jueves, 9 de septiembre de 2010

"Joyce" (1969), el primer trabajo de la gran vocalista brasileña Joyce.








Joyce Silveira Palhano de Jesus, más conocida en el ámbito artístico como Joyce, es una de las grandes, dentro de la música brasileña. Vocalista excepcional, guitarrista, compositora, letrista, periodista, escritora y muchas cosas más, esta polifacética artista ha conseguido llevar a cabo una envidiable carrera plagada de grandes grabaciones.

Joyce nació muy cerca de la playa de Copacabana, al sur de Rio de Janeiro el día 31 de enero de 1948. Sus padres sesepararon antes de que ella naciera y fue registrada por su madre, Zemir, como hija de su primer matrimonio. Zemir, funcionaria pública, cuidó sola de ella y de dos hijos más.

Joyce aprende a tocar la guitarra a los 14 años, observando a su hermanastro Newton, 13 años mayor que ella. Un par de “desconocidos” de nombre Roberto Menescal y Eumir Deodato (que en esos años tocaba el acordeón) eran buenos amigos de Newton. De hecho, por casa de la pequeña Joyce pasaba de forma habitual gente como Leny Andrade, los hermanos Castro-Neves y los antes mencionados, Menescal y Deodato. Ella se limitaba a mirar y a abrir bien los oídos.

En 1964, con 16 años de edad, hace su primera grabación en estudio, “Sambacana”, invitada por Roberto Menescal, pero la música seguía siendo para ella un sueño distante.
Dos años después inicia por primera vez estudios de música y al año siguiente comienza la carrera de periodismo llegando a trabajar para
O Jornal do Brasil. Ese mismo año clasifica la canción “Me disseram” para el Segundo Festival Internacional da Cançao de Rio. La letra, que incluye el verso “ja me disseram que meu homem nao me ama” (me dijeron que mi hombre no me quiere) causo gran revuelo en Brasil tan sólo por que estaba escrita en 1ª persona del femenino. Algunos periodistas calificaron la letra de “vulgar e inmoral”, acusándola de feminista (concepto que luego comentó la propia Joyce que ni siquiera conocía en aquel momento). Recordemos que Brasil estaba sumida en una terrible dictadura. Algunos músicos, como Nelson Motta o Fernando Lobo apoyaron a la joven artista brasileña.

Resumen del show realizado para conmemorar los 40 años de carrera de Joyce. La artista nos canta algunos de más conocidas composiciones, incluído Nao Muda Nao, tema que abre el disco que os presentamos hoy.


En 1968 graba su primer trabajo con el nombre de “Joyce”, precisamente el disco que hemos escogido hoy para compartir con todos vosotros.

"Joyce" estaba compuesto por 11 temas; 5 suyos y 6 más de gente entonces desconocida. Eran
Paulino da Viola, Marcos Valle, Francis Hime, Caetano Veloso, Jards Macalé, Toninho Horta y Ronaldo Bastos. Casi nada.

"Joyce" no es, probablemente, la mejor obra de está artista, una de las primeras junto a Dolores Durán que tuvo el coraje de escribir temas siendo mujer. Pero es sin duda un trabajo que anticipa la irrupción de una de las más interesantes músicos de la rica escuela carioca. Vinicius de Moraes se expresaba con estos términos al referirse a este trabajo de Joyce: "Podría hablar de la Joyce morena de ojos verdes, sonrisa medio triste y boca de niña enfadada, una chica moderna y tolerante, como una caricia de la luna nueva en el cielo de la tarde y también de la que conocí una noche y que justo acabar de estudiar periodismo en la PUC se acercó a mi en un espectáculo en el que yo participaba y me dijo que me quería hacer una entrevista y la hizo. Pero prefiero hablar de aquella chiquilla de 11 años que sentía una inmensa pasión por Tom Jobim y que desde los 3 no había hecho otra cosa que escuchar "Urubu Malandro". Aquella que conocía a Roberto Menescal desde pequeña y que de vez en cuando grababa jingles como sólo ella podía hacerlo. Aquella que antes de los 20 años ya había compuesto alrededor de 30 sambas. Aquella que canta con una voz linda y afinadísima y que sabe acompañarse a la guitarra con un sentido armónico y un ritmo ejemplar. Esa cantante que cuando toca la guitarra y canta (podría hacer una carrera sólo como cantante) dice cosas simples y bellas como en Cantiga de Procura. Es esa la Joyce de la que me gusta hablar pues esa es la Joyce que dará mucho que hablar, la Joyce que es toda musicalidad, tiene un alto sentido de las palabras y conoce el misterio de las notas. La Joyce que está en este LP con sus primeras ansias, deseos y frustraciones de amor y que entra de forma directa en la moderna canción brasileña. Desde luego mucho más que aquellos ojos verdes y aquella gracia natural". Si Vinicius De Moraes lo dice no vamos a ser nosotros quienes digamos lo contrario.

Ese mismo año graba su segundo trabajo producido por
Nelson Motta, con arreglos de Luis Eça, titulado “Encontro Marcado” y hace su primera gira fuera de Brasil. Con el grupo Sagrada Familia de Luiz Eça, grabaría un nuevo trabajo en 1970 y ese mismo año lanzaría un doble compacto con el grupo A Tribu, formado por ella, además de Toninho Horta,Novelli, Nana Vasconcelos y Nelson Angelo, con quien se casaría meses después.

Clareana, compuesta en honor de las dos hijas que tuvo en su matrimonio con Nelson Angelo, Clara y Ana. Una preciosa canción de cuna.


Entre 1971 y 1975 sólo un trabajo realizado en 1972 junto a su entonces marido Nelson Angelo que se llamaría sencillamente Nelson Angelo e Joyce. El disco, prácticamente imposible de encontrar actualmente, contenía temas de Angelo, Joyce, Marcio Borges, Ronaldo Bastos y Joao Carlos Padua. La artista se dedica a su familia y tiene dos hijas,
Clara y Ana, cuyos nombres daría origen a uno de sus temas más famosos, “Clareana”.

En 1975
se separa de Nelson Angelo y es invitada por Vinicius de Moraes para substituir a Toquinho. Al año siguiente graba en Italia “Passarinho Urbano” donde interpreta temas de nuevos artistas censurados por la dictadura militar, entre ellos Chico Buarque, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Edu Lobo, Maurício Tapajós o el mismo Vinicius.

Dos años más tarde conoce a
Tutti Moreno en New York con quien se casaría, tras 24 años de convivencia, en el año 2001. De su unión nacería, en 1980, la tercera hija de Joyce, Mariana. Justo ese año despega definitivamente la carrera de esta polifacética artista, con el lanzamiento del excelente trabajo “Feminina".

El disco, grabado en enero de 1980 en los estudios Odeon, contiene temas memorables como el que da título al disco,
"Feminina" o el mencionado "Clareana" además de la conmovedora "Essa Mulher", o "Aldeia de Ogum". Este último tema fue redescubierto 12 años más tarde por algunos DJ’s de Londres que convertirían a Joyce en una gran estrella en UK. Cabe recordar que fue la primera artista brasileña invitada en un festival de acid jazz donde la acogió un caluroso público de más de 2000 personas.

Joyce nos interpreta Revendo Amigos y para honrar el tema lo comparte con su amiga Leila Pinheiro.



Desde entonces Joyce ha grabado 26 trabajos más, los dos últimos publicados en el pasado año 2009, Slow Music y Aquarius, este último junto a Joao Donato, completando una carrera absolutamente envidiable que ya se alarga casi medio siglo. Desde aquí queremos constatar nuestra más total y absoluta admiración
hacia Joyce Moreno además del convencimiento de que junto a Djavan y Milton Nascimento (sin contar con los pioneros de la bossa) ha sido una de las artistas que más ha ayudado al avance y la consolidación de los maravillosos sonidos procedentes de nuestro amado Brasil.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS
1-Nao muda, Nao Joyce
2-Bloco Do Eu Sozinho Marcos Valle, Rui Guerra
3-Improvisado Joyce
4-Ansiedade
5-Superego
Joyce
6-Cantiga De Procura Joyce
7- Choro Chorado Joyce, Jards Macalé
8- Ave Maria Caetano Veloso
9-Anoiteceu De Moraes, Himes
10- Litoral Horta, Bastos
11-Me Disseram Joyce

CREDITS

Joyce Vocals, Guitar, Arrangements
Resto de músicos no disponibles en la carátula del disco y CD.

Jazzy

miércoles, 8 de septiembre de 2010

Box: El pop visto desde el jazz. Es lo pop necesariamente malo?





El Rey del Pop de los 80s tuvo, como casi todos los reyes musicales, un trágico final.

La palabra "pop" proviene, como resulta obvio, de la abreviación en inglés de la palabra popular. Pop es un género que, al margen de la instrumentación y tecnología aplicada para su creación, conserva la estructura formal "verso - estribillo - verso", ejecutada de un modo sencillo, melódico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes diferencias con otros géneros musicales están en las voces melódicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas. La música pop moderna tienes unos componentes comunes de ritmos fuertes y vivaces y melodías simples, a menudo pegadizas.

Los grupos famosos y estrellas del pop han congregado a multitudes en sus conciertos. Millones de personas de todo el mundo se reunieron delante de sus televisores para presenciar el
Live Aid, concierto celebrado en Londres en el año 1985 para ayudar a paliar el hambre en África. A consecuencia de esto que os contamos a menudo han aparecido artistas que han sido nombrados por público y crítica como los "reyes del pop". Es el caso del tristemente desaparecido Michael Jackson, la incombustible Madonna o, más recientemente, de la infumable Lady Gaga.

Nos ha parecido divertido revisar este video que seguro hace años que no ves. Era una buena causa y en ella contribuyeron algunas de las más grandes estrellas del pop de los 80s. Vemos desfilar a Lionel Richie, Stevie Wonder, Kenny Rodgers, Paul Simon, Tina Turner, Diana Ross, Michael Jackson, Al Jarreau, Dianne Warwick... una auténtica colección de cromos para un tema decidida y pretendidamente pop.


El pop ha generado mucha controversia en el espacio musical especialmente en los últimos años. Pop se ha convertido en sinónimo de producto para masas con escasa cultura musical y aunque frecuentemente la afirmación pudiera ser considerada como correcta deberíamos ser capaces de diferenciar entre el buen y el mal pop, algo a lo que no están acostumbrados algunos críticos con más prejuicios que cultura musical. Es lo mismo un tema de Gilbert O'Sullivan o Stevie Wonder que uno de Lady Gaga o Madonna? Tiene el mismo valor una grabación pop de Al Jarreau que un disco cualquiera de Cristina Aguilera? Nosotros creemos que no.

Paquito D'Rivera confiesa en su libro de memorias Mi Vida Sexual que cuando era niño se sentía incapaz de diferenciar el jazz y la música clásica. Y recuerda que su padre, músico empedernido y una de sus más tempranas influencias, le solía decir que sólo existían dos tipos de música; la buena y la mala. Nosotros nos apuntamos a esta última afirmación. Nos corroe el alma cuando un músico clásico resta valor al jazz, o cuando un purista del jazz se carga cualquier música que apareciera más allá de los 70s, incluso cuando un rockero (que es el rock sino pop?) ataca a un grupo concreto por considerarlo despectivamente "demasiado pop".

La música es el arte de unir sonidos y lo cierto es que nos importa un pimiento si los críticos llaman a esa concatenación
jazz, clásica, pop, samba, bossa nova, funky, smooth, tecno, trance, hip-hop, new age, rock o fusion. Lo definitivamente importante es que un tema esté bien construído, trabajado y que la melodía sea creativa o simplemente bonita. No nos interesa oir un bombo y una caja alternándose en un compás mientras un guitarrista toca cuatro notas y un bajista se limita a subir y bajar en la escala. Es por ello que hoy hemos decidido a preparar una box compuesta únicamente por temas llamados pop pero versionados por algunos de los más interesantes músicos de jazz (repetimos, jazz en toda la extensión de la palabra) de los últimos 50 años. Puede sonar bien el empalagoso Feelings de Morris Albert en manos de un pianista como Monty Alexander? Y Imagine de John Lennon filtrado a través de la visión de la pianista brasileña Tania Maria? Quizás encaje bien Just The Way You Are de Billy Joel según el saxo de Grover Washington Jr.? Compruébalo.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios. Click Read More.


TRACKS

1-Feelings de Morris Albert interpretada por Monty Alexander Trio desde directo en Montreux del año 1976.

2-Got To Get You Into My Life de Beatles interpretado por los mega funkyes Earth, Wind & Fire.

3-Here, There and Everywhere de Beatles esta vez según la versión del gran guitarrista George Benson que lo incluyó en Tenderly (1989).

4-Michelle. Un tema un tanto edulcorado de Beatles, esta vez en la voz y el saxo de Will Downing y Gerald Albright respectivamente. Desde Pleasures of the Night (1998).

5-Just the Way You Are de Billy Joel, interpretada por Grover Washington Jr. Desde Reed Seed (1978).

6-A Hard Days Night. Pocas canciones tan populares como esta, de nuevo de Beatles. La versión de la brasileña Joyce la hace prácticamente irreconocible y le da un cálido toque que la convierte en un tema amable. Desde Just a Little Bit Crazy, editado por Joyce conjuntamente con la Banda Maluca en el año 2003.

7-Imagine de John Lennon revisado por pianista y vocalista brasileña Tania Maria.

8-Corazon Partio del español Alejandro Sanz en versión arreglada e interpretada por el gran Paquito D'Rivera. La extraemos de 100 Years of Latin Love Songs.

9-Alone Again (Naturally) de Gilbert O'Sullivan, uno de los músicos más populares de los primeros 80s, interpretado por el teclista Ronnie Foster desde su Sweet Revival, publicado en 1973.

10-Laughter in the Rain de Neil Sedaka según la guitarra de Earl Klugh. Lo extraemos del primer trabajo de este singular guitarrista, el autodenominado Earl Klugh del año 1976.

11-I Can't Help It. Este es un tema original de Stevie Wonder popularizado en los 80s por el rey del pop de turno, Michael Jackson e interpretado aquí por el vocalista neoyorquino Will Downing. Incluído en Sensual Journay (2002).

12-Satisfaction de Rolling Stones de nuevo interpretado por la pianista Tania Maria. Desde Bela Vista (1990).

13-Goog Enough de una de las voces más populares de los 80s, Anita Baker, en manos del extraordinario pianista Bill O'Connell. Maravillosa. La extraemos de Lost Voices (1993).



Jazzy

lunes, 6 de septiembre de 2010

"Voyeur" (1980), uno de los grandes trabajos del saxofonista de Florida, David Sanborn.










Aclamado como uno de los grandes saxofonistas de la historia, David Sanborn es un artista cuya música ha inspirado a músicos de todos los estilos posibles, desde el rock hasta el jazz pasando por el pop y el R&B. Es además uno de los saxos más influyentes dentro del universo de la fusión de estilos.

Nacido el 30 de julio de 1945 en Tampa (Florida), David William Sanborn contrajo la polio cuando tenía tres años de edad. Como parte del tratamiento de rehabilitación el pequeño David comenzó a tocar el saxofón y lo cierto es que el resultado de la terapia sorprendió a todos.

Sanborn creció en Sant Louis (Missouri). Sus primeras influencias vendrían de los grandes artistas de blues de Chicago. Antes de acabar sus estudios Sanborn había tocado ya con gente como Albert King o Little Milton. "cuando tenía 17 0 18 años y no sabía que hacer con mi vida entendí que nada me hacía disfrutar más que tocar música. No había elección, tenía que ser músico. O eso o robar coches", dice el propio Sanborn.

Dizzy Gillespie nos interpreta Tin Tin Deo con prácticamente toda la banda de Sanborn, incluyendo al saxofonista además del bateria Omar Hakim, el recientemente desaparecido guitarrista Hiram Bullock y el bajista Marcus Miller. Una banda tan extraordinaria como inusual.


Al cumplir los 20 años ya se había casado y tenía un hijo, Jonathan, a quien ha dedicado todos y cada uno de los 23 trabajos que, como líder, tiene editados hasta la fecha. En esos días recibió una llamada de un viejo amigo de San Francisco, el batería Teddy Steward, quien le convenció para trasladarse a California. Una vez allí una nueva llamada de otro viejo amigo, Phillip Wilson, le invitaba a participar en la grabación del primer disco de una grupo que acababa de montar, la Butterfield Blues Band. "Cada día me tocaba ir en autobús desde San Francisco a Los Ángeles, luego tomaba otro autobús hasta Hollywood donde se encontraba el hotel de Phillip y desde allí iba al estudió con él"."Sólo tenía mi instrumento. Creo que fue por eso y por mi patético aspecto (allí en pie con mi saxo) que un día Paul Butterfield me dijo, ' por que no vienes y tocas en un tema?'. Le dije que si y a partir de ese día estuve con él durante 5 años", comenta Sanborn.

Durante esos 5 años la Butterfield Blues Band tocó en centenares de conciertos (Woodstock entre ellos). Cuando la banda se disolvió, Sanborn fue el único que tuvo ofertas. Una semana más tarde ya se encontraba de gira con el gran Stevie Wonder (con quién grabó en el fantástico "Talking Book"), luego con los Rolling Stones y más tarde con David Bowie, participando en su famosa grabación de 1975 "Young Americans". Ese mismo año David Sanborn gravaba su primer disco en solitario, "Taking off" obteniendo un nivel de ventas aceptable. Eso le permitió seguir haciendo trabajos como líder mientras trabajaba para otros músicos como Paul Simon o James Taylor.

Del Festival de Montreux de 1984 recuperamos este I Told You So. Sanborn aparece junto a Larry Willis (keyboards), Hiram Bullock (guitar), Tom Barney (bass) y Buddy Williams (drums).


El disco que os presentamos hoy, Voyeur, data del año 1980 y es, en nuestra opinión uno de los mejores trabajos de Sanborn. Producido por Michael Colina y Ray Bardani, contiene algunos de sus clásicos como "Run for Cover" (compuesta por el gran bajista Marcus Miller con quién comenzaba una larga colaboración) y otros menos conocidos como "One in a million", para nosostros los gatos una de las grandes composiciones de este singular e influyente saxofonista.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios. Click Read More.

(Información extraída de la web de David Sanborn)


TRACKS

1- Let's Just Say Goodbye (Sanborn)
2- It's you (Sanborn)
3- Wake me When It's Over (Sanborn/Miller)
4- One in a Million (Sanborn)
5- Run For Cover (Miller"
6- All I need Is You (Miller)
7- Just for You (Miller)


CREDITS

David Sanborn (Alto saxophone, Saxello, Fender Rhodes, Wurlitzer electric piano, Percussion) Tom Scott (Tenor saxophone, Flute) Michael Colina (Synthesizer) Hiram Bullock (Guitar) Buzzy Feiten (Electric & Acoustic Guitars) Marcus Miller (Piano, Fender Rhodes, Synthesizer, Electric Guitar, Bass, Drums, Bells)
Steve Gadd (Drums) Buddy Williams (Drums, Percussion)Lenny Castro (Congas, Timbales, Percussion) Ralph MacDonald (Percussion) Ray Bardani (Gong) Background vocals: Patti Austin, Valerie Simpson, Kacey Cisyk, Lani Groves, Diva Gray, Gordon Grody, Hamish Stuart




Jazzy

domingo, 5 de septiembre de 2010

"Blues at Bradley's" (1993), el primer directo del gran bajista de Philladelphia, Charles Fambrough.







Charles Fambrough es un bajista y compositor nacido el 25 de agosto del año 1950 en Philadelphia, influenciado por la música de algunos grandes del jazz como Art Blakey, McCoy Tyner, Herbie Hancock y Wayne Shorter, así como por los ritmos latinos, brasileños y afrocubanos.

Originalmente estudió piano clásico, pero a los 13 años se interesa por el bajo, que será su instrumento definitivo.

En 1968 comenzó a tocar con grupos locales de su Philadelphia natal y dos años después, en 1970, le aparece la oportunidad de unirse a la banda de Grover Washington, Jr. permaneciendo con el famoso saxofonista hasta 1974.

Después de esa experiencia se incorpora al grupo del percusionista brasileño Airto Moreira, quien le enseña a tocar el berimbau. Posiblemente en este momento nace el gusto de Fambrough por los ritmos procedentes de Brasil, que estarán presentes en gran parte de las grabaciones que hará como lider de su propio grupo en el futuro. En el 78 empieza su andadura con el pianista McCoy Tyner que se prolongará hasta el año 80, momento en el cual se incorpora a los Jazz Messengers de Art Blakey con quienes adquiere el mayor reconocimiento hasta la fecha.

Aquí le vemos con The Jazz Messengers de Art Blakey junto a Wynton Marsalis, Branford Marsalis, Bill Pierce y Donald Brown interpretando "Little Man".


Tras abandonar la banda de Blackey comienza a hacer sesionista, participando en grabaciones de gente tan conocida como los hermanos Wynton y Branford Marsalis, Roy Hargrove, Kenny Kirkland, Jerry González, Steve Turre, Donald Harrison, Kenny Garrett, Abdullah Ibrahim o Grover Washington, Jr.

En 1991 graba su primer larga duración como bandleader, "The Proper Angle", un magnífico trabajo compuesto por 10 temas originales: 6 del propio Fambrough más 4 composiciones de Ford, Kirland, Marsalis y la excelente versión del tema Don Quixote, de Milton Nascimento. Producido por el legendario Creed Taylor, "The Proper Angle" nos muestra a un excelente grupo de músicos entre los cuales se encuentran, además de los citados, algunos grandes nombres del jazz y del fusion como Steve Berrios, Roy Hardgrove, Mino Cinelu o Jerry Gonzalez. Podéis encontrar este trabajo en el siguiente enlace.

The Proper Angle(1991) de Charles Fambrough

Al año siguiente llegará su segunda propuesta, The Charmer, que seguirá la extraordinaria linea marcada por su predecesor. De los 7 temas que componen el disco, 4 están compuestos por Fambrough para la ocasión y el resto nada más y nada menos que por el saxofonista Grover Washington Jr y los pianistas Abdulah Ibrahim y Bill O'Connell, todos ellos con participación activa en la grabación. De hecho, los créditos de los discos del bajista siempre garantizan la presencia de grandes músicos y The Charmer no es una excepción ya que en él podemos encontrar, además de los citados, a gente como los baterias Jeff 'Tain' Watts y Jimmy Drummond, el trompetista Roy Hargrove, al pianista Kenny Kirland, al saxofonista Kenny Garrett o el percusionista Leonard Doc Gibbs, por sólo citar unos pocos.

Como su previo "The Proper Angle", "The Charmer" está producido por Creed Taylor para la legendaria CTI . De entre todos los temas que componen el larga duración nos apetece destacar las bellísimas Alycia/Andrea y Oasis, ambas de Fambrough; la conmovedora Lullaby for Shana Bly, en nuestra opinión, una de las grandes composiciones del genial Grover Washington Jr. y , como no, Sparks, el primer tema que Bill O'Connell incorporaría a un disco del bajista, iniciando de esta forma una colaboración que se haría extensible a la mayoría de las grabaciones de ambos y que duraría prácticamente hasta la actualidad. Podéis encontrar The Charmer a continuación.

The Charmer(1992) de Charles Fambrough

Aquí vemos a Charles Fambrough formando parte de la banda de Eugene Maslov, un hombre del que hablaremos en el tejado. Les acompañanan Ron Blake al saxo, Sean Jones a la trompeta y Wilby Fletche a la bateria.


Pero hoy nos vamos a ocupar del tercer trabajo de este excepcional bajista, su primer disco en directo, grabado los días 25 y 26 de febrero de 1993 nada más y nada menos que en el Bradleys's Jazz Club, un legendario local neoyorquino conocido por ser uno de los clubes de jazz más pequeños del mundo, pero también por tener una de las mejores acústicas. Allí han tocado desde Charlie Mingus hasta Paul Desmond. De hecho este último cedió su preciado piano como herencia a Bradley's tras su muerte.

Producido de nuevo por Cred Taylor para CTI, el disco contiene tan sólo 5 temas, tres de ellos (los tres primeros) de Fambrough. El resto se reparten entre el trombonista Steve Turre, que nos regala la deliciosa Steve's Blues, y el pianista habitual de las formaciones Fambrough, Bill O'Connell, un hombre con una larguísima experiencia como músico de sesión con artistas del nivel de Gato Barbieri o la Fort Apache Band por sólo citar un par de sus más ilustres colaboraciones y que aquí aporta la preciosa Better Days Are Coming.



Blues at Bradley's es un disco sobrio, sin estridencias, pero maravillosamente interpretado. Una grabación imprescindible que debe ser degustada con tranquilidad y en la que resulta francamente complejo destacar un sólo corte ya que todo el disco mantiene un excelente nivel. Si te gusta el jazz pero además eres aficionado al blues estamos seguros que te encantará. Compruébalo.


Por último te recomendamos repases los créditos de Blues at Bradley's, ubicados al final de este post. Absolutamente impresionantes.

Encontrarás link en comentarios. Click Read More.

TRACKS

1-Duck Feathers
Fambrough
2-Blues for Bu Fambrough
3-Andrea Fambrough
4-Better Days Are Coming O'Connell
5-Steve's Blues Turre

CREDITS

Charles Fambrough
Bass, Associate Producer

Donald Harrison Alto Saxophone Steve Turre Trombone, Shells Joe Ford Soprano Saxophone Bill O'Connell Piano Bobby Broom Guitar Ricky Sebastian Drums Steve Barrios Percussion


Jazzy

viernes, 3 de septiembre de 2010

"The Other Side of the Story" (1985) el primer trabajo del saxofonista de California, Brandon Fields.









Nacido en Indiana en el año 1958, Brandon Fields pasó su infancia en Santa Ana, California, acompañado de sus padres, dos enamorados de la música. Con ese panorama no resulta extraño que comience pronto, con tan sólo 5 años, a tocar el piano. A los 8 se aficiona al violín y al cumplir los 10 cae rendido ante el saxo alto, que será su instrumento definitivo a pesar de que no resulta extraño escucharle en los teclados y con cualquier otro instrumento de vien
to ligero.




Empezó trabajando como free lance cuando era un adolescente hasta que decidió trasladarse a Los Ángeles, donde comienza a trabajar de forma inmediata en grabaciones y conciertos en diversos clubs de la ciudad hasta que en el añ
o 1986 le llega la oportunidad de grabar su primer trabajo como bandleader, "The Other Side Of The Story" . Producido por él mismo en colaboración Walt Fowler y Alan Hirshberg y con la parcicipación de algunos excelentes músicos como John Patitucci al bajo, David Garfield a los teclados o Robben Ford a la guitarra, este es un buen trabajo que podemos inscribir dentro universo del jazz fusion y en el que podemos apreciar la indudable influencia que sobre Fields ha tenido el saxo de David Sanborn.

Una colección de 9 buenos temas, todos ellos compuestos por Brandon Fields (excepto Bullfunk, escrito en colaboración con Melvin Davis) entre los que resaltan especialmente "St. Albans" y "Agressive Tranquility". Las podéis escuchar en el reproductor ubicado a continuación. Haz click sobre su medalla.


MusicPlaylist
Music Playlist at MixPod.com



Brandon Fields ha sido además un solicitadísimo músico de estudio que ha participado en innumerables grabaciones entre las cuales podemos citar las realizadas con artistas como Towe
r of Power, Earth Wind & Fire, Elton John, Quincy Jones, Nancy Wilson, Jewel, B.B. King, Bonnie Raitt, Babyface, Toto, Luther Vandross, Al Jarreau, Robben Ford, Bobby Caldwell, Los Lobotomys, The Rippingtons, Nancy Sinatra, George Duke, Stanley Clarke, The Temptations, Buzz Feiten, Michael McDonald, Randy Newman, Neil Diamond, Kenny Rogers, David Garfield, Lionel Richie, Queen Latifah, Rob Thomas, Engelbert Humperdink, Harry Connick Jr., Dave Weckl por citar unos pocos y además ha tenido tiempo para grabar, después de su disco de presentación, 8 trabajos más, el último de ellos un homenaje a Stevie Wonder con el descriptivo título "Highter Ground: The Stevie Wonder Songbook", el pasado año 2008.

En el año 2002 recibió un Grammy a la mejor grabación latina por su participación en “Y Solo Se Me Ocurre Amarte” del cantautor español Alejandro Sanz.

Breve corte que nos muestra una actuación del Brandon Fields Group con brillante sólo del percusionista Luis Conte. Lamentablemente el clip está cortado pero vale la pena ver el latinísimo sonido de la banda.


Actualmente Fields continua grabando e incrementando sus habilidades en instrumentos como la flauta, los teclados y la percusión, además de tocar guitarras eléctrica y acústica en sus locales favoritos de la ciudad de Los Ángeles.


Esperamos que os guste su primer trabajo.

Encontraréis link en comentarios. Click Read More.

TRACKS

1-Aggresive Tranquility
Fields
2-Because of You Fields
3-Brain Dance
Fields
4-Bullfunk
Fields, Davis
5-Other Side of the Story
Fields
6-Room 100
Fields
7-St. Albans
Fields
8-Summer Mirage Fields
9-Sunday Morning
Fields

CREDITS

Brandon Fields Flute, Flute (Alto), Sax (Alto), Sax (Soprano), Sax (Tenor), Producer
Walt Fowler Trumpet, Flugelhorn, Synths
Gregg Bissonette Drums
Michael Fisher Percussion
Robben Ford Guitar
David Garfield Synthesizer, Piano, Keyboards
John Patitucci Bass
Albert Wing Sax (Tenor)


Jazzy

jueves, 2 de septiembre de 2010

Isabelle Antena Box. Una francesa en la corte de Tom Jobim.





La pequeña Isabelle comenzó a cantar antes que a hablar. Ya con 5 años de edad compuso su primera canción, una historia de amor medieval entre un príncipe y una princesa, y a los 8 inició sus estudios de música, que a los 10 acompañó aprendiendo a tocar el clarinete. Compró su primera guitarra a los 12, y su primera guitarra eléctrica a los 17, aunque 2 años después decidió cambiarla por un piano eléctrico. Isabelle era una joven muy inquieta, cosa que le ha llevado a construir una más que interesante carrera musical, que abarca más de cinco lustros.

A los 19 años de edad deja París para establecerse en Londres, donde trabaja como "au pair" en casa del pianista Rick Wakeman, lider de la famosa banda de rock Yes. En casa de Wakeman, Isabelle aprende dos cosas: a hablar un fluido inglés y a adquirir la confianza de que para ella, vivir de la música, era un sueño posible.

Regresa a
Francia a principios de los 80s, fundando su primera banda que se llamaría Antena, inspirados en una canción de los alemanes pioneros del tecno-pop, Kraftwerk. Para éste primer proyecto fueron contratados por un pequeño sello discográfico belga, Les Disques Du Crepuscule. Fruto de esta relación aparece su primer y único disco, Camino del sol, grabado en el año 1982. El LP incluye una versión del clásico de Jobim, Garota De Ipanema, rebautizada para la ocasión como The Boy From Ipanema, considerada por muchos la primera electrosamba de la historia aunque para ser sinceros hemos de decir que es una de las más horribles versiones del tema que hemos oído jamás. El disco no vendió lo esperado y tras su publicación sus compañeros decidieron dejar la banda. Antena comienza entonces su carrera en solitario.

Instant De Trac, grabado para la televisión japonesa en el año 1994. El corte está incluído en la box de hoy.


En 1983 rescinde su contrato con la discográfica belga y firma con Mercury Records. Con la ayuda de su amigo y productor Martin Hayles y del ingeniero de sonido Alan Moulder comienza a trabajar en su siguiente disco que se llamará En Cavalle. Pasa dos años en el estudio con algunos grandes músicos como Trevor Murrell, Camelle Hinds, Tommy Eyre y Danny Cummings pero curiosamente la discográfica rechaza el resultado final por considerarlo poco comercial y demasiado afrancesado. Antena, decepcionada se traslada de nuevo a Bélgica donde su suerte cambiará para siempre. Con sus amigos de Crepuscule edita un single que permanecerá en las listas de más vendidos durante varias semanas, Seaside Week End. El éxito le da el crédito y la confianza suficiente como para comenzar con la grabación de un nuevo larga duración. De esta forma llega, en el año 1987 "Hoping for Love" un disco muy importante porqué es el primero en el que Antena escribe, arregla y produce sus propios temas. "Hoping for Love" se convierte en un auténtico éxito de la mano de su single Le Poisson Des Mers Du Sud considerada por los belgas como una de las 100 mejores canciones escritas y producidas en el país en todo el siglo XX. Además el larga duración se convierte también en un fenómeno en Japón, lugar donde la artista francesa mantiene categoría de superestrella.

Le Poisson Des Mers Du Sud, probablemente el tema más conocido de Antena.



En la actualidad
Isabelle Antena tiene 17 trabajos en el mercado, el último de ellos "French Riviera" grabado en el año 2007 con la discográfica Hi- Note y la verdad es que mirándola de forma global su discografía es de lo más acléctico. En sus trabajos puedes encontrar jazz y también pop, bossa nova y funk, todo en uno pero siempre con un destacable nivel de calidad que la ha hecho acreedora de estar en nuestro tejado. Es por ello que hemos decidido dedicarle un box aunque consideramos necesario comentar que dada la enorme latitud musical del artista en cuestión nos hemos dedicado preferentemente a aquellos temas que se encuentrar enmarcados dentro del universo musical que desde aquí impulsamos. No hemos querido entrar demasiado en la onda new wave/tecno/Chill Out que suele frecuentar simplemente porque no somos los jueces adecuados para seleccionar un material de esa tipología. Además nos gusta cuando Antena se adentra en terrenos bossa noveros, nos gustan sus arreglos y los músicos que utiliza. Esperamos que ese sea también vuestro caso.

Los discos que hemos utilizado para la presente compilación son los siguientes:
En Cavale (1984), Hoping For Love (1986), Tous Meus Caprices (1987), Carpe Diem (1992), Easy Does It (2004) y French Riviera (2007).

Encontraréis link en comentarios. Click Read More.

TRACKS

1-Des Calins Des Caresses
Powaga
(de Hoping for Love)
2-Le Poisson Des Mers Du Sud Powaga (de Hoping for Love)
3-Quan Le Jazz Entre En Lice
Powaga
(de Hoping for Love)
4-Easy Street
Edwards, Rodgers (de
En Cavalle)
5-Eclat de Nuit
Powaga (de Tous Meus Caprices)

6-Une Journee Banale A New York City
Powaga
(de Tous Meus Caprices)
7-Time To Work Powaga (de Tous Meus Caprices)
8-Instant de Trac Powaga (de Carpe Diem)
9-Nothing To Lose Black, Mancini (de Easy Does It)
10-Obrigada
Powaga
(de Easy Does It)
11-La Pecheresse a la Ligne Bardos, Moulin (de Easy Does It)
12-A Rainbow (Can't Forever Be)
Powaga
(de Easy Does It)
13-The French Riviera
Powaga, Okii
(de French Riviera)
14-Like There's No Tomorrow Powaga, Fukotomi (de French Riviera)

Nota: Powaga es el apellido real de Isabelle Antena y es, también, el apelativo que utiliza para firmar sus composiciones.

Jazzy