"Gratitude" (1975), el primer gran directo de los legendarios Earth, Wind & Fire.

Earth, Wind & Fire fue uno de los grupos de funk nacidos a principio de los años 70. Su perfecto sonido, su trepidante ritmo y el respeto que le profesó la crítica, la convirtieron en una de las agrupaciones musicales más exitosas de la historia. Aunque lo que realmente hizo de ellos una banda única fue la filosofía que supo impregnar el bateria, compositor, cantante y líder, Maurice White.

Earth, Wind and Fire era una fusión única de energías en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, música africana y latina y algunas pinceladas de rock, todo ello sumado a la riqueza musical de la voz de Philip Bailey, con la cual la banda era capaz de sonar como el mejor de los grupos de la legendaria Motown.



Fantasy, uno de los grandes éxitos de Earth, Wind & Fire. Un auténtico clásico del funk. El clip , adornado con la a veces excesiva voz de Bailey nos permite además comprobar la legendaria habilidad de Maurice White con la bateria.





Earth, Wind & Fire aunaban la intensidad de James Brown con la capacidad para la improvisación de cualquiera de los grandes grupos de jazz fusión que en esos momentos triunfaban, como Weather Report o Return to Forever, por poner un par de ejemplos. Además, sus presentaciones en el escenario eran realmente explosivas.

El motor de la versatilidad de Earth, Wind and Fire era el mismo eclecticismo que unía a la banda. Su diversidad estaba impulsada por una creencia espiritual amplia que se manifestaba en un conjunto de pensamientos positivos. El nexo que servía de unión a todos estos elementos era la calidad compositiva de su auténtico motor, su lider Maurice White. White, además, era sólido e impredecible con los arreglos y con todo ello consiguió hacer de Earth, Wind and Fire la banda de funk más impecable de la historia. Earth, Wind & Fire fue de los primeros grupos capaces de abrazar todos los ritmos que les habían precedido y convertirlos en un espectáculo impresionante y de gran calidad, con toques horteras (hablamos de los años 70) pero con un resultado final que era la envidia de las bandas del género.

Maurice White empezó en la música a inicios de los sesenta como bateria de sesión en Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart, y Etta James. Más tarde, en 1967, se unió al Ramsey Lewis Trio donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano que luego usaría a lo largo de toda su carrera.

En 1969, dejó el grupo de Lewis y se unió al tecladista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons para juntos dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, rápidamente se convirtieron en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago. Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral. Acababa de nacer una banda absolutamente mítica.

En 1970 White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White, de reunirse con el grupo en Los Ángeles, sus integrantes incluían a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y Yackov Ben Israel en la percusión, además de los originales Whitehead y Flemons. Esta formación firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum que llevaba el nombre de la banda.

La recepción de la crítica fue cauta y positiva, sobre todo por que fue tomada con la guardia baja por lo ambicioso del proyecto. La misma recepción tuvo el segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no despegaron a pesar de la cantidad de gente que los empezaba a seguir, mayormente en las universidades.

Con al crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind and Fire en 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el saxo, Roland Bautista en la guitarra, Larry Dunn en teclados y Ralph Johnston en la percusión. Pero la incorporación más trascendente fue la del cantante Philip Bailey. Al final del 72 Laws y Bautista se habían ido y en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los dos guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind and Fire estaba completo y listo para empezar su carrera en el estrellato musical. En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky”, que si bien no fue un éxito en ventas, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente disco “Open Our Eyes” de 1974 fue su primer éxito. Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el disco tenía un estilo musical más claro y directo. “Mighty Mighty”, extraído de ese LP, se convirtió en el primer Top Ten en las listas R&B que lograría Earth Wind and Fire. Aunque las emisoras pop la hicieron a un lado por las reivindicaciones para la raza negra que contenía el tema, la influencia musical de Maurice White se hizo sentir en la radio y el álbum se convirtió en disco de oro.

En 1975 todo estaba listo para que Earth, Wind & Fire fuera una banda de éxito. El grupo se encargó de componer la banda sonora de la película “That’s the Way of the World”.

Pero White, tuvo claro que la película no funcionaría y, con buen criterio, decidió lanzar el disco antes del estreno de la misma. El film fue efectivamente un fracaso, pero el disco despegó impulsado por el tema “Shining Star” que fue número uno en las listas R&B y pop, y que además les proporcionó un Grammy. El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino.

El dinero que recibieron sirvió para que sus presentaciones en público fueran aún más espectaculares. Además se incluyó una sección de vientos más aparente con la agrupación “The Phoenix Horns”. El frenesí de sus presentaciones en vivo se registró en el doble LP “Gratitude” que llegó sin problemas al número uno de los discos más vendidos y que es el trabajo que os ofrecemos hoy.

Un LP realmente extraordinario que no te dejará indiferente.

En el año 1990 Maurice White hacía su última gira. Este clip pertenece al concierto que en esas fechas realizaron en Japón. Interpretan una de sus grandes baladas, After the Love Has Gone, incluída en "I Am" (1979).

Esperamos que os guste.

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Fuente : Radiodos

Adaptado por Jazzy para Música para Gatos.

TRACKS

1-Introduction.Medley :Africano/Power M. White, L. Dunn

2-Yearnin’ Learnin’ M. White, C. Stepney

3-Devotion M. White, P. Bailey

4-Sun Goddess M.White, J. Lind

5-Reasons Bailey, Stepney, White

6-Sing a Message to You M. White

7-Shining Star M. White, P. Bailey

8-New World Symphony M. White, V. White

9-Sunshine M. White, A. McCay, P. Bailey, L. Dunn

10-Sing a Song M. White, A. McCay

11-Gratitude M. White, V. White

12-Celebrate M. White, Stepney, P. Bailey

13-You Can’t Hide Love S. Scarborough





CREDITS





Maurice White - Drums, Timbales, Voz, Kalimba Verdine White - Bajo, Percusión, Voz Al McKay - Guitarra, Percusión Johnny Graham - Guitarra Larry Dunn - Órgano, Piano, Sintetizador Moog Philip Bailey - Percusión, Conga, Voz Ralph Johnson - Percusión, Batería Fred White - Percusión, Batería

Andrew Woolfolk - Percusión, Saxo Don Myrick - Saxo Louis Satterfield - Trombón Michael Harris - Trompeta .

Jazzy

"Music of my Mind" (1972) de Stevie Wonder. El inicio de una nueva era musical.

Stevie Wonder nació el 13 de mayo de 1950 en Saginaw, población del estado de Minessota en EEUU. Fue un niño prematuro y eso le marcó de por vida ya que en su necesario paso por la incubadora recibió un exceso de oxígeno que le arrebató la visión para el resto de sus días.

Pero el pequeño Stevie, nacido Steveland Hardaway Judkins estaba destinado a ser uno de los grandes músicos del siglo XX. Y lo iba a ser a pesar de todo.

Ya de muy pequeño perdió a sus padres y fue adoptado, cambiando su nombre por Steveland Morris. Empezó cantando en los coros de la iglesia y rápidamente comenzó a destacar como músico, tocando diferentes instrumentos, especialmente piano, harmónica y percusión.

A los 11 años ya grabó su primer disco tras firmar contrato con la legendaria discográfica Motown, Su título fue “Tribute to Uncle Ray”, un compendio de versiones de temas del maestro Ray Charles. Más tarde firmaría un nuevo trabajo titulado “The 12 years old genious” al que le seguirían diversas grabaciones con un interés bastante relativo.

En 1954 su familia se traslado a Detroit. La voz del pequeño Stevie estaba cambiando y éste decidió aprovechar el tiempo cursando estudios de piano clásico en Michigan. En 1968 grabó, con tan sólo 18 años de edad, “For once in my life”, donde ya ejerció como coproductor. Le siguió “Signed, sealed and delivered” en 1970. Su contrato, firmado 10 años atrás con Gordy, presidente de Motown estaba a punto de expirar. Y Wonder no estaba dispuesto a seguir en Motown si no disponía de todo el control creativo de su obra. A pesar de la oposición de Gordy, Stevie se salió con la suya y en 1971, justo el 13 de mayo día del 21 cumpleaños de Wonder, firmó un nuevo contrato con Motown pero en unas condiciones francamente diferentes. Comenzaba aquí la década prodigiosa de este genio indiscutible de la música popular.

En 1971 graba “Where I’m Coming From”. Es este el primer disco integramente Wonder. Escribe todos los temas, incluído el exitoso “If You Really Love Me” y toca prácticamente todos los instrumentos.

En 1972 aparece “Music of my Mind” (el disco que hemos decidido compartir hoy en el tejado y del que hablaremos al final de este post) y a finales de ese mismo año “Talking Book” que con temas como “You are the sunshine of my life” convierte a Wonder en un fenómeno social. En 1973 se presenta “Innervissions” y al poco sufre un grave accidente automovilístico cuando se dirigía a un concierto en North Carolina, cae en coma y, aunque se recupera rápida y totalmente, le queda como secuela la pérdida del olfato.

En 1975 presenta el brillante “Fulfillingness first finale” que incluye, entre otros temas, una tremenda crítica al entonces presidente americano Richard Nixon, titulada descriptivamente “You haven’t made nothing”. Pero lo mejor estaba por llegar y en 1976 Wonder presenta un disco doble titulado “Songs in the key of life”, probablemente el mejor de su carrera. Sólo comentar que en el año 2009 Wonder recibió el certificado conforme este disco había alcanzado los 10.000.000 de copias vendidas en todo el mundo pasando a formar parte de la librería del congreso de los EEUU. El doble vinilo contiene clásicos indiscutibles como “Sir Duke” en homenaje a Duke Ellington o el incontestable “Isn’t she lovely” por sólo citar un par y es, sin duda, uno de los discos que sirvieron como caldo de cultivo para el futuras etiquetas musicales.

En 1979 llegaría el irregular “The Secret Life of Plants” su primer acercamiento a una Banda Sonora, en este caso de un documental que nunca llegó a realizarse. A pesar de ello, el doble disco fue platino y Wonder acumuló un nuevo éxito. Al año siguiente “Hotter than July” cerraría la década prodigiosa del genio de Minnesota. Stevie Wonder dejaba de ser un músico innovador para convertirse en una gran estrella. A partir de aquí y hasta la fecha tan sólo 6 trabajos completamente nuevos.

En 1982 publicaría una de sus mejores obras recopilatorias. Su título era “Original Musiquarium I” y además de una buena selección de temas totalmente remasterizados, incluiría 4 composiciones nuevas entre las cuales se encuentra el interesante y melódico “Ribbon in the Sky” y el bailable “Do I Do”.



Le seguiría en 1984 la BSO del divertido largometraje de Gene Wilder, “Woman in Red” que contenía uno de los temas más famosos y detestables de Wonder, el sonrojante “I Just Called to Say I Love You”. En 1985 aparecería “In The Square Circle”, sin duda el mejor disco del artista desde la anterior década. Posteriormente, en 1987 sería el turno del aburrido “Characters”. Ya en la siguiente década llegaría el turno de “Jungle Fever” (1991), BSO de la película dirigida por Spike Lee, amigo personal de Wonder y cuatro años después “Conversation Peace”, probablemente el peor trabajo de su carrera. Su última propuesta data de 2005. Con el almibarado nombre “A Time to Love” tampoco ofrece lo que se espera de un artista de su nivel.

Con 41 discos a sus espaldas (entre originales, directos y recopilaciones), 25 Grammys y un Oscar por el peor de sus temas, se puede decir que Wonder es un hombre con una intensa vida llena de fuertes contrastes. Durante sus casi 50 años de carrera ha hecho colaboraciones con artistas tan interesantes como Djavan (recordada su armónica en el gran tema “Luz” del artista brasileño), Will Downing (“That’s all” ), Incognito, B.B. King o Manhatan Transfer i con otros tan detestables musicalmente como Julio Iglesias, Eddie Murphy o Eurythmics. Su vida ha sido muy activa a nivel político y en defensa de los derechos de la raza negra. Ha colaborado en diversas campañas benéficas (recordamos “We are the World”) y de concienciación popular (“Ebony and Ivory” con Paul McCarney) y ha apoyado a varios a la presidencia de los EEUU, siempre del ala demócrata. Sin ir más lejos fue muy activo en la reciente campaña para la elección de Barack Obama, uno de sus más famosos admiradores.


Music of My Mind (1972) es, en nuestra opinión, el primer trabajo que nos muestra la enorme capacidad de Wonder. Su disco previo “Where I’m coming From”, editado el año anterior, ya era integramente suyo pero aún no contenía temas de un gran calado musical. Music of My Mind no es su mejor larga duración, pero cuenta con muchos detalles que vale la pena destacar. De entrada incluye la que creémos es su primera gran composición, Superwoman-Where Were You When I Needed You, inspirada en el fracaso de la relación sentimental que mantuvo con la cantante Syreeta Wright. Pero es que además el disco está trufado de algunos grandes temas entre los cuales nos apetece de forma especial destacar la preciosa I Love Every Little Thing About You, una pieza que ayuda a definir el estilo Wonder, o la revolucionaria Seems So Long, una composición que anticipa algunos ingredientes de aquello que 10 años después se denominaría acid jazz, un estilo que es parte de la música de la mente de este prodigioso artista, sin duda uno de los compositores más interesantes e influyentes del pasado siglo XX.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Love Having You Around Wonder, Wright
2-Superwoman (Where Were You When I Needed You) Wonder
3-I Love Every Little Thing About You Wonder
4-Sweet Little Girl Wonder
5-Happier Than the Morning Sun Wonder
6-Girl Blue Wonder, Wright
7-Seems So Long Wonder
8-Keep on Runnin' Wonder
9-Evil Wonder, Wright

CREDITS

Stevie Wonder Harmonica, Keyboards, Vocals, Producer
Art Baron Trombone Malcolm Cecil Moog Synthesizer, Engineer, Associate Producer Howard "Buzz" Feiten Guitar Robert Margouleff Moog Synthesizer, Engineer, Associate Producer

Jazzy

"Carnival" (1977) del gran saxofonista alto tejano John Handy.

John Handy es un excelente saxofonista alto americano capaz además de tocar con brillantez el saxo tenor, saxello, saxo barítono, clarinete, el oboe o incluso cantar. Nacido en Texas un 3 de febrero de 1933 Handy es un artista cuya carrera ha pasado por diferentes etapas, cosa lógica teniendo en cuenta que el hombre trabaja como profesional desde principios de los 50.

En 1958 se trasladó a New York donde pasó un intenso periodo en la banda de Charlie Mingus que generó unas cuantas grabaciones llenas de pasión y originalidad. En el año 1966 firmó con el sello Columbia con quienes grabó cuatro interesantes trabajos siempre enmarcados dentro del jazz más bopero, por este orden "The 2nd Jonh Handy Album" (1966), "John Handy" (1967), un excelente disco en directo llamado "New View" (1967) y "Projections" (1968). Pero probablemente en ese momento Handy decidió que había llegado el momento de hacer un primer cambio y tras unos años sin grabar en 1976 publica su mayor éxito, el larga duración "Hard Work" para la discográfica Impulse. La canción que da título al album, "Hard Work" un cruce de jazz, funk y blues, se convirtió en un inesperado éxito y dio pie a la realización de dos trabajos más de una linea similar, "Carnival" (1977), no editado en CD, y el disco que os presentamos hoy, "Where go the Boats" (1978). Curiosamente ninguno de los tres ha sido reeditado en CD y es por ello que nos hemos propuesto acercarlos al tejado. Hace algunos días dedicábamos este espacio al último de ellos, "Where Go The Boats" (1978) y hoy nos hemos decidido por su inmediato predecesor, "Carnival" grabado el año anterior.

"Carnival" es un interesante trabajo que ofrece varias de las múltiples caras del saxofonista tejano. Temas de inspiración brasileira como el que da título al trabajo, "Carnival", se combinan con otros que apuestan por un sabor más cercano al funk-soul de los 70s, como "Watch Your Money Go" o "Make Her Mine". Pero donde el disco destaca es en sus poderosísimas baladas jazzeras entre las cuales nos apetece mencionar especialmente las muy mélodicas "I Will Leave You", que incluye unos ajustados vocales del saxofonista; "All The Thing You Are", la única composición de "Carnival" que no lleva la firma de Handy; la delicadísima "Alvina" y, sobretodo, "Christina's Little Song", una sencilla, preciosa y emotiva canción que deja absortos a todos y cada uno de los gatitos de este tejado.

Fragmento extraído de un concierto realizado en beneficio de la Oakland School of Arts. Primero vemos al vocalista Kenny Washington y después aparece Handy para ejecutar un bonito sólo de saxo. Les acompañan Deszon X. Claiburn, Babatunde Lea, Ron Belcher, Glen Pearson, Richard Howell, Danny Armstrong y Khalil Shaheed. Uno de los muy escasos clips de Handy que podemos encontrar en la red.


Creemos que vale la pena repasar le trayectoria de este artista extraordinario y desconocido para el gran público. Un músico que no ha parado de trabajar a pesar de su intensa actividad en el campo de la enseñanza. De hecho, desde hace más de 20 años y hasta la actualidad lidera el grupo "John Handy With Class", compuesto por él y tres violinistas/vocalistas. Según el propio Handy, "Esos instrumentos generan un sonido que captura totalmente la filosofía de jazz, blues y del R&B".

Como le decía siempre Cannonball Adderley a su discípulo George Duke, "No somos artistas?. Pues entonces tenemos que crear" y crear significa experimentar. Parece que tanto Handy como Adderley tenían claro que el jazz no tiene ningún problema en cuanto a la definición de su perímetro. Los corsés los ponen los críticos, no los músicos.

Espero que lo disfrutéis.

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TRACKS

1-Carnival Handy
2-Alvina Handy
3-Watch Your Money Go Handy
4-I Will Leave You Handy
5-Love's Rejoicing Handy
6-Make Her Mine Handy
7-All the Things You Are Hammerstein, Kern
8-Christina's Little Song Handy

CREDITS
John Handy Sax (Alto), Vocals, Back Vocals, Composer
James Jamerson, Vincent Jefferson Bass Paulinho Da Costa, Eddie "Bongo" Brown, Tom Nicholas Conga Reginald Sonny Burke Keyboards
Esmond Edwards Percussion, Back Vocals, Producer James Gadson, Harold Jones Drums Mike Hoffman Guitar Lee Ritenour Guitar, Keys

Jazzy

"Perfect Angel" (1974) de Minnie Riperton.

La trágica muerte el 12 de julio de 1979 de la vocalista de 31 años, Minnie Riperton, silenció para siempre una de las voces más impresionantes del soul. Ripperton nació con un gran don; su voz tenía un rango cercano a las 5 octavas y media. Para que nos hagamos una ligera idea de lo que esto significa comentar que gente como Al Jarreau o Bobby MCFerrin, auténticos malabaristas de la voz, apenas alcanzan las 3 octavas y media.

Minnie Riperton nació en Chicago el día 8 de noviembre de 1947. Estudió música, arte dramático y danza en el Lincoln Center. Su carrera comercial empezó en el año 1961 con sólo 14 años de edad formando parte del grupo femenino basado en su Chicago natal, “The Gems”. Tras esta experiencia comenzó a trabajar en la discográfica Chess, primero como recepcionista, más tarde colaborando en coros para gente como Fontanella Bass, The Dells o la cantante de soul Etta James, además de grabar algún single como “Lonely Girl” para el cual utilizó el pseudónimo Andrea Davis.

En 1968 se convirtió en la voz de la banda de soul The Rotatory Connection y ese mismo año inició por primera vez una carrera como lider apoyada en el productor y arreglista Charles Stepnay y su marido, el compositor Richard Rudolph. El resultado fue su disco de debut “Come to my Garden” (1970). El trabajo pasó prácticamente desapercibido y Riperton y Rudolph decidieron tomarse un par de años sabáticos antes de establecerse en Los Ángeles. Allí conocería a Stevie Wonder con quien forjaría una gran amistad. Minnie participó en su gran trabajo Fulfillingness' First Finale y fue de gira con Wonder formando parte de su famoso coro Wonderlove.

En 1974 Minnie convenció a Wonder para que le produjera un segundo trabajo. Se llamaría “Perfect Angel” y contendría el éxito más grande que Riperton conquistaría en su corta carrera, era una preciosa balada llamada “Lovin’ You”.

Dos versiones de Lovin' You; la del video promocional y la que Riperton cantó en Soul Train.

El éxito de “Lovin’ You” convirtió a Riperton en una gran estrella aunque sus dos posteriores trabajos “Adventures in Paradise” (1975) y “Stay in Love” (1977) no conseguirían alcanzar el nivel. La voz de Riperton y su capacidad para ejecutar la técnica del silbido se estaba convirtiendo en un pequeño circo. Parecía que nadie prestaba atención a la enorme calidad de su voz y a su gran capacidad para emocionar. Su imagen frágil y sus agudos tonos acaparaban la atención del público y parecía que en cada actuación Riperton debía demostrar que era capaz de llegar a las notas más altas. Fue entonces cuando se le diagnosticó un cáncer de mama. La apariencia de Riperton dejó paso a la realidad y Minnie demostró ser una mujer de fuerte carácter. Se convirtió en portavoz de la American Society of Cancer, protagonizó anuncios informativos destinados a la prevención de la enfermedad y recibió un Society Courage Award de manos del entonces presidente americano Jimmy Carter. Minnie Riperton siguió trabajando mientras la enfermedad se lo permitió a pesar de su evidente deterioro físico.

En 1979 grabó su último disco en vida. Se llamó “Minnie”. Murió el 12 de julio de ese mismo año. Al año siguiente apareció un nuevo trabajo, un homenaje de sus amigos que incluía algunas tracks de voz que Riperton había grabado un año antes. El disco se llamó “Love Lives Forever” (1980) y en él colaboraron estrellas como Michael Jackson (por esas fechas estaba a punto de grabar Thriller), Stevie Wonder, Abe Laboriel (bajo), Lenny Castro (percusión), Paulinho da Costa (percusión), Harvey Mason (bateria), Greg Phillinganes (teclados), Lee Ritenour (guitarra) o Paul Jackson (guitar)….. unos créditos realmente impresionantes pero desgraciadamente Minnie ya no estaba allí. El cáncer se había llevado a una de las voces más portentosas de la historia de la música popular.

Su amigo Stevie Wonder le hacía poco después un sentido homenaje que podéis ver en el siguiente video. En él, un Wonder absolutamente emocionado explica algún detalle sobre la amistad que compartieron y interpreta una maravillosa y sencilla versión de Perfect Angel, el tema que dió título al album que él mismo le produjo y que la lanzó al estrellato.


El próximo 12 de julio hará ya 31 años que Minnie nos dejó y hemos querido emular el homenaje de Wonder (obviamente a nivel microscópico) publicando un disco de Minnie que hoy en día es muy difícil de encontrar, precisamenten el comentado "Perfect Angel" (1974).

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Reasons Riperton,Rudolph
2-It's So Nice (To See Old Friends) Riperton, Rudolph
3-Take a Little Trip Wonder, Wright
4-Seeing You This Way Riperton, Rudolph
5-The Edge of a Dream Riperton, Rudolph
6-Perfect Angel Wonder
7-Every Time He Comes Around Riperton, Rudolph
8-Lovin' You Riperton, Rudolph
9-Our Lives Riperton, Rudolph

CREDITS

Minnie Riperton Vocals, Vocals (bckgr), composer
Stevie Wonder Harmonica, Percussion, Drums, Keyboards, producer
Rocky Dzidzornu Conductor, Conga, Cymbals, Drums (Bass) Ollie E. Brown Drums Marlo Henderson Guitar, Piano, Guitar (Rhythm) Sneaky Pete Kleinow Pedal Steel Reggie McBride Bass Richard Rudolph Guitar, Piano (Electric), Producer Michael Sembello Guitar, Harmonica, Piano (Electric)
Sneeky Pete Piano, Pedal Steel El Toro Negro Harmonica, Piano, Cymbals, Drums, Drums (Bass), Piano (Electric) Yvonne Wright, Shirley Brewer Vocals,Lani Groves, Deniece Williams Back Vocals

Jazzy