue la primera versión de Mark-Almond, a veces también llamada Mark-Almond Band. El grupo creció, pasando a ser un septeto en el año 1973, pero poco después, dados sus pobres resultados comerciales, decidieron disolverlo. Tres años más tarde, en 1976 se volvieron a reunir para grabar To The Heart, posiblemente su mejor trabajo y el disco que hemos decidido compartir hoy con vosotros tras comprobar que encontrarlo en el mercado es una misión del todo imposible, cosa que suele pasar con muchos grandes discos grabados en los años 70s.

To the Heart nos parece una auténtica demostración de buen fusion. Contiene rock y jazz; ritmos brasileños (en New York State of Mind) y bastante folk, incluso algo de clásica (en On More for the Road), pero a pesar de acreditar tanta variedad de lenguajes musicales es un disco enormemente compacto y muy bien diseñado.

De entre todas las composiciones que integran el vinilo original nos apetece destacar New York State of Mind/Return to the City, el tema que abre la grabación, además de la mencionada On More For the Road, la curiosa Here Comes the Rain y, muy especialmente la vibrante Busy On The Line, una de las composiciones más interesantes y que mejor plasman la realidad musical de unos años en los cuales la creatividad se comía con patatas cualquier etiqueta musical que se inventaran discográficas y críticos. Puedes escuchar estos temas en el reproductor que hemos ubicado a continuación.

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Mark-Almond interpretan en directo el tema de Billy Joel que abre To the Heart, New York State of Mind. La imagen es fija pero el sonido corresponde a un concierto del año 1980.


Esperamos que os guste.

Encontraréis link a "Busy On The Line" de Mark-Almond en comentarios.

TRACKS

1-Medley: New York State of Mind/Return to the City
2-Here Comes the Rain, Parts 1&2
3-Trade Winds
4-One More for the Road
5-Busy on the Line
6-Everybody Needs a Friend

CREDITS

John Mark Vocals, Guitar
Johnny Almond All saxes, All flutes, Vibes
Tommy Eyre Keyboards
Billy Cobham Drums
Wolfganf Melz Bass
Milt Holland Percussion
Gary Barone Trumpet, Flugelhorn
Greg Bloch Violin, Electric Violin
Jack Elis Trombone

Jazzy

"Gratitude" (1975), el primer gran directo de los legendarios Earth, Wind & Fire.

Earth, Wind & Fire fue uno de los grupos de funk nacidos a principio de los años 70. Su perfecto sonido, su trepidante ritmo y el respeto que le profesó la crítica, la convirtieron en una de las agrupaciones musicales más exitosas de la historia. Aunque lo que realmente hizo de ellos una banda única fue la filosofía que supo impregnar el bateria, compositor, cantante y líder, Maurice White.

Earth, Wind and Fire era una fusión única de energías en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, música africana y latina y algunas pinceladas de rock, todo ello sumado a la riqueza musical de la voz de Philip Bailey, con la cual la banda era capaz de sonar como el mejor de los grupos de la legendaria Motown.



Fantasy, uno de los grandes éxitos de Earth, Wind & Fire. Un auténtico clásico del funk. El clip , adornado con la a veces excesiva voz de Bailey nos permite además comprobar la legendaria habilidad de Maurice White con la bateria.





Earth, Wind & Fire aunaban la intensidad de James Brown con la capacidad para la improvisación de cualquiera de los grandes grupos de jazz fusión que en esos momentos triunfaban, como Weather Report o Return to Forever, por poner un par de ejemplos. Además, sus presentaciones en el escenario eran realmente explosivas.

El motor de la versatilidad de Earth, Wind and Fire era el mismo eclecticismo que unía a la banda. Su diversidad estaba impulsada por una creencia espiritual amplia que se manifestaba en un conjunto de pensamientos positivos. El nexo que servía de unión a todos estos elementos era la calidad compositiva de su auténtico motor, su lider Maurice White. White, además, era sólido e impredecible con los arreglos y con todo ello consiguió hacer de Earth, Wind and Fire la banda de funk más impecable de la historia. Earth, Wind & Fire fue de los primeros grupos capaces de abrazar todos los ritmos que les habían precedido y convertirlos en un espectáculo impresionante y de gran calidad, con toques horteras (hablamos de los años 70) pero con un resultado final que era la envidia de las bandas del género.

Maurice White empezó en la música a inicios de los sesenta como bateria de sesión en Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart, y Etta James. Más tarde, en 1967, se unió al Ramsey Lewis Trio donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano que luego usaría a lo largo de toda su carrera.

En 1969, dejó el grupo de Lewis y se unió al tecladista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons para juntos dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, rápidamente se convirtieron en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago. Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral. Acababa de nacer una banda absolutamente mítica.

En 1970 White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White, de reunirse con el grupo en Los Ángeles, sus integrantes incluían a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y Yackov Ben Israel en la percusión, además de los originales Whitehead y Flemons. Esta formación firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum que llevaba el nombre de la banda.

La recepción de la crítica fue cauta y positiva, sobre todo por que fue tomada con la guardia baja por lo ambicioso del proyecto. La misma recepción tuvo el segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no despegaron a pesar de la cantidad de gente que los empezaba a seguir, mayormente en las universidades.

Con al crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind and Fire en 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el saxo, Roland Bautista en la guitarra, Larry Dunn en teclados y Ralph Johnston en la percusión. Pero la incorporación más trascendente fue la del cantante Philip Bailey. Al final del 72 Laws y Bautista se habían ido y en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los dos guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind and Fire estaba completo y listo para empezar su carrera en el estrellato musical. En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky”, que si bien no fue un éxito en ventas, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente disco “Open Our Eyes” de 1974 fue su primer éxito. Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el disco tenía un estilo musical más claro y directo. “Mighty Mighty”, extraído de ese LP, se convirtió en el primer Top Ten en las listas R&B que lograría Earth Wind and Fire. Aunque las emisoras pop la hicieron a un lado por las reivindicaciones para la raza negra que contenía el tema, la influencia musical de Maurice White se hizo sentir en la radio y el álbum se convirtió en disco de oro.

En 1975 todo estaba listo para que Earth, Wind & Fire fuera una banda de éxito. El grupo se encargó de componer la banda sonora de la película “That’s the Way of the World”.

Pero White, tuvo claro que la película no funcionaría y, con buen criterio, decidió lanzar el disco antes del estreno de la misma. El film fue efectivamente un fracaso, pero el disco despegó impulsado por el tema “Shining Star” que fue número uno en las listas R&B y pop, y que además les proporcionó un Grammy. El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino.

El dinero que recibieron sirvió para que sus presentaciones en público fueran aún más espectaculares. Además se incluyó una sección de vientos más aparente con la agrupación “The Phoenix Horns”. El frenesí de sus presentaciones en vivo se registró en el doble LP “Gratitude” que llegó sin problemas al número uno de los discos más vendidos y que es el trabajo que os ofrecemos hoy.

Un LP realmente extraordinario que no te dejará indiferente.

En el año 1990 Maurice White hacía su última gira. Este clip pertenece al concierto que en esas fechas realizaron en Japón. Interpretan una de sus grandes baladas, After the Love Has Gone, incluída en "I Am" (1979).

Esperamos que os guste.

Link en comentarios.

Fuente : Radiodos

Adaptado por Jazzy para Música para Gatos.

TRACKS

1-Introduction.Medley :Africano/Power M. White, L. Dunn

2-Yearnin’ Learnin’ M. White, C. Stepney

3-Devotion M. White, P. Bailey

4-Sun Goddess M.White, J. Lind

5-Reasons Bailey, Stepney, White

6-Sing a Message to You M. White

7-Shining Star M. White, P. Bailey

8-New World Symphony M. White, V. White

9-Sunshine M. White, A. McCay, P. Bailey, L. Dunn

10-Sing a Song M. White, A. McCay

11-Gratitude M. White, V. White

12-Celebrate M. White, Stepney, P. Bailey

13-You Can’t Hide Love S. Scarborough





CREDITS





Maurice White - Drums, Timbales, Voz, Kalimba Verdine White - Bajo, Percusión, Voz Al McKay - Guitarra, Percusión Johnny Graham - Guitarra Larry Dunn - Órgano, Piano, Sintetizador Moog Philip Bailey - Percusión, Conga, Voz Ralph Johnson - Percusión, Batería Fred White - Percusión, Batería

Andrew Woolfolk - Percusión, Saxo Don Myrick - Saxo Louis Satterfield - Trombón Michael Harris - Trompeta .

Jazzy

"Promise" (1985) de Sade, el disco que puso de acuerdo a una generación.

De madre inglesa y padre nigeriano Helen Folasade Adu más conocida como Sade nació el 16 de enero de 1959 en Ibadán, una pequeña ciudad de Nigeria ubicada a 80 km de la capital Lagos. A los cuatro años sus padres se separaron y la pequeña Helen se fue con su madre a vivir a Inglaterra.



Gran amante del jazz y la bossa nova, Adu pasó su adolescencia escuchando discos de Nina Simone, Peggy Lee y Astrud Gilberto. Ella todavía no pensaba en cantar en aquella época, sino en estudiar moda en la facultad de Saint Martin, y sólo se decidió a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crearon un grupo y le propusieron ejercer de cantante de forma provisional mientras intentaban localizar a otra voz. Sus estudios de diseño le llevaron a abrir una boutique, pero su amor por la música hizo que Adu pasara su tiempo libre cantando en un grupo funky latino llamado Arriva. Con ellos Sade descubrió que le gustaba escribir letras para las canciones cosa que no dejó de hacer desde entonces. Tras un breve impass durante el cual se hicieron llamar Pride la banda adquirió el nombre definitivo de Sade, una abreviación de Folasade, el apellido real de la cantante.





En 1984 ya con el nombre definitivo la banda consigue firmar su primer contrato y al poco se convierten en la sensación de los clubs de Londres, en gran parte gracias a sus cualidades musicales pero también a la belleza de su cantante que no tardó en verse reflejada en revistas de tirada internacional como Vogue, Cosmopolitan o Times. Como sucede tan a menudo Sade (el nombre de la banda acabó siendo el de la vocalista) se transformó de la noche a la mañana en la reina del cool. Ese mismo año aparece su primer sencillo "Your love is King" que se consolida de forma inmediata como un gran éxito dentro del Top Ten.



Con la edición en 1984 de su disco de presentación "Diamond life", Sade se dirigía a una audiencia mundial. "Diamond Life" contenía sencillos de gran éxito como "Your love is King", "Smooth Operator" y "Hang on to your love", y permaneció 98 semanas en las listas británicas y 81 semanas en las listas americanas. Sade recibió el premio BPI al mejor álbum y un Grammy a la mejor nueva artista. Al año siguiente llegaría "Promise", un rico y evocador segundo álbum que cosechó éxitos como "Is It a Crime" y "The Sweetest Taboo", que ha sido uno de los temas más oídos en la historia de la radio. Al igual que su predecesor, éste también fue un éxito internacional recibiendo un disco multiplatino.



Is It A Crime, uno de los mejores y más populares temas de Sade. Incluído en Promise.





Tres años más tarde, en 1988, volvió a reunir al grupo para grabar "Stronger Than Pride", un álbum cuyo título era un juego de palabras (pride significa orgullo, pero era también el segundo nombre de la banda). El trabajo dio lugar a diversos singles, como "Paradise", "Love Is Stronger Than Pride" y "Nothing Can Come Between Us". Con él llegó también una gira por todos los continentes, incluida Europa, Australia, Japón y América.



En 1992, Sade editó "Love Deluxe", un álbum audaz y emocionalmente honesto que se ganó la aclamación comercial y de la crítica. En USA permaneció 90 semanas en las listas. El sencillo "No Ordinary Love" tuvo una notoria aparición en la película de Robert Reford, "Una Proposición Indecente".



En 1994 llegó "Best of Sade", una colección que incluía 16 de sus mejores temas. Desde entonces hasta la actualidad Sade ha puesto en el mercado dos trabajos originales más, Lovers Rock (2000) y "Soldier of Love" (2010) , y un directo producto de la gira de promoción del primero de ellos que salió a la venta con el nombre de "Lovers Live". Sade tiene el honor de ser uno de los pocos grupos que han sido capaces de vender más de 40 millones de copias, y eso con tan sólo 6 discos en el mercado. Una hazaña difícil de igualar que nos apetece destacar desde aquí, sobretodo teniendo en cuenta que su propuesta está musicalmente muy por encima de la de otros artistas con cifras de venta similares. Y para ello hemos decidido rescatar Promise, su segundo disco y, para nosotros, el mejor hasta la fecha. Además este año se ha cumplido el 25 aniversario de su grabación.



Promise es un trabajo bien hecho. Buenas y cálidas melodías interpretadas por excelentes músicos, muy por encima de la media en lo que a pop se refiere, todo ello subrayado por la excitante voz de una artista que daba un contrapunto perfecto. Música para todos los públicos pero bien trabajada y arreglada, pop sofísticado pero sin demasiados artificios y con algunos destacables y efectivos sólos que la acercan al jazz sin perder ni un ápice de comercialidad. Todo ello convirtió a Promise en un trabajo que fue capaz de poner de acuerdo a toda una generación de público y crítica.



Jezabel interpretada por Sade en un concierto celebrado en San Diego en el año 1993.





Promise fue un éxito de la mano de sus dos primeros temas, The Sweetest Taboo y Is It A Crime pero a nosotros nos apetece destacar la bonita War of the Heats, la jazzística Punch Drunk y la excitante Maureen, probablemente tres de las composiciones más desconocidas y que hemos decidido cargar en el reproductor que aparece a continuación.

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Esperamos que os guste.



Encontraréis link en comentarios. Click Read More.

TRACKS



1-Is It a Crime Adu, Hale, Matthewman

2-The Sweetest Taboo Adu, Ditcham, Matthewman

3-War of the Hearts Adu, Matthewman

5-Jezebel Adu, Matthewman

6-Mr. Wrong Adu, Denman, Hale, Matthewman

7-Punch Drunk Hale

8-Never as Good as the First Time Adu, Matthewman

9-Fear Adu, Matthewman

10-Tar Baby Adu, Matthewman

11-Maureen Adu, Denman, Hale



CREDITS



Sade Adu Arranger, Composer, Vocals, Producer

Stuart Matthewman Guitar, Composer, Saxophone Terry Bailey Trombone, Trumpet Pete Beachill Trombone Carlos Bonnell Guitar Paul S. Denman Bass, Guitar (Bass) Martin Ditcham Percussion Dave Early Percussion, Drums

Andrew Hale Keyboards Nick Ingman Arranger Jake Jacas Vocals

Mike Pela Strings, Producer, Engineer, Mixing, Production Engineer

Jazzy

Canciones para Gatos: "Storm At Sunup" un impactante tema del inclasificable Gino Vannelli.

Gino Vannelli es un músico absolutamente inclasificable. Cuando era niño aprendió a tocar la bateria mientras escuchaba todo tipo de música, desde jazz hasta clásica a través de los conciertos que se hacían de forma periódica en los alrededores de su ciudad natal, Montreal. A principios de los 70 consiguió convencer al productor Herp Albert, guitarra en mano y ofreciendole un improvisado concierto en el aparcamiento de la discográfica que este dirigía, A&M, y apareció en el mercado Crazy Life (1973), una grabación con marcado acento brasileño. Poco después llegaría su segundo intento, Powerful People (1974) que combinaba jazz con soul ,funk e incluso disco. Storm at Sunp (1975), su tercer larga duración era, según el mismo manifiesta jazz puro, aunque para su elaboración no fuera necesaria la intervención de bajista alguno. Más tarde recordaría su afición por la música clásica y con ella llegarían The Gist of the Gemini (1976) y A Pauper in Paradise (1978), dos auténticas obras maestras. Pero entonces Vannelli se orientó hacía la música algo más popular aunque sin olvidar sus raices consiguiendo dos nuevos trabajos de gran calado, Brother to Brother (1978) que le llevó a realizar inacabables giras y Nightwalker (1981). En ese momento la popularidad de Vannelli estaba en su punto más álgido pero decidió desaparecer.

Al cabo de 4 años Vannelli volvió a los estudios de grabación. Pero era otro Vannelli y su música no tenía nada que ver con la aparecida en sus trabajos precedentes. Armado con impecable traje y un curioso tupé nos ofreció una mezcla de pop y rock de dudoso gusto y volvió a adquirir fama. En ese periodo salieron a la venta sus peores discos y, como casi siempre, los más comerciales. Un conjunto de obras menores compuesto por Black Cars (1985), Big Dreamers Never Sleep (1987) y Inconsolable Man (1990). Parecían grabaciones de un anciano Elvis Presley pero una de ellas, concretamente Black Cars, se convirtió en su mayor éxito. Años después Vannelli ofrecería a sus auditorios versiones de Black Cars hechas con un gran sentido del humor, reconociendo de forma explícita que la original era un auténtico chiste comparada con cualquiera de los temas de sus primeros seis vinilos. Vannelli volvía de nuevo a estar en la cima y probablemente no le gusto nada lo que desde allí se divisaba ya que volvió a desaparecer.

Pasaron otros cinco años. Sus seguidores primitivos pensaban que la causa estaba perdida y los que adquirió en su etapa más pop ni siquiera se acordaban de él. Pero Vannelli decidió volver y lo haría a lo grande. De nuevo dos excelentes grabaciones, Yonder Tree (1995) y Slow Love (1997), especialmente la primera. El gran Gino Vannelli había regresado pero como casi siempre no podíamos cantar victoria. 6 años más de silencio y, de repente, otro nuevo disco llamado Canto. Esta vez el giro se produjo hacia su interior y eso le llevó a la necesidad de hablar sobre sus orígenes italianos. La propuesta era ahora decididamente clásica y el desconcierto nos alcanzó de nuevo pero teníamos que ser comprensivos puesto que así es el gran Gino Vannelli, inclasificable y desconcertante.

Pero era este el último Gino Vannelli posible? Y la respuesta volvía a ser que no ya que para colmo de colmos en el año 2006 publicaba These Are The Days, un extraño trabajo que incluía 7 temas de sus Lp's precedentes y siete nuevos aunque algo cercanos a su etapa más comercial. Su último larga duración hasta la fecha es A Good Thing (2009), una poderosa mezcla de jazz, funk y soul aunque en esta ocasión ya no nos pilló desprevenidos porque ya conocíamos su poliédrica personal musical.

Magnífica versión en directo del tema que os ofrecemos hoy, Sorm At Sunup, extraída de la gira de presentaión de su trabajo de 1995 Yonder Tree. Como más tarde reconocería el propio Vannelli, puro jazz.


Admirado y detestado casi a partes iguales, la carrera de Vannelli es imposible de definir y creémos que esa idea queda del todo patente al escuchar el tema que hemos decidido ofreceros hoy, Storm at Sunup, una composición de Vannelli que da título a su trabajo de 1975, en nuestra humilde opinión una extraordinaria aportación a la música. Storm at Sunup incluye todos los ingredientes que debe tener un tema mítico. Una poderosísima linea de batería ejecutada de forma magistral por el canadiense Graham Lear (quién poco después se incorporaría a la mítica banda de Santana de finales de los 70s) que al cabo de unos años sería alabada por el mismísimo Buddy Rich; un impecable y fascinante sólo de saxo de una auténtica leyenda del jazz como Jerome Richardson y una melodía y unos arreglos al alcance de muy pocos músicos en un track de 6 minutos y medio de duración, compuesto por un cantante que tan sólo interviene con su voz en algo más de 2 minutos dejando el resto para los músicos y, como no, para su hermano Joe, pieza importantísima de una factoría, la factoría Vannelli, que a nadie deja indiferente.

Podéis escuchar la versión original de Storm at Sunup en el reproductor ubicado a continuación o, si os apetece, descargarlo mediante el link que aparece en comentarios, haciendo click en Read More.

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Esperamos que os guste.

Ficha Técnica

Nombre del tema: Storm At Sunup
Compuesto por: Gino Vannelli
Incluído en: "Storm At Sunup"
Editado en el año: 1975
Discográfica: A&M Records

Jazzy

"Alto Madness" (1977), uno de los mejores trabajos del saxofonista alto, Richie Cole.

Richie Cole es un saxofonista alto norteamericano nacido el día 29 de febrero de 1948 en Trenton, ciudad del estado de New Jersey. Cole es conocido por su sonido inconfundiblemente bop.

Richie comenzó a tocar saxofón alto cuando tenía 10 años de edad en su ciudad natal. Enormemente influenciado por Sonny Rollins, Phil Woods, Gregory Herbert y Charlie Parker, el evidente talento y su gran dedicación le valieron una beca completa de Downbeat Magazine para ingresar en la prestigiosa Berklee School of Music en Boston.

Su carrera profesional comienza en 1969 cuando se une a la Buddy Rich Big Band. Más tarde pasará por la Big Band de Lionel Hampton y el Doc Severinsen Big Band antes de formar su propio quinteto. Ya con su banda, Cole recorre el mundo haciendo un gran esfuerzo para popularizar el bebop, género musical que le marcaría de por vida y al que dedicaría gran parte de su ya larga trayectoria, durante la cual ha tenido la oportunidad de tocar y grabar con artistas de la talla de Eddie Jefferson, The Manhattan Transfer, Bobby Enríquez, Freddie Hubbard, Sonny Stitt, Art Pepper, Tom Waits, Boots Randolph, y Nancy Wilson, por citar sólo unos pocos. A demás, la banda de Cole se ha presentado muchos de los grandes templos musicales norteamericanos, como el Village Vanguard o el Carnegie Hall.

Richie Cole con Bobby Enriquez al piano, Bruce Forman a la guitarra, Marshall Hawkinsal bajo y Scott Morris a la bateria. Interpretan Yard Bird Suite. Tremendo!


Richie Cole ha grabado más de 50 trabajos, entre ellos el famoso Hollywood Madness (1979, Muse Records) , uno de los LP's más valorados por sus incondicionales a pesar de los más de 30 años que han pasado desde su primera edición, pero nosotros hemos decidido escoger como disco de hoy un larga duración que publicara en el año 1977, también Muse Records y que para nosotros es uno de sus mejores trabajos, Alto Madness.

Alto Madness es un trabajo sencillamente espectacular en el cual nuestro protagonista de hoy nos enseña algunas de sus mejores armas. Arropado con una banda de ensueño compuesta por Eddie Gladden a la bateria, Rick Laird y Steve Gilmore al bajo, Ray Mantilla a la percussion y, especialmente Vic Juris y Harold Mabern a la guitarra y piano, el larga duración es una magnífica demostración de la habilidad compositiva de Cole, que queda del todo patente en temas como The Price Is Right o Remember You Day Off, pero también de su enorme capacidad para ofrecer versiones de algunos grandes clásicos entre los cuales podemos citar Moody's Mood de James Moody o El Último Tango en Paris, tema del saxofonista argentino Gato Barbieri que sirvió como banda sonora a la película de igual nombre dirigida por el italiano Bernardo Bertolucci en el año 1972 y que a nosotros se nos antoja una perfecta definición de lo que es el be bop.

Producido por el vocalista Eddie Jefferson, que interviene en dos de los cortes (Commmon Touch y Moody's Mood) , Alto Madness es un disco que no tiene desperdicio y que además es prácticamente imposible de encontrar en las tiendas. Por todo ello no hemos podido evitar la tentación de compartirlo con todos vosotros.

Un blues interpretado por un jazzman. Panishman Blues con Bruce Forman (guitar),Bobby Enriquez (piano), Marshall Hawkins (bass) y Scott Morris (drums). Disfruta Luther!.


En el reproductor gatuno que hemos colocado a continuación hemos incluído dos de los temas del disco, el mencionado Last Tango In Paris de Barbieri y la magnífica Remember Your Day Off, compuesta por Cole para la ocasión.

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Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios. Clickar Read More.

TRACKS

1-Cole's Nocturne Price
2-The Price Is Right Cole
3-The Common Touch Burns, Jefferson, Hurt
4-Last Tango in Paris Barbieri
5-Island Breeze Cole
6-Big Bo's Paradise Cole
7-Remember Your Day Off Cole
8-Moody's Mood '78 Moody, Jefferson


CREDITS

Richie Cole Alto Sax
Rick Laird, Steve Gilmore Bass
Eddie Gladden Drums
Vic Juris Guitar
Harold Mabern Piano
Ray Mantilla Percussion
Eddie Jefferson Vocals on The Common Touch
and Moody's Mood '78

Jazzy

Michael Franks Box. Las grandes canciones de uno de los compositores y vocalistas más populares del jazz contemporáneo.

Michael Franks nace un 18 de septiembre del año 1944 en La Jolla (California). Enormemente popular en los años 80, Franks ha trabajado con músicos de la talla de Patti Austin, Brenda Rusell, Art Garfunkel o David Sanborn y sus temas han sido grabados por gente del nivel de The Manhattan Transfer, Patti Labelle, Carmen McRae, Diana Krall o The Carpenters, por citar unos pocos. Franks creció al sur de California con sus padres y sus dos hermanas pequeñas. Aunque ninguno de sus familiares tuvo relación alguna con el mundo de la música, sus padres eran unos grandes aficionados al swing y escuchaban con frecuencia a grandes del jazz como Peggy Lee, Ira Gershwin, Johnny Mercer, Nat King Cool o Irvin Berling. Estás fueron las primeras influencias que recibió Franks.

Al cumplir los 14 años, Franks se compró su primera guitarra, una Marco Polo japonesa que le costó 29,95$. Incluía 6 lecciones privadas, la única formación musical que Franks iba a recibir.

En el instituto Franks empezó a tocar en un grupo de rock-folk. Más tarde se iría a estudiar a la Universidad de UCLA y sería allí donde descubriría las que a la postre serían sus más grandes influencias, personificadas en músicos como Dave Brubeck, Patti Page, Stan Getz, Joao Gilberto, Miles Davis y, muy especialmente, el maestro Jobim.

Chuck Loeb nos presenta a Michael Franks y a su banda Reunión, formada por un puñado de brillantes músicos entre los que destacan Eric Marienthal, Dennis Chambers y Jim Beard. Interpretan uno de los temas más versionados de Franks, The Lady Wants to Know.

A finales de los años 60, Franks empezó a componer sus primeros temas. Participó en un musical antibélico y hizo sus primeras bandas sonoras para cine, hasta que en 1973 grabó su primer trabajo más tarde rebautizado como "Previously Unavailable". Era un disco con carácter marcadamente folk que nada tendría que ver con sus siguientes trabajos.

Fue en el año 1976 cuando grabó su segundo trabajo. Producido para Warner Bross por el gran Tommy Lipuma, "The Art of Tea" contenía grandes temas como "Eggplant", "Sant Elmo's Fire" o el muy irónico "Sometimes I Just Forget to Smile", además de grandes clásicos del cantautor, como "Popsicle Toes" o "Monkey See, Monkey Do" e incluía en su nómina a músicos de la talla de Michael Brecker, Dave Sanborn o Wilton Felder (de Crusaders). Desde entonces hasta su último "Watching the Snow" del año 2006, nada menos 15 discos firmados por Franks (sin incluir recopilaciones ni directos), algunos tan brillantes como "Sleeping Gypsy" (1977), "Tiger in the Rain"(1979), "Abandoned Garden" (1995) o el que representó su mayor éxito comercial "Passionfruit" grabado en el año 1983.



Una pequeña muestra del talento de Michel Franks con su composición "Down on Brazil" contenida en su espléndido "Sleeping Gypsy" del año 1977. Grabado en Tokio en 1981.

La música de Michael Franks tiene un valor indiscutible a pesar de que los críticos siempre le han machacado hasta el punto que en su Rendezvous in Rio añadía un tema que se llamaba The Critics Are Never Kind en el cual los definía como gente ciega y solitaria. Es por ello que hemos creído oportuno recopilar algunos de los grandes temas de este singular artista con la sana intención de que seas vosotros los que juzgueis ese extremo. Esperamos que os guste.



En el siguiente enlace podéis encontrar su discografía completa.

Discografía Michael Franks.

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TRACKS

1-Eggplant. Extraído de su trabajo "The Art of Tea" (1976)

2-A Robinsong. Extraído de su trabajo "Burchfield Nines" (1977)

3-Down in Brasil. Extraído de su trabajo "Sleeping Gypsy" (1977)

4-Jardin Botánico. Extraído de su trabajo "Tiger in the Rain" (1979)

5-Don't Be Blue. Originalmente contenido en su "Sleeping Gypsy" (1977). Esta es la versión en directo extraída de "Michael Franks with Crossfire" (1980).

6-Inside You. Extraída de su trabajo "One Bad Habit" (1980)

7-Laughing Gas. Extraído de su trabajo "Objects of Desire" (1982)

8-When Sly Calls. Extraído de su trabajo "Passion Fruit" (1983)

9-Now I Know Why. Extraído de su trabajo "Skin Dive" (1985)

10-Island Life. Extraído de su trabajo "The Camera Neves Lies" (1987)

11-On the Inside. Extraída de su trabajo "Blue Pacific" (1990)

12-I Love Lucy. Extraído de su trabajo "Dragonfly Summer" (1993)

13-Cinema. Extraído de su trabajo "Abandoned Garden" (1995)

14-The Fountain of Youth. Extraído de su trabajo "Barefoot on the Beach" (1999)

15-Christmas in Kyoto. Extraído de su trabajo "Watching the Snow" (2006)

16-Under the Sun. Extraído de su trabajo "Rendezvous in Rio" (2006)

Jazzy.