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miércoles, 15 de septiembre de 2010

Canciones para Gatos: "Storm At Sunup" un impactante tema del inclasificable Gino Vannelli.






Gino Vannelli es un músico absolutamente inclasificable. Cuando era niño aprendió a tocar la bateria mientras escuchaba todo tipo de música, desde jazz hasta clásica a través de los conciertos que se hacían de forma periódica en los alrededores de su ciudad natal, Montreal. A principios de los 70 consiguió convencer al productor Herp Albert, guitarra en mano y ofreciendole un improvisado concierto en el aparcamiento de la discográfica que este dirigía, A&M, y apareció en el mercado Crazy Life (1973), una grabación con marcado acento brasileño. Poco después llegaría su segundo intento, Powerful People (1974) que combinaba jazz con soul ,funk e incluso disco. Storm at Sunp (1975), su tercer larga duración era, según el mismo manifiesta jazz puro, aunque para su elaboración no fuera necesaria la intervención de bajista alguno. Más tarde recordaría su afición por la música clásica y con ella llegarían The Gist of the Gemini (1976) y A Pauper in Paradise (1978), dos auténticas obras maestras. Pero entonces Vannelli se orientó hacía la música algo más popular aunque sin olvidar sus raices consiguiendo dos nuevos trabajos de gran calado, Brother to Brother (1978) que le llevó a realizar inacabables giras y Nightwalker (1981). En ese momento la popularidad de Vannelli estaba en su punto más álgido pero decidió desaparecer.

Al cabo de 4 años Vannelli volvió a los estudios de grabación. Pero era otro Vannelli y su música no tenía nada que ver con la aparecida en sus trabajos precedentes. Armado con impecable traje y un curioso tupé nos ofreció una mezcla de pop y rock de dudoso gusto y volvió a adquirir fama. En ese periodo salieron a la venta sus peores discos y, como casi siempre, los más comerciales. Un conjunto de obras menores compuesto por Black Cars (1985), Big Dreamers Never Sleep (1987) y Inconsolable Man (1990). Parecían grabaciones de un anciano Elvis Presley pero una de ellas, concretamente Black Cars, se convirtió en su mayor éxito. Años después Vannelli ofrecería a sus auditorios versiones de Black Cars hechas con un gran sentido del humor, reconociendo de forma explícita que la original era un auténtico chiste comparada con cualquiera de los temas de sus primeros seis vinilos. Vannelli volvía de nuevo a estar en la cima y probablemente no le gusto nada lo que desde allí se divisaba ya que volvió a desaparecer.

Pasaron otros cinco años. Sus seguidores primitivos pensaban que la causa estaba perdida y los que adquirió en su etapa más pop ni siquiera se acordaban de él. Pero Vannelli decidió volver y lo haría a lo grande. De nuevo dos excelentes grabaciones, Yonder Tree (1995) y Slow Love (1997), especialmente la primera. El gran Gino Vannelli había regresado pero como casi siempre no podíamos cantar victoria. 6 años más de silencio y, de repente, otro nuevo disco llamado Canto. Esta vez el giro se produjo hacia su interior y eso le llevó a la necesidad de hablar sobre sus orígenes italianos. La propuesta era ahora decididamente clásica y el desconcierto nos alcanzó de nuevo pero teníamos que ser comprensivos puesto que así es el gran Gino Vannelli, inclasificable y desconcertante.

Pero era este el último Gino Vannelli posible? Y la respuesta volvía a ser que no ya que para colmo de colmos en el año 2006 publicaba These Are The Days, un extraño trabajo que incluía 7 temas de sus Lp's precedentes y siete nuevos aunque algo cercanos a su etapa más comercial. Su último larga duración hasta la fecha es A Good Thing (2009), una poderosa mezcla de jazz, funk y soul aunque en esta ocasión ya no nos pilló desprevenidos porque ya conocíamos su poliédrica personal musical.

Magnífica versión en directo del tema que os ofrecemos hoy, Sorm At Sunup, extraída de la gira de presentaión de su trabajo de 1995 Yonder Tree. Como más tarde reconocería el propio Vannelli, puro jazz.



Admirado y detestado casi a partes iguales, la carrera de Vannelli es imposible de definir y creémos que esa idea queda del todo patente al escuchar el tema que hemos decidido ofreceros hoy, Storm at Sunup, una composición de Vannelli que da título a su trabajo de 1975, en nuestra humilde opinión una extraordinaria aportación a la música. Storm at Sunup incluye todos los ingredientes que debe tener un tema mítico. Una poderosísima linea de batería ejecutada de forma magistral por el canadiense Graham Lear (quién poco después se incorporaría a la mítica banda de Santana de finales de los 70s) que al cabo de unos años sería alabada por el mismísimo Buddy Rich; un impecable y fascinante sólo de saxo de una auténtica leyenda del jazz como Jerome Richardson y una melodía y unos arreglos al alcance de muy pocos músicos en un track de 6 minutos y medio de duración, compuesto por un cantante que tan sólo interviene con su voz en algo más de 2 minutos dejando el resto para los músicos y, como no, para su hermano Joe, pieza importantísima de una factoría, la factoría Vannelli, que a nadie deja indiferente.

Podéis escuchar la versión original de Storm at Sunup en el reproductor ubicado a continuación o, si os apetece, descargarlo mediante el link que aparece en comentarios, haciendo click en Read More.




MusicPlaylist
Music Playlist at MixPod.com



Esperamos que os guste.


Ficha Técnica

Nombre del tema: Storm At Sunup
Compuesto por: Gino Vannelli
Incluído en: "Storm At Sunup"
Editado en el año:
1975

Discográfica:
A&M Records


Jazzy

sábado, 11 de septiembre de 2010

Michael Franks Box. Las grandes canciones de uno de los compositores y vocalistas más populares del jazz contemporáneo.

















Michael Franks nace un 18 de septiembre del año 1944 en La Jolla (California). Enormemente popular en los años 80, Franks ha trabajado con músicos de la talla de Patti Austin, Brenda Rusell, Art Garfunkel o David Sanborn y sus temas han sido grabados por gente del nivel de The Manhattan Transfer, Patti Labelle, Carmen McRae, Diana Krall o The Carpenters, por citar unos pocos. Franks creció al sur de California con sus padres y sus dos hermanas pequeñas. Aunque ninguno de sus familiares tuvo relación alguna con el mundo de la música, sus padres eran unos grandes aficionados al swing y escuchaban con frecuencia a grandes del jazz como Peggy Lee, Ira Gershwin, Johnny Mercer, Nat King Cool o Irvin Berling. Estás fueron las primeras influencias que recibió Franks.


Al cumplir los 14 años, Franks se compró su primera guitarra, una Marco Polo japonesa que le costó 29,95$. Incluía 6 lecciones privadas, la única formación musical que Franks iba a recibir.
En el instituto Franks empezó a tocar en un grupo de rock-folk. Más tarde se iría a estudiar a la Universidad de UCLA y sería allí donde descubriría las que a la postre serían sus más grandes influencias, personificadas en músicos como Dave Brubeck, Patti Page, Stan Getz, Joao Gilberto, Miles Davis y, muy especialmente, el maestro Jobim.


Chuck Loeb nos presenta a Michael Franks y a su banda Reunión, formada por un puñado de brillantes músicos entre los que destacan Eric Marienthal, Dennis Chambers y Jim Beard. Interpretan uno de los temas más versionados de Franks, The Lady Wants to Know.





A finales de los años 60, Franks empezó a componer sus primeros temas. Participó en un musical antibélico y hizo sus primeras bandas sonoras para cine, hasta que en 1973 grabó su primer trabajo más tarde rebautizado como "Previously Unavailable". Era un disco con carácter marcadamente folk que nada tendría que ver con sus siguientes trabajos.


Fue en el año 1976 cuando grabó su segundo trabajo. Producido para Warner Bross por el gran Tommy Lipuma, "The Art of Tea" contenía grandes temas como "Eggplant", "Sant Elmo's Fire" o el muy irónico "Sometimes I Just Forget to Smile", además de grandes clásicos del cantautor, como "Popsicle Toes" o "Monkey See, Monkey Do" e incluía en su nómina a músicos de la talla de Michael Brecker, Dave Sanborn o Wilton Felder (de Crusaders). Desde entonces hasta su último "Watching the Snow" del año 2006, nada menos 15 discos firmados por Franks (sin incluir recopilaciones ni directos), algunos tan brillantes como "Sleeping Gypsy" (1977), "Tiger in the Rain"(1979), "Abandoned Garden" (1995) o el que representó su mayor éxito comercial "Passionfruit" grabado en el año 1983.



Una pequeña muestra del talento de Michel Franks con su composición "Down on Brazil" contenida en su espléndido "Sleeping Gypsy" del año 1977. Grabado en Tokio en 1981.







La música de Michael Franks tiene un valor indiscutible a pesar de que los críticos siempre le han machacado hasta el punto que en su Rendezvous in Rio añadía un tema que se llamaba The Critics Are Never Kind en el cual los definía como gente ciega y solitaria. Es por ello que hemos creído oportuno recopilar algunos de los grandes temas de este singular artista con la sana intención de que seas vosotros los que juzgueis ese extremo. Esperamos que os guste.



En el siguiente enlace podéis encontrar su discografía completa.





Encontraréis link en comentarios. Click Read More.



TRACKS


1-Eggplant. Extraído de su trabajo "The Art of Tea" (1976)



2-A Robinsong. Extraído de su trabajo "Burchfield Nines" (1977)



3-Down in Brasil. Extraído de su trabajo "Sleeping Gypsy" (1977)


4-Jardin Botánico. Extraído de su trabajo "Tiger in the Rain" (1979)


5-Don't Be Blue. Originalmente contenido en su "Sleeping Gypsy" (1977). Esta es la versión en directo extraída de "Michael Franks with Crossfire" (1980).


6-Inside You. Extraída de su trabajo "One Bad Habit" (1980)



7-Laughing Gas. Extraído de su trabajo "Objects of Desire" (1982)


8-When Sly Calls. Extraído de su trabajo "Passion Fruit" (1983)


9-Now I Know Why. Extraído de su trabajo "Skin Dive" (1985)


10-Island Life. Extraído de su trabajo "The Camera Neves Lies" (1987)


11-On the Inside. Extraída de su trabajo "Blue Pacific" (1990)


12-I Love Lucy. Extraído de su trabajo "Dragonfly Summer" (1993)



13-Cinema
. Extraído de su trabajo "Abandoned Garden" (1995)


14-The Fountain of Youth. Extraído de su trabajo "Barefoot on the Beach" (1999)



15-Christmas in Kyoto. Extraído de su trabajo "Watching the Snow" (2006)


16-Under the Sun. Extraído de su trabajo "Rendezvous in Rio" (2006)








Jazzy.

viernes, 10 de septiembre de 2010

Marilyn Scott Box: Una selección de lo mejor de la ecléctica vocalista californiana.






Marilyn Scott nació y se crió en Arcadia, California. La pequeña Marilyn estaba profundamente influida por su madre que era pianista clásica y cantante. Pero Marilyn tenía tan sólo 11 años cuando su madre murió y el repentino silencio y su ausencia fue más de lo que podía soportar. En cierto modo, ella está convencida de que su pasión por la música fue alimentada por la enorme pérdida que hubo de sufrir. "Lo que escuché de mi madre me encendió absolutamente", afirma. "Sin ella no tuve otra opción que escuchar la radio. Escuchaba jazz, R & B, pop y fusion. Estaba decidida a triunfar en la música y a ponerme a trabajar con grandes músicos que me obliguen a ser lo mejor posible".

Después de graduarse en la escuela secundaria,
Marilyn se trasladó a la zona de la bahía en el norte de California, donde comenzó a cantar con algunas de las mejores bandas de la época. "En aquellos días que tenías que hacer 4 o 5 conciertos cada noche. Tenías que conocer una amplia gama de música. Y en esa época decidí que quería hacer jazz. Eso sí, en la forma en la que yo quería hacerlo". Al poco tiempo conoció a los miembros de la banda de soul Tower of Power, especialmente a Emilio Castillo, y con ellos comenzó a hacer unas cuantas sesiones. Con Tower of Power pudo demostrar su capacidad para transmitir emociones a través de su voz y al poco le llegó una oferta para convertirse en la única persona de raza blanca que participaría en Selma, el musical dedicado al Dr. Martin Luther King Jr.. Después de eso Scott grababa un single para el sello Atco, concretamente con el tema "Good Only Knows" de Brian Wilson. El single llegó rapidamente a format parte del Top 100 de la lista Billboard y ese hecho le dió la oportunidad de editar el primer disco con su nombre, el refrescante Dreams of Tomorrow, en el año 1979. En ese momento Scott era aún joven pero ya había trabajado para gente tan importante como Etta James o John Mayall.

Tras su primera grabación
Scott comenzó una gira de conciertos durante los cuales trabaría amistad con un joven teclista y compositor, una relación que se mantendría hasta la actualidad. Era Russell Ferrante, miembro fundador junto a Jimmy Haslip de los míticos Yellowjackets. "Cada vez que quería escribir, Russell siempre encontraba tiempo y espacio para ayudarme", nos cuenta Scott. Y prosigue: "El fue muy generoso con su tiempo y eso me permitió encontrarme a mí misma. Lo mismo ocurrió con otros con los que he tenido la suerte de trabajar como George Duke, Brenda Russell y Bobby Caldwell".



Pero lo cierto es que
Dreams of Tomorrow no sería precisamente un éxito y Scott tardaría la friolera de 12 años en volver a poner su nombre a una grabación. Su vuelta se produjo en el año 1991 con Without Warnin' que la convertiría por un tiempo en la niña mimada de algunos críticos de jazz. En los años que trancurrieron entre ambas grabaciones Marilyn no dejó de trabajar, participando en discos de gente como Gino Vannelli, sus amigos The Yellowjackets, el guitarrista brasileño Oscar Castro-Neves o el vocalista Bill Gables. Además, el hecho de vivir en Los Ángeles le permitió trabajar en muchas y variadas bandas sonoras y de colaborar con otro de sus grandes amigos, Bobby Caldwell.

Al año siguiente graba
Smile que incluía dos duetos con la vocalista Brenda Russell en los temas "That Man On My Mind" y " You Don't Know Me".

Tras cuatro años de silencio aparecería en el mercado el que nos parece su mejor trabajo hasta la fecha, Take Me With You, su debut con Warner editado en el año 1996. En este larga duración Scott combina de forma acertada todos sus intereses musicales incluyendo R&B, jazz, soul, pop, funk y música brasileña. Producido por George Duke y The Yellowjackets, en Take Me With You colaboraban, además de los productores, algunos músicos de la talla de Dori Caymmi (que además ejercía de productor y dejaba sus arreglos en un par de temas), Ricardo Silveira, Bob James o Boney James, por citar unos pocos.

Desde entonces
Marilyn Scott ha publicado 7 trabajos más, a saber; "Avenues of Love" (1998), "Walking With Strangers" (2001), "I'm In Love Once Again" (2003) (recopilatorio editado exclusivamente en Gran Bretaña), "Nightcap" (2004), Handpicked (2005) (un nuevo trabajo recopilatorio), "Innocent of Nothing" (2006) y su último y quizás uno de los más jazzísticos , "Everytime We Say Goodbye" (2008) llegando a conformar una carrera de lo más acléctica. En torno a esta última grabación Scott nos comenta; "No me gusta jugar a lo seguro. Mi último álbum de jazz, Innocent of Nothing" era más aventurero. Este es quizás más tenue. Probablemente la gente dirá que este es el álbum que debería haber hecho ya que encaja muy bien con la radiofórmula, pero no se puede hacer discos para la radio. Intento hacer lo que me gusta y espero saber defenderlo. Ahora tan sólo necesito una oportunidad para estar en frente de una audiencia y mostrarles lo que soy". Más sincera no pudo ser.



Marilyn Scott es muy poco conocida fuera de Estados Unidos, pero tiene una agradable y sensual voz que nos ha impulsado a presentarla en este espacio en forma de box. Con esa intención hemos seleccionado algunos de sus mejores temas para compartirlos con vosotros en nuestro tejado.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios. Click Read More.

TRACKS

De "Dreams of Tomorrow" (1979)

1-Let's Be Friends
2-Highways Of My Life

De "Without Warning" (1991)

3-I'll Be Lovin' You

De "Smile" (1992)

4-Smile
5-Giving Up For Love


De "Take Me With You" (1996)

6-I'm Calling You
7-Bird of Beauty
8-That's The Way It Should Be


De "Avenues of Love" (1998)

9-Avenida del Sol
10-Heaven's Desigh

De "Walking With Strangers" (2001)

11-Loving You
12-Give In

De "Nightcap" (2004)

13-You Don' Know What Love Is

De "Innocent of Nothing" (2006)

14-A Flame
15-Spring Can Really Hang You Up The Most

De Everytime We Say Goodbye (2008)

16-Autumn in New York
17-I Got Lost Into His Arms



Jazzy

viernes, 20 de agosto de 2010

Crazy Life (1973). El primer trabajo del gran vocalista canadiense Gino Vannelli.







Gino Vannelli estudió teoría de la música en la McGill University, en su Montreal natal. Su padre, Russ Vannelli, era un gran aficionado al jazz y al descubrir el talento del joven Gino y también de sus hermanos Joe y Ross, decidió traspasar su afición a sus hijos. Pensó que Gino podía ser un excelente bateria y emular a su ídolo Gene Kruppa y de hecho el aprendizaje de ese instrumento tendría una importante influencia en la música de Vannelli. Pero Gino crecía en una época en la cual los Beatles arrasaban. El joven Vannelli asistía además regularmente a los conciertos de música clásica que se daban en su entorno. Por si eso fuera poco, el jazz-rock estaba empezando a tomar forma y gente como Dave Brubeck o Miles Davis ya eran considerados auténticos fenómenos sociales.

A principios de los 70 otra nueva banda que tenía como lider a un pianista aficionado a los nuevos instrumentos sintetizados que respondía al nombre de Joseph Zawinul, Weather Report, irrumpía también en un mercado musical desbordante de creatividad. Toda esta sucesión de hechos sería decisiva en la creación del estilo Vannelli.

En aquellos momentos, los hermanos Gino y Joe intentaban sin demasiado éxito hacer una primera grabación. Un buen día, hartos del rechazo que habían sufrido por parte de todas las compañías discográficas con las que habían estado en contacto, Gino, guitarra en mano, decidió esperar al reputado productor y trompetista Herp Alpert en el parking de la discográfica A&M Records, propiedad de este. Parece ser que Alpert comprendió que Vannelli iba a tocar aunque se hundiera el mundo y asistió con una sonrisa en los labios al improvisado concierto. Cuando Vannelli dejó de tocar Alpert se acercó y le dijo "Muy bien chico, vas a grabar, y yo voy a producir tu primer disco".

Bonita versión del primer clásico de Vannelli, "Crazy Life".


En aquellos momentos Herp Alpert triunfaba con su Tijuana Brass Band y había ganado mucho dinero produciendo a Sergio Mendes & Brasil 66. Resulta pues evidente la influencia de Alpert en el primer trabajo de Vannelli, "Crazy Life" (1973), repleto de ritmos brasileños. La canción que dá título al disco, una preciosa balada con aires de bossanova, es la única pieza aún presente en el repertorio actual de Vannelli y ha sido interpretada en la mayoría de los conciertos del vocalista de Montreal. Una pena ya que el disco contiene varios excelentes temas como "Cherizar", "There's no Time" o "Fling on Mine", entre otros. Los podéis escuchar en el siguiente reproductor.


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Hace ya años que el disco está descatalogado y es imposible prácticamente conseguir una versión en CD. Por esa razón me he decidido a compartirlo con vosotros en este foro.

Espero que
lo disfrutéis.

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TRACKS (all tracks by Gino Vannelli)

1. Crazy Life
2. Hollywood Holiday
3. There's No Time
4. Fling of Mine
5. Granny Goodbye
6. Great Lake Canoe
7. Cherizar
8. One Woman Lover
9. Piano Song


Jazzy


viernes, 13 de agosto de 2010

"Pano Pra Manga" (1996) el primer gran disco de la brasileña Rosa Passos.







Rosa Passos creció en Salvador de Bahía, la capital de la cultura africana en Brasil. Su mundo siempre estuvo rodeado de música. Animada desde temprana edad por sus padres, con cinco años ya era una pianista prometedora.

En su adolescencia su padre le regaló una colección de discos de
Joao Gilberto y Tom Jobim y fue precisamente la banda sonora de la película de 1959 Orfeo Negro la que consiguió que Passos decidiera ser músico. Desde entonces se ha dedicado a componer y a cantar siempre con una figura en mente, la de Joao Gilberto, a quien reconoce como su maestro y más importante referente, aunque también resulta evidente la influencia que sobre ella ejerció la voz de la gran Elis Regina.

Rosa Passos junto a Henry Salvador nos interpreta Wave, el tema del que hablábamos ayer, dando pruebas de su legendaria habilidad para versionar al genio Tom Jobim. Subtitulada al español por gentileza de horcris187. Al final podemos apreciar algunas entrañables imágenes en el estudio de grabación.


En 1972 su composición "Mutilados" ganó el primer lugar en el festival de la Universidad de Bahía, promovida por TV Aratu. Sus primeras composiciones, en su mayoría escritas junto con su eterno colaborador, el compositor Fernando de Oliveira, aparecen recopiladas em el que será su primer album, "Recriaçao", grabado en el año 1979. Pero justo después de la aparición del vinilo, decide tomarse unos años para dedicarlos a su familía. Passos no volverá a cantar profesionalmente hasta el año 1985, pero a partir de ese momento su carrera será imparable.

En 1991 lanza su primer CD, "Curare", una colección de temas de gente como Tom Jobim, Ary Barroso, Johnny Alf o Djavan, por citar algunos nombres. "Curare" no contiene ningún original de Passos, pero eso comenzará a cambiar a partir de su siguiente trabajo, Pano Pra Manga, que aparece a la venta en año 1995. Pano Pra Manga es el primer larga duración que incorpora la huella de Rosa Passos. 13 temas en total, 10 de de los cuales co-firmados por la vocalista, la mayoría de ellos junto a Fernando de Oliveira, además de notables colaboraciones con dos de los grandes de la música de Brasil; Chico Buarque en "Com Açucar, Com Afeito" y Ivan Lins en "Abajur Lilas".

Pano Pra Manga es el trabajo que hemos decidido compartir hoy en el tejado. Un disco maduro que nos permite escuchar la mayoría de facetas de Passos; samba ("Pano Pra Manga", "É Luxo Só", "Samba Sem Vocé", "Samba Com Pressa"), bossanova ("Gesto", "Espelhos"), bolero ("Amorosa") y mucho jazz, todo ello aderezado con la cálida voz de Passos, buenos músicos y delicados arreglos para acabar conformando una grabción absolutamnte deliciosa que debería disponer de un espacio en la dicoteca de cualquier buen aficionado a la música.

En el año 1998 Passos colaboraba con Vania Bastos en la grabación de un magnífico disco en homenaje a Jobim que contenía esta preciosa versión de Dindi. El video está ilustrado con bonitas imágenes de Rosa Passos, Tom Jobim y de la ciudad de Rio.


Desde entonces Passos no ha parado de trabajar. Ha sacado un nuevo disco prácticamente cada año y se ha presentado en escenarios de todo el mundo junto a músicos de la talla de Paquito D'Rivera, Ron Carter, Kenny Rankin, Sadao Watanave o Oscar Castro-Neves, por sólo citar unos pocos.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Verão
De Oliveira, Passos
2-Samba Com Pressa De Oliveira, Passos
3-Com Açúar, Com Afeto Buarque
4-Amorosa De Oliveira, Passos
5-Pano Pra Manga Passos, Pinheiro
6-Gesto Natureza, Passos
7-Abajur Lilás De Oliveira, Lins, Passos
8-Chovendo Na Roseira Jobim
9-E Luxo Só Barroso, Peixoto
10-Espelhos De Oliveira, Passos
11-Barcos De Oliveira, Passos
12-Samba Sem Você De Oliveira, Passos
13-Minuano Martins, Passos

CREDITS

Rosa Passos Vocals, Guitar, Composer, Bass Arrangement
Pedro Amorim Bandolin Nema Antunes Bass (Electric) Marco Brito Piano, Keyboards Chico Buarque Composer, Vocals Andréa Earnest Dias Flute
Glauco Fernandes Violin Lula Galvao Guitar, Arranger, Bass Arrangement
Jorge Helder Bass (Electric), Bass (Acoustic) Antonio Carlos Jobim Composer
Ivan Lins Composer, Vocals Carlos Malta Flute Armando Marçal Percussion Vitor Martins Composer Leo Ortiz Violin Iura Ranevsky Cello
Erivelton Silva Drums


Jazzy

miércoles, 28 de julio de 2010

"Music of my Mind" (1972) de Stevie Wonder. El inicio de una nueva era musical.










Stevie Wonder nació el 13 de mayo de 1950 en Saginaw, población del estado de Minessota en EEUU. Fue un niño prematuro y eso le marcó de por vida ya que en su necesario paso por la incubadora recibió un exceso de oxígeno que le arrebató la visión para el resto de sus días.
Pero el pequeño Stevie, nacido Steveland Hardaway Judkins estaba destinado a ser uno de los grandes músicos del siglo XX. Y lo iba a ser a pesar de todo.
Ya de muy pequeño perdió a sus padres y fue adoptado, cambiando su nombre por Steveland Morris. Empezó cantando en los coros de la iglesia y rápidamente comenzó a destacar como músico, tocando diferentes instrumentos, especialmente piano, harmónica y percusión.

A los 11 años ya grabó su primer disco tras firmar contrato con la legendaria discográfica Motown, Su título fue “Tribute to Uncle Ray”, un compendio de versiones de temas del maestro Ray Charles. Más tarde firmaría un nuevo trabajo titulado “The 12 years old genious” al que le seguirían diversas grabaciones con un interés bastante relativo.

En 1954 su familia se traslado a Detroit. La voz del pequeño Stevie estaba cambiando y éste decidió aprovechar el tiempo cursando estudios de piano clásico en Michigan. En 1968 grabó, con tan sólo 18 años de edad, “For once in my life”, donde ya ejerció como coproductor. Le siguió “Signed, sealed and delivered” en 1970. Su contrato, firmado 10 años atrás con Gordy, presidente de Motown estaba a punto de expirar. Y Wonder no estaba dispuesto a seguir en Motown si no disponía de todo el control creativo de su obra. A pesar de la oposición de Gordy, Stevie se salió con la suya y en 1971, justo el 13 de mayo día del 21 cumpleaños de Wonder, firmó un nuevo contrato con Motown pero en unas condiciones francamente diferentes. Comenzaba aquí la década prodigiosa de este genio indiscutible de la música popular.

En 1971 graba “Where I’m Coming From”. Es este el primer disco integramente Wonder. Escribe todos los temas, incluído el exitoso “If You Really Love Me” y toca prácticamente todos los instrumentos.




En 1972 aparece “Music of my Mind” (el disco que hemos decidido compartir hoy en el tejado y del que hablaremos al final de este post) y a finales de ese mismo año “Talking Book” que con temas como “You are the sunshine of my life” convierte a Wonder en un fenómeno social. En 1973 se presenta “Innervissions” y al poco sufre un grave accidente automovilístico cuando se dirigía a un concierto en North Carolina, cae en coma y, aunque se recupera rápida y totalmente, le queda como secuela la pérdida del olfato.

En 1975 presenta el brillante “Fulfillingness first finale” que incluye, entre otros temas, una tremenda crítica al entonces presidente americano Richard Nixon, titulada descriptivamente “You haven’t made nothing”. Pero lo mejor estaba por llegar y en 1976 Wonder presenta un disco doble titulado “Songs in the key of life”, probablemente el mejor de su carrera. Sólo comentar que en el año 2009 Wonder recibió el certificado conforme este disco había alcanzado los 10.000.000 de copias vendidas en todo el mundo pasando a formar parte de la librería del congreso de los EEUU. El doble vinilo contiene clásicos indiscutibles como “Sir Duke” en homenaje a Duke Ellington o el incontestable “Isn’t she lovely” por sólo citar un par y es, sin duda, uno de los discos que sirvieron como caldo de cultivo para el futuras etiquetas musicales.






En 1979 llegaría el irregular “The Secret Life of Plants” su primer acercamiento a una Banda Sonora, en este caso de un documental que nunca llegó a realizarse. A pesar de ello, el doble disco fue platino y Wonder acumuló un nuevo éxito. Al año siguiente “Hotter than July” cerraría la década prodigiosa del genio de Minnesota. Stevie Wonder dejaba de ser un músico innovador para convertirse en una gran estrella. A partir de aquí y hasta la fecha tan sólo 6 trabajos completamente nuevos.

En 1982 publicaría una de sus mejores obras recopilatorias. Su título era
“Original Musiquarium I” y además de una buena selección de temas totalmente remasterizados, incluiría 4 composiciones nuevas entre las cuales se encuentra el interesante y melódico “Ribbon in the Sky” y el bailable “Do I Do”.



Le seguiría en 1984 la BSO del divertido largometraje de
Gene Wilder, “Woman in Red” que contenía uno de los temas más famosos y detestables de Wonder, el sonrojante “I Just Called to Say I Love You”. En 1985 aparecería “In The Square Circle”, sin duda el mejor disco del artista desde la anterior década. Posteriormente, en 1987 sería el turno del aburrido “Characters”. Ya en la siguiente década llegaría el turno de “Jungle Fever” (1991), BSO de la película dirigida por Spike Lee, amigo personal de Wonder y cuatro años después “Conversation Peace”, probablemente el peor trabajo de su carrera. Su última propuesta data de 2005. Con el almibarado nombre “A Time to Love” tampoco ofrece lo que se espera de un artista de su nivel.

Con 41 discos a sus espaldas (entre originales, directos y recopilaciones), 25 Grammys y un Oscar por el peor de sus temas, se puede decir que Wonder es un hombre con una intensa vida llena de fuertes contrastes. Durante sus casi 50 años de carrera ha hecho colaboraciones con artistas tan interesantes como Djavan (recordada su armónica en el gran tema “Luz” del artista brasileño), Will Downing (“That’s all” ), Incognito, B.B. King o Manhatan Transfer i con otros tan detestables musicalmente como Julio Iglesias, Eddie Murphy o Eurythmics. Su vida ha sido muy activa a nivel político y en defensa de los derechos de la raza negra. Ha colaborado en diversas campañas benéficas (recordamos “We are the World”) y de concienciación popular (“Ebony and Ivory” con Paul McCarney) y ha apoyado a varios a la presidencia de los EEUU, siempre del ala demócrata. Sin ir más lejos fue muy activo en la reciente campaña para la elección de Barack Obama, uno de sus más famosos admiradores.


Music of My Mind (1972) es, en nuestra opinión, el primer trabajo que nos muestra la enorme capacidad de Wonder. Su disco previo “Where I’m coming From”, editado el año anterior, ya era integramente suyo pero aún no contenía temas de un gran calado musical. Music of My Mind no es su mejor larga duración, pero cuenta con muchos detalles que vale la pena destacar. De entrada incluye la que creémos es su primera gran composición, Superwoman-Where Were You When I Needed You, inspirada en el fracaso de la relación sentimental que mantuvo con la cantante Syreeta Wright. Pero es que además el disco está trufado de algunos grandes temas entre los cuales nos apetece de forma especial destacar la preciosa I Love Every Little Thing About You, una pieza que ayuda a definir el estilo Wonder, o la revolucionaria Seems So Long, una composición que anticipa algunos ingredientes de aquello que 10 años después se denominaría acid jazz, un estilo que es parte de la música de la mente de este prodigioso artista, sin duda uno de los compositores más interesantes e influyentes del pasado siglo XX.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Love Having You Around Wonder, Wright
2-Superwoman (Where Were You When I Needed You) Wonder
3-I Love Every Little Thing About You Wonder
4-Sweet Little Girl Wonder
5-Happier Than the Morning Sun Wonder
6-Girl Blue Wonder, Wright
7-Seems So Long Wonder
8-Keep on Runnin' Wonder
9-Evil Wonder, Wright

CREDITS

Stevie Wonder Harmonica, Keyboards, Vocals, Producer
Art Baron Trombone Malcolm Cecil Moog Synthesizer, Engineer, Associate Producer Howard "Buzz" Feiten Guitar Robert Margouleff Moog Synthesizer, Engineer, Associate Producer



Jazzy