Erykah Badu Box

Eryka Badu sigue siendo la estrella indiscutible dentro de esta nueva etiqueta musical que los críticos denominan neo soul, Por mucho que se empeñen algunos en descubrir cada día una nueva estrella dentro de este movimiento, lo cierto es que ni Joss Stone, ni Katie Malua ni por supuesto Alicia Keys se acercan al nivel de está mujer nacida en Texas hace poco más de 39 años. Sólo Amy Winehouse con su excepcional primer disco Frank (2003) podría llegar a competir, auque una detenida observación de los trabajos de Badu y Winehouse no hacen más que corroborar lo importante que fue la aparición de la primera. Frank es muy similar a Mama's Gun, grabado por Badu en el año 2000 y probablemente Winehouse pasó largas horas escuchándolo antes de concebir su mejor trabajo.



Videoclip de Bag Lady, tema incluído en su Mama's Gun, editado en el 2000.

Erykah Badu creció escuchando el soul de los 70. En los años 80 apareció el hip hop y Badu, que en esos entonces era una joven adolescente, sumó todo ello a su bagaje, añadiendo además la influencia que siempre había ejercido sobre ella la interesante voz de la genial vocalista de jazz, Billie Holiday.

Tras cursar estudios de arte, Badu se dedicó a la docencia hasta que en 1994 apareció en un espectáculo de uno de los fundadores del movimiento neo soul, el vocalista y multi-instrumentalista D’Angelo, que en esos momentos estaba presentando su trabajo Brown Sugar (1995). El manager de D'Angelo, Kedar Massenburg, quedó impresionado por la actuación de Badu y la contrató para hacer una versión a dúo del tema de Marvin Gaye y Tammi Terrel "Precious Love". La prueba resultó satisfactoria, Badu firmó con la discográfica Entertainment y comenzó a grabar su debut "Baduizm" (1997) bajo la producción de Kedar Massenburg, y la compañía de uno de los grandes bajistas del jazz contemporáneo, Ron Carter.

El primer single "On & On" se convirtió en un gran éxito a principios de 1997, y en marzo el álbum ya había llegado al número uno. Este primer trabajo de Erykah Badu se caracteriza por su perfecta mezcla de ingredientes, combinando el jazz más tradicional con el soul, (evidentes las influencias de la música de Stevie Wonder durante los primeros 70) , el funk y el rap. Ganó dos Grammy en 1997, uno al mejor álbum de R&B y otro a la mejor interpretación vocal femenina de R&B, por el single "On & On". Ese mismo año grabaría su primer trabajo en directo llamado simplemente Live.

Ya en el año 2000 Erykah Badu presentó su mejor trabajo hasta la fecha, Mama’s Gun. El disco contiene todos los elementos que ya aparecían en su anterior larga duración pero incluye una dosis más de talento. Contiene composiciones memorables como “Cleva”, “A.D. 2000”, “Orange Moon”, “Bag Lady”, o la impresionante pieza de cierre del trabajo, Green Days de más de 10 minutos (todos ellos interesantes, nada superficial ni arrogante) que nos muestra que Badu se encontraba en un excelente momento creativo. En él colaboraron excelentes músicos como Leonard “Doc” Gibbs a la percusión, Larry Gold al cello o la leyenda de jazz Roy Hargrove a la trompeta y arreglos de viento.



Other Side of the Game, interpretada en directo por Badu. El tema está incluído en su disco de debut, Baduizm.

En 2003 edita "Worldwide Underground" con resultados artísticos muy inferiores a sus dos trabajos precedentes, y colabora con diversos artistas como Zap Mama ("Bandy, bandy" en 2003), Roy Ayers ("Searching" y "Everybody loves the sunshine" en 2004) o Sergio Mendes ("That heat" en 2006).

Sus dos últimos trabajos son New Amerykah, Pt. 1: 4th World War (2008) y New Amerykah, Pt. 2: Return to the Ankh (2010), dos discos más cercanos al hip hop, rebosantes de energía y creatividad y trufados de ideas políticas. En el primero Badu nos habla de la América actual, de sus déficits a nivel sanitario, de las drogas, de la educación y del sistema penitenciario. La segunda parte es bastante más ligera y contiene Window Seat, un tema cuyo videoclip generó un auténtico escándalo en USA. Si quieres ampliar información y ver el clip de Window Seat (magnífico), haz click en el siguiente enlace.



Window Seat.



Hoy nos hemos decidido a prepararos un Box en el cual podréis escuchar algunos temas que Badu ha grabado a lo largo de su carrera. Con ello conseguiremos daros unas pinceladas de la trayectoria de una artista absolutamente extraordinaria, dotada de una personal voz que la hace inmediatamente identificable pero también de una innata capacidad para componer usando ingredientes que van desde el jazz más tradicional hasta el hip hop más avanzado.



Esperamos que os guste.



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TRACKS



De "Baduizm" (1997)



1-Afro Badu, Barron, Poiser



2-Certainly Badu, Chinwah



3-Otherside of the Game Badu, Nichols, Poyser



De "Mama's Gun" (2000)



4-Cleva Badu, Poyser



5-Orange Moon Badu, Lacy, Martin, Young



6-Green Eyes Badu, Duplax, Poyser



De "Worldwide Underground" (2003)



7-Bump It Badu, Maggett, Poyser, Smith



8-Back in the Day (puff) Badu, Maggett, Poyser, Smith



De "New Amerykah, Pt. 1: 4th World War" (2008)



9-Telephone Badu, Poyser, Thomson



10-Me Badu, Husayn



De New Amerykah, Pt. 2: Return to the Ankh (2010)



11-Window Seat Badu, Poyser



12-20 Feet Tall Badu, Douthit, Wimbish

Jazzy

"Chapter Three: Viva Emiliano Zapata" (1973) de Gato Barbieri.

Leandro 'Gato' Barbieri es, probablemente, el segundo artista de jazz argentino más conocido, únicamente superado por Lalo Schifrin. Su historia se ha escrito como un va y viene constante entre su tierra, Argentina, y su patria adoptiva, E.E.U.U.. Su carrera ha sufrido algo parecido ya que comenzó tocando ritmos latinos tradicionales, pero pronto descubrió el jazz y durante los años 60 se interesó por su faceta más vanguardista grabando algunos trabajos como su "Obsession" de 1967 en la linea más free. A principios de los 70, predominó en su música la fusion del jazz y la música latina. Pero a mediados de esa misma década firmó com A&M Records, la discográfica de Herb Alpert, y su música dió un nuevo giro orientándose hacia el smooth jazz e incluso algo de pop. Pero lo cierto es que la calidad y el sonido cálido y absolutamente inconfundible de este extraordinario saxofonista ha dejado una fuerte huella y su influencia en las nuevas generaciones no ha parado de crecer en los últimos años.

Agorasoumusica nos ofrece este video musical de Encontros, el tema que abre Chapter Two, además de explicarnos algunos detalles e imágenes de la carrera de Gato.


Hace algunos días iniciamos la publicación de su serie sobre Latinoamérica que Barbieri grabara a principios de los 70s, un trabajo compuesto por cuatro discos independientes. Ya dimos cuenta del primero y el segundo de ellos, Chapter One: Latinoamérica, y Chapter Two: Hasta Siempre. Podéis encontrarlos en los siguientes enlaces.

Chapter One: Latinoamérica

Chapter Two: Hasta Siempre

Hoy nos vamos a dedicar a la tercera entrega, "Chapter Three: Viva Emiliano Zapata".

Chapter Three nos muestra a un Barbieri igual de desatado que en sus trabajos precedentes pero algo más esforzado en las melodías. Y es que las dos primeras entregas de su serie sobre Latinoamérica no daban demasiadas concesiones mientras que aquí podemos encontrar algunas preciosas baladas que se encuentran más cerca del estilo que adaptaría a partir del año 1976 tras su firma con A&M, la discográfica de Herb Alpert. Claro ejemplo de ello es la muy lírica versión de Cuando Vuelvas a mi Lado, habitualmente conocida en los países de habla inglesa como What a Difference a Day Makes y que podéis disfrutar a continuación. Vale la pena. Está extraída del concierto que el saxofonista ofreció en el año 1984 en el Festival de Montreux.



Barbieri , además, acababa de disfrutar del éxito obtenido con uno de sus temas más celebrados, la BSO de la película de Bertolucci, El Último Tango en Paris, una composición enormemente melódica que contrastaba con el resto de trabajos que hasta la fecha Barbieri había puesto en el mercado. Probablemente esa banda sonora le había dado más exposición al gran público que todo el resto de su discografía y esa idea fue, poco a poco, transformando la música del saxofonista para adaptarla a paladares más amplios pero sin perder, en nuestra opinión, ni un ápice de calidad, al menos durante los años 70s.

Pero no vamos a ser en absoluto críticos con ese detalle. Un músico puede y debe experimentar y si alguién ha asumido riesgo, ese ha sido Leandro Gato Barbieri, en nuestra opinión uno de los mejores y más innovadores saxofonistas de la bella historia de este tesoro al que llamamos jazz.

Nos apetece destacar también la preciosas Lluvia Azul , la latinísima La Podrida, y Viva Emiliano Zapata, el tema que da título al trabajo, las tres compuestas por Barbieri para la ocasión.

La Podrida, incluída en Chapter Three. El sólo de teclados corre
a cargo del gran teclista colombiano Eddie Martinez. Delicioso.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Milonga Triste Manzi, Piana
2-Lluvia Azul Barbieri
3-El Sublime Barbieri
4-La Padrida Barbieri
5-Cuando Vuelva a Tu Lado (What a Difference a Day Makes) Adams, Grever
6-Viva Emiliano Zapata Barbieri

CREDITS

Gato Barbieri Sax (Tenor), Composer
Stanley Adams, María Mendez Grever Composer Ray Alonge, James Buffington French Horn Ray Armando Percussion, Latin Percussion
Michelle Barbieri Director Bob Brecker, Randy Brecker, Bob McCoy, Victor Paz, Alan Rubin Trumpet, Flugelhorn Eddie Martinez Piano, Piano (Electric), Fender Rhodes Ron Carter Bass, Guitar (Bass) George Davis Guitar (Acoustic), Guitar (Electric) Dave Grusin Executive Producer
Howard Johnson Tuba, Clarinet (Bass), Flugelhorn, Sax (Baritone)
Jose Mangual Percussion Luis Mangual Latin Percussion Ray Mantilla Percussion, Latin Percussion Paul Metzke Guitar (Electric) Buddy Morrow Trombone Chico O'Farrill Arranger, Conductor, Orchestral Arrangements
Portinho Percussion, Latin Percussion Seldon Powell Flute, Flute (Alto), Piccolo, Sax (Alto), Sax (Baritone), Piccolo Flute Grady Tate Drums Alan Raph Trombone (Bass) Larry Rosen Executive Producer

Jazzy

"Perfect Angel" (1974) de Minnie Riperton.

La trágica muerte el 12 de julio de 1979 de la vocalista de 31 años, Minnie Riperton, silenció para siempre una de las voces más impresionantes del soul. Ripperton nació con un gran don; su voz tenía un rango cercano a las 5 octavas y media. Para que nos hagamos una ligera idea de lo que esto significa comentar que gente como Al Jarreau o Bobby MCFerrin, auténticos malabaristas de la voz, apenas alcanzan las 3 octavas y media.

Minnie Riperton nació en Chicago el día 8 de noviembre de 1947. Estudió música, arte dramático y danza en el Lincoln Center. Su carrera comercial empezó en el año 1961 con sólo 14 años de edad formando parte del grupo femenino basado en su Chicago natal, “The Gems”. Tras esta experiencia comenzó a trabajar en la discográfica Chess, primero como recepcionista, más tarde colaborando en coros para gente como Fontanella Bass, The Dells o la cantante de soul Etta James, además de grabar algún single como “Lonely Girl” para el cual utilizó el pseudónimo Andrea Davis.

En 1968 se convirtió en la voz de la banda de soul The Rotatory Connection y ese mismo año inició por primera vez una carrera como lider apoyada en el productor y arreglista Charles Stepnay y su marido, el compositor Richard Rudolph. El resultado fue su disco de debut “Come to my Garden” (1970). El trabajo pasó prácticamente desapercibido y Riperton y Rudolph decidieron tomarse un par de años sabáticos antes de establecerse en Los Ángeles. Allí conocería a Stevie Wonder con quien forjaría una gran amistad. Minnie participó en su gran trabajo Fulfillingness' First Finale y fue de gira con Wonder formando parte de su famoso coro Wonderlove.

En 1974 Minnie convenció a Wonder para que le produjera un segundo trabajo. Se llamaría “Perfect Angel” y contendría el éxito más grande que Riperton conquistaría en su corta carrera, era una preciosa balada llamada “Lovin’ You”.

Dos versiones de Lovin' You; la del video promocional y la que Riperton cantó en Soul Train.

El éxito de “Lovin’ You” convirtió a Riperton en una gran estrella aunque sus dos posteriores trabajos “Adventures in Paradise” (1975) y “Stay in Love” (1977) no conseguirían alcanzar el nivel. La voz de Riperton y su capacidad para ejecutar la técnica del silbido se estaba convirtiendo en un pequeño circo. Parecía que nadie prestaba atención a la enorme calidad de su voz y a su gran capacidad para emocionar. Su imagen frágil y sus agudos tonos acaparaban la atención del público y parecía que en cada actuación Riperton debía demostrar que era capaz de llegar a las notas más altas. Fue entonces cuando se le diagnosticó un cáncer de mama. La apariencia de Riperton dejó paso a la realidad y Minnie demostró ser una mujer de fuerte carácter. Se convirtió en portavoz de la American Society of Cancer, protagonizó anuncios informativos destinados a la prevención de la enfermedad y recibió un Society Courage Award de manos del entonces presidente americano Jimmy Carter. Minnie Riperton siguió trabajando mientras la enfermedad se lo permitió a pesar de su evidente deterioro físico.

En 1979 grabó su último disco en vida. Se llamó “Minnie”. Murió el 12 de julio de ese mismo año. Al año siguiente apareció un nuevo trabajo, un homenaje de sus amigos que incluía algunas tracks de voz que Riperton había grabado un año antes. El disco se llamó “Love Lives Forever” (1980) y en él colaboraron estrellas como Michael Jackson (por esas fechas estaba a punto de grabar Thriller), Stevie Wonder, Abe Laboriel (bajo), Lenny Castro (percusión), Paulinho da Costa (percusión), Harvey Mason (bateria), Greg Phillinganes (teclados), Lee Ritenour (guitarra) o Paul Jackson (guitar)….. unos créditos realmente impresionantes pero desgraciadamente Minnie ya no estaba allí. El cáncer se había llevado a una de las voces más portentosas de la historia de la música popular.

Su amigo Stevie Wonder le hacía poco después un sentido homenaje que podéis ver en el siguiente video. En él, un Wonder absolutamente emocionado explica algún detalle sobre la amistad que compartieron y interpreta una maravillosa y sencilla versión de Perfect Angel, el tema que dió título al album que él mismo le produjo y que la lanzó al estrellato.


El próximo 12 de julio hará ya 31 años que Minnie nos dejó y hemos querido emular el homenaje de Wonder (obviamente a nivel microscópico) publicando un disco de Minnie que hoy en día es muy difícil de encontrar, precisamenten el comentado "Perfect Angel" (1974).

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Reasons Riperton,Rudolph
2-It's So Nice (To See Old Friends) Riperton, Rudolph
3-Take a Little Trip Wonder, Wright
4-Seeing You This Way Riperton, Rudolph
5-The Edge of a Dream Riperton, Rudolph
6-Perfect Angel Wonder
7-Every Time He Comes Around Riperton, Rudolph
8-Lovin' You Riperton, Rudolph
9-Our Lives Riperton, Rudolph

CREDITS

Minnie Riperton Vocals, Vocals (bckgr), composer
Stevie Wonder Harmonica, Percussion, Drums, Keyboards, producer
Rocky Dzidzornu Conductor, Conga, Cymbals, Drums (Bass) Ollie E. Brown Drums Marlo Henderson Guitar, Piano, Guitar (Rhythm) Sneaky Pete Kleinow Pedal Steel Reggie McBride Bass Richard Rudolph Guitar, Piano (Electric), Producer Michael Sembello Guitar, Harmonica, Piano (Electric)
Sneeky Pete Piano, Pedal Steel El Toro Negro Harmonica, Piano, Cymbals, Drums, Drums (Bass), Piano (Electric) Yvonne Wright, Shirley Brewer Vocals,Lani Groves, Deniece Williams Back Vocals

Jazzy

"Native Dancer" (1974) de Wayne Shorter y Milton Nascimento. Un trabajo que creó escuela.

Wayne Shorter es un saxofonista, compositor y arreglista estadounidense de jazz nacido en Newark el día 25 de agosto de 1933.

Shorter ha sido uno de los artistas más activos e influyentes de la escena del jazz internacional. Heredero directo de John Coltrane, su música se encuadra dentro del post-bop, habiendo realizado aportaciones fundamentales al desarrollo del hard bop, del jazz modal y del fusión, pero también incidiendo en territorios anexos como el latin y la música brasileña.

Experto tanto en el saxo soprano como en el tenor, Shorter suena diferente según toque uno u otro. Con el saxo tenor suena estricto y cerebral, mientras que con el soprano resulta más lírico y sensible. Como compositor es conocido por sus melodías cuidadosamente concebidas, complejas y elaboradas, muchas de las cuales se han convertido en auténticos estándares del jazz contemporáneo.

Shorter comenzó como intérprete de clarinete a los 16 años, pero se decidió por el saxo tenor antes de entrar en la Universidad de Nueva York en 1952. Tras graduarse en 1956, ingresó en la formación de Horace Silver, con quien trabajó durante un breve período hasta alistarse en el ejército, donde permaneció por un periodo de dos años. Una vez licenciado se unió a la orquesta de Maynard Ferguson, donde conoció al pianista Joe Zawinul. Al año siguiente firmó con los Jazz Messengers de Art Blakey, con quienes estuvo hasta 1963. Durante ese periodo con Blakey, hizo su debut como líder grabando algunos discos para el sello de Chicago Vee-Jay.

Un quinteto de lujo formado por Miles Davis, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Ron Carter y Tony Williams. Stockholm 1963


Tras varias tentantivas, Miles Davis consiguió que finalmente se uniese a su quinteto en septiembre de 1964. Durante su etapa con Davis, que se prolongó hasta 1970, Shorter se convirtió en el compositor más prolífico del grupo, contribuyendo con temas como "E.S.P.", "Pinocchio", "Nefertiti", "Sanctuary", "Footprints", "Fall" y la clásica descripción de Miles, "Prince of Darkness".

Por lo que respecta a su prolífica obra com solista para Blue Note durante este periodo, Shorter expandió su paleta musical del hard bop a los mismos límites de la vanguardia atonal, incluso con interesantes incursiones en el territorio de la fusión con el rock a comienzos de los setenta. De hecho, en noviembre de 1970 forma junto con Joe Zawinul y Miroslav Vitous el grupo Weather Report , probablemente una de las bandas más populares e interesantes de esa época, en parte responsables del nacimiento y desarrollo del nuevo estilo fusion.

Wayne Shorter, Joe Zawinul, Jaco Pastorius, Alex Acuña y Manolo Badrena, los Weather Report, nos interpretan Cannon Ball. Festival de Montreux.


El trabajo como solista de Shorter durante esta etapa estuvo muy limitado, produciendo un único disco, Native Dancer (1974) , una interesante aproximación a la fusión con ritmos brasileños en colaboración con Milton Nascimento. Precisamente este es el trabajo que hemos decidido compartir hoy en el tejado.

En el momento de lanzamiento de Native Dancer, Wayne Shorter ya era una estrella indiscutible del jazz pero lo cierto es que Milton Nascimento era conocido tan sólo en Brasil.
Gracias al inagotable espiritu de innovación de Shorter, tras la publicación de Native Dancer, Nascimento se convirtió también en un fenómeno a nivel internacional hasta el punto que a día de hoy es el segundo compositor brasileño más versionado, superado tan sólo por el maestro soberano, Antonio Carlos Jobim.

Este soberbio trabajo contiene nada menos que cinco originales de Nascimento, a saber, Ponta De Areia (uno de sus temas más conocidos), Tarde, Miracle of Fishes, From the Lonely Afternoon y Lilia, todos ellos auténticos clásicos del compositor y vocalista brasileño. Completan el larga duración tres líricas composiciones de Shorter y un delicado tema del pianista Herbie Hancock, Joanna's Theme, dando como resultado un magnífico y muy difícil de encontrar larga duración. Al fin y al cabo se trata del encuentro entre dos músicos en apariencia muy diferentes pero que comparten una única filosofía musical; su común pasión por el jazz. Evidentemente la crítica no lo consideró así y algunos puristas comenzaron a decir que Shorter estaba en decadencia desde principios de los 70s. Pero fueron los mismos que dijeron que Chick Corea y Return to Forever eran basura o los que pronosticaron el fin de Miles Davis cuando editó Bitches Brew. Auténticos visionarios a los que resulta tan difícil tomar en serio que lo cierto es que hemos decidido mencionarlos como anécdota graciosa. Os recomendamos revisar los créditos para despejar cualquier sombra de duda a este respecto, o quizás mejor, acercaros a comentarios para obtener el link de descarga. Os aseguro que vuestros oidos (y vuestra alma) os lo agradeceran.

Después de Native Dancer, Shorter siguió con su trayectoria en Weather Report y fue de gira con Freddie Hubbard y con algunos antiguos colaboradores de Miles Davis, como Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams con quienes formó la banda V.S.O.P.. El saxofonista abandonó Weather Report en 1985 pero se matuvo firme en su compromiso con la fusión de estilos.

Tras tres discos para Columbia entre 1986 y 1988, y una gira con Carlos Santana, desapareció de la escena hasta 1992, año en el que regresó con Wallace Roney y la sección rítmica de V.S.O.P. en un homenaje discográfico a Miles Davis.

En 1994, ya en Verve, Shorter presentó High Life, en colaboración con la teclista Rachel Z. También participó como invitado de lujo en Bridges to Babylon (1997) de los Rolling Stones y en Gershwin's World (1998) de su amigo Herbie Hancock. Ya en 2001, regresó para grabar Future 2 Future, también junto a Hancock y Marcus Miller, trabajo homónimo del que había sido bajista y productor de Miles Davis.

Esperamos que os guste.

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Ponta De Areia, composición de Nascimento incluída en Native Dancer.

TRACKS

1-Ponta de Areia Nascimento
2-Beauty and the Beast Shorter
3-Tarde Brant, Nascimento
4-Miracle of the Fishes Brant, Nascimento
5-Diana Shorter
6-From the Lonely Afternoons Brant, Nascimento
7-Ana Maria Shorter
8-Lilia Nascimento
9-Joanna's Theme Hancock


CREDITS

Wayne Shorter Saxophone, Sax (Soprano), Sax (Tenor)
Milton Nascimento Guitar, Composer, Vocals
David Amaro Guitar
Jay Graydon Guitar
Herbie Hancock Piano, Keyboards
Dave McDaniel Bass
Airto Moreira Percussion
Robertinho Silva Drums
Wagner Tiso Organ, Piano

Jazzy

Canciones para Gatos: Papel Marché de Joao Bosco.

Nacido en Ponte Nova, Minas Gerais en el año 1946, Joao Bosco es una de las principales figuras de la música brasileña de los últimos 40 años y es también unos de los músicos más respetados en su país a pesar del generalizado desconocimiento que fuera de las fronteras cariocas existe sobre él.
Excelente guitarrista, vocalista y compositor, Bosco es, entre otras muchas cosas, el creador de uno de los temas más conocidos de la música brasileña, O Bebado e a Equilibrista, canción que de la mano de Elis Regina se convirtió en un auténtico himno a favor de la vuelta de los exiliados políticos de la dictadura brasileña. Este tema tiene una curiosa historia que podéis encontrar en el post "Elis Regina: La voz más popular de la Bossa Nova" publicado en Música para Gatos en pasado 21 de junio de 2009.

Pero hoy nos hemos decidido por una de sus más bonitas canciones, la adorable Papel Marché, incluída en su trabajo de 1984 Gagabiró. Como novedad nos ha parecido interesante aportar tres diferentes versiones, todas ellas magníficas.

Papel Marché interpretada por Joao Bosco y, como es habitual, por su público. Precioso. En el video podreis también leer la preciosa letra traducida al español por gentileza de Horcris.



Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Papel Marché. Interpretada por Joao Bosco desde Gagabiró (1984).

2-Papel Marché. Versión que incluye la guitarra y la voz de Bosco, acompañada por la siempre exquisita armónica de Toots Thielemans. Extraída de Brasil Project II, editado por Thielemans en el año 1993.

3-Papel Marché. También en el año 1993, esta vez interpretada por la cristalina voz de la vocalista brasileña Ana Caram desde su Maracaná.

Jazzy

"Explosion" (1985) del genial saxofonista cubano Paquito D'Rivera.

Paquito D'Rivera nace en Marianao (La Habana) el 4 de Junio de 1948. Hijo del saxofonista y director de orquesta cubano Tito Rivera, empezó a estudiar música con cinco años y a los siete ya era un niño prodigio que actuaba en público. A esa edad firmó un contrato con la célebre compañía fabricante de instrumentos musicales Selmer. En palabras del propio artista:

“Mi padre fue un saxofonista retirado del ejército, quien importó de Francia la escuela clásica del Conservatorio de París. Estudiaba su instrumento 26 horas diarias, y contaba que yo me sentaba a su lado en una sillita con un saxofoncito plástico, a imitarlo.” (...) “A los 5 años de edad, como él tenía una pequeña oficina de importaciones musicales que traía, entre otras cosas, los instrumentos Selmer de París, me ordenó un saxofón chiquitico, me enseñó a tocarlo, y un año más tarde me presentó con el quinteto de saxos de la orquesta Cosmopolita en una fiesta de fin de curso de la escuela Emilia Azcárate, de mi barrio, Marianao.”

En 1958, con diez años, toca en el Teatro Nacional de La Habana con gran éxito. Si bien había aprendido a tocar el saxofón soprano, cuando conoció el saxo alto se inclinó por este tipo, que aprendió a tocar con ayuda de Tito, su padre y mentor. Con doce años comienza estudiar clarinete, composición y armonía. En 1965, con diecinueve años ya es considerado un virtuoso, debutando con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba como solista en un concierto televisado a nivel nacional. Ese mismo año funda junto con el pianista Chucho Valdés la Orquesta Cubana de Música Moderna que dirigió durante algo más de dos años, compaginando esta actividad con su trabajo en la Orquesta Nacional y otras agrupaciones como la Banda del Ejército Cubano. Posteriormente funda junto con ocho músicos de la Orquesta de Música Moderna y otros tres artistas el grupo Irakere que fusiona el jazz, rock, música tradicional cubana y música clásica creando un estilo totalmente nuevo que causó sensación en los festivales de Newport y Montreux en 1978. Con este grupo recorrió Norteamérica y Europa y fue nominado para varios premios Grammys en 1979 y 1980, ganando uno de ellos en la categoría Best Latin Recording por su primer disco, homónimo de la banda. Este grupo hizo historia al convertirse en la primera banda cubana que firmó con una compañía norteamericana tras la victoria de Fidel Castro.

"De Irakere tengo los mejores recuerdos, fue una experiencia única. Sólo que no sabíamos que estábamos haciendo una cosa que iba a ser tan trascendental", dice Paquito, quién confiesa abiertamente que una de las razones que les impulsó a la creación de Irakere fue la posibilidad real de hacer giras internacionales y con ello poder abandonar el enrarecido ambiente que se respiraba en Cuba gracias a la dictadura de Castro.
Pero en 1981, ya cansado de su situación en la grande de las Antillas, D'Rivera decide desertar durante una gira por España, solicitando asilo político en la embajada norteamericana de Madrid, y viéndose obligado a dejar a su mujer e hijos en la isla. Su madre , Maura, y su hermana Rosario habían dejado Cuba en 1968 y ya eran ciudadanas norteamericanas. Paquito fue ayudado por numerosas personas como Dizzy Gillespie, David Amram, Mario Bauza y Bruce Lundvall, lo que le permitió, además, ganarse rápidamente el respeto de la comunidad de músicos de jazz. Su fama se consolidó con la publicación de sus dos primeros discos en solitario, el genial “Paquito Blowin'” en junio de 1981 y “Mariel” en julio de 1982.

Versión orquestal de "Brussels in the Rain" compuesto por D'Rivera para "Why Not". De esa manera D'Rivera homenajeaba a Toots Thielemans, presente en los créditos del trabajo.

Su siguiente trabajo original sería, en nuestra opinión, uno de los más grandes discos del jazz latino. Editado en el año 1984, "Why Not" incluye una nómina de músicos que cortan la respiración, como el propio D'Rivera, Michel Camilo y Toots Thielemans, tres auténticos maestros en sus respectivos instrumentos, apoyados por Claudio Roditi (quizás deberíamos decir cuatro maestros), Lincoln Goines, Sammy Figueroa, Manolo Badrena o Dave Weckl. Lo encontrarás en Música para Gatos, si haces click en el link.

Al año siguiente Paquito vuelve a sacar una auténtica obra maestra que ,curiosamente, es prácticamente imposible de encontrar en las tiendas. Se trata precisamente del disco que hemos decidido compartir hoy, Explosion.

Explosion nos muestra de nuevo a una espectacular banda en la que repiten, con respecto a su previo Why Not, el pianista Michel Camilo, que compone y arregla dos de los temas y también el trompetista y trombonista brasileño Claudio Roditi que hace lo propio con su precioso The Monster and the Flower. Una gran versión de Mambo Inn de Mario Bauzá, la impresionante Seresta de Levy y cuatro originales de D'Rivera (preciosas Christmas Without You y Song to My Son, esta última una versión del tema dedicado a su hijo Franco en su extraordinario disco de presentación en USA, Paquito Blowin' de 1981) completan una nueva grabación absolutamente redonda.

Realmente nos resulta difícil de entender que trabajos de este nivel no esten a disposición del posible comprador pero lo cierto es que eso es exactamente así hasta el punto de que Explosion no consta en algunas potentes bases de datos ni aparece dentro de la discografía de Paquito en tiendas musicales tan poderosas y bien surtidas como Amazon. Aprovecha pues la ocasión para incorporar a tu discoteca un trabajo de aquellos que te va a acompañar toda la vida, sobretodo si eres aficionado al buen jazz latino.

Esperamos que os guste.

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Just Kidding, compuesta por Camilo e incluida en Explosion.

TRACKS

1-Just Kidding Michel Camilo
2-Song To My Son D'Rivera
3-Seresta Howard Levy , Manfredo Fest
4-Mambo Inn Bobby Woodlen , Grace Sampson , Mario Bauzá
5-The Monster And The Flower Claudio Roditi
6-Christmas Without You D'Rivera
7-Chekereson D'Rivera
8-The Lady And The Tramp D'Rivera

CREDITS

Paquito D'Rivera Saxophone [Alto], Clarinet
Arranged By - M. Camilo (tracks 1 y 3) , P. D'Rivera (tracks 2,4,5,6,7 y 8)
Michel Camilo Piano [Acoustic], Yamaha Dx 7, Arranger, Composer
Claudio Roditi Trumpet, Flugelhorn, Trombone, Composer
Lincoln Goines , Sergio Brandao Bass Jeanne Le Blanc, Jonathan Abramowitz Cello Sammy Figueroa Congas, Percussion Steve Gadd Drums Portinho Drums, Percussion Raymond Perez Guiro Jose Neto Guitar [Acoustic], Percussion Howard Levy Harmonica, Composer Daniel Freiberg Yamaha Dx 7 Isidro Bobadillis Tamborim [Dominican] Alfred V. Brown, Mitsue Takayama Viola Frederick Buldrini , Gene Orloff , Harold Kohon , Harry Lookofsky , Louann Montesi , Marti Sweet , Matthew Raimondi , Max Ellen Violins Helen Keane , Paquito D'Rivera , Ron Saint Germain Producers

Jazzy