"Ivory Dreams" (1989) del pianista y teclista Bobby Lyle.

Bobby Lyle es un excelente pianista de jazz, funk, soul, fusion y smooth jazz. Creció en Minneapolis, en la esquina ubicada entre Park Avenue y 32nd Street. Su padre trabajaba como periodista deportivo en el diario Star Tribune mientras que su madre era organista en la iglesia. Fue ella quién le dio sus primeras clases cuando Lyle tenía 6 años.

Lyle en el Java Jazz Festival 2009, interpretando el extraordinario clásico "Poinciana" en una de las versiones más relajados del tema que el que escribe ha oído jamás.

A los 16 años montó su propia banda, juntamente con Gene and Jerry Hubbard, formando un trio que se hizo muy popular a nivel local y que le permitió ofrecer sus primeros directos. Tras seis años de conciertos con su trio, Lyle aceptó una oferta para incorporarse a la gira que la banda gemela de Ramsey Lewis Trio, llamada Young Holt Unlimited, estaba a punto de iniciar y que se alargaría por un periodo de 2 años.

En 1976 se traslada a Los Ángeles para incorporarse a la banda "Sly and the Family Stone". Ese mismo año toca con Ronnie Laws quién le presenta a Wayne Henderson de los Jazz Crusaders. Henderson propiciará su primer contrato con Capitol Records que daría como fruto sus 3 primeras grabaciones; "New Warrior"(1977), "The Genie"(1977) y "Night Fire"(1980).

La primera de ellas, "New Warrior" (1977) , un trabajo que se ubica en un punto indefinido entre el jazz, el funk, el soul y el blues, algo muy propio de los primeros discos de muchos artistas cuyas carreras nacieron en los años 70. Una consecuencia lógica en un periodo de gran creatividad. "New Warrior" es un disco desconcertante, probablemente lastrado por la falta de un buen productor, pero muy, muy fresco. Su siguiente trabajo será "The Genie" grabado ese mismo año y probablemente una de sus mejores obras. Producido por Wayne Henderson, "The Genie" vuelve a ofrecernos un catálogo amplio que contiene diversas influencias, desde el jazz más eléctrico hasta el soul más cálido. La mayoría del larga duracción está nutrido de temas de inspiración fusion como "Magic Ride", que se combinan con cortes de delicada factura como la interesante e imaginativa "Pisces" o la agradable "Night Breeze" que parece directamente sacada de algunos de los más comerciales trabajos del teclista brasileño Eumir Deodato y que fue grabado también por Ronnie Laws. Pero Lyle no olvida los ritmos norteafroamericanos, presentes en el muy fusionero corte "Mother Nile".

Su siguiente larga duración, "Night Breeze", editado en 1980, será el disco que cerrará su etapa con Capitol. "Night Breeze" vuelve a ser un trabajo interesante pero sumamente desconcertante. En él podemos encontrar dificilísimas interpretaciones como la que hace de Just One Of Those Things donde nos deja claro su absoluto dominio del instrumento, combinadas con otras que beben del funk-soul más tradicional como por ejemplo "Stop Running Away From Me", "Dream Lady" o "Getting Into Love". Lyle se atreve también a incursionar en territorios más cercanos a la música de discoteca de la época, cosa que nos provoca un cierto desconcierto. Pero todo y así creémos que es un disco interesante del que hablaremos más en otro post.
Lyle tardaría 5 años en editar Night Breeze, un nuevo larga duración en formación de trio que en nuestra opinión fue su más interesante trabajo hasta esa fecha. Ya hablamos de este disco en un post anterior. Si os interesa podéis recuperarlo clicando en el siguiente enlace.

Night Breeze

Pero hoy nos vamos a dedicar a su quinto larga duración, Ivory Dreams (1989), el que creemos es el mejor trabajo de su carrera y prácticamente imposible de encontrar en las tiendas. Y es que el disco está compuesto por una interesante colección de temas interpretados por un excelente plantel de músicos que incluye a gente del nivel de Leon 'Ndugu' Chancler, Paulinho Da Costa, Paul Jackson Jr., Michael 'Patches' Stewart (al que probablemente conociera durante la gira que acababa de realizar con el vocalista Al Jarreau) o Nathan East, por sólo citar unos pocos.

Os recomendamos especialmente el muy fusionero Tropical; la excelente réplica del clásico de Strayhorn, Lush Life; la preciosa 88 Ways (to Say I Love You) (que podéis escuchar en el reproductor ubicado bajo estas lineas) y la muy jazzera Nova, como veis, curiosamente, todo lo que era la cara B del vinilo original.

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Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

Bobby Lyle participó en gira internacional que Jarreau realizó a medidos de los 80. La banda era absolutamente espectacular, con Michael Paulo al saxo, Michael 'Patches' Steward a la trompeta o Alex Acuña a la bateria entre otros. Aquí vemos a Lyle interpretando el bonito sólo en una de las piezas más famosas de Jarreau, "Mornin'".

TRACKS

1-Ivory Dreams Lyle
2-Save It for a Rainy Day Guth, Oliver
3-Been So Long Baker
4-The Loco-Motion Lyle
5-Tropical Lyle
6-Lush Life Strayhorn
7-88 Ways (To Say I Love You) Lyle
8-Nova Lyle



CREDITS

Bobby Lyle Bass, Piano, Drums, Keyboards, Vocals (bckgr), Producer
Gerald Albright Bass Mike Baker Drums Kevin Brandon Bass Ray Brown Trumpet Leon "Ndugu" Chancler Drums Paulinho Da Costa Percussion
Nathan East Bass Donald Griffin Guitar Munyungo Jackson Percussion
Paul Jackson, Jr. Guitar Abraham Laboriel, Sr. Bass Ricky Lawson Drums
Diane Louie Synthesizer Land Richards Drums Sam Sims Bass Mike Smith Percussion Donnell Spencer Drums Helena Springs Vocals Michael "Patches" Stewart Trumpet David Swanson SynthesizerJulia Tillman Waters Vocals Julia Waters Vocals (bckgr) Oren Waters Vocals, Vocals (bckgr)
Kirk Whalum Saxophone Maxine Willard Waters Vocals, Vocals (bckgr)
Reggie C. Young Trombone

Jazzy

"Open Our Eyes" (1974), el primer gran éxito de la superbanda de funk, Earth, Wind & Fire.

Earth, Wind & Fire es, para nosotros, la más grande banda de funk. Fundados a principio de los años 70, su sonido perfecto, su trepidante ritmo y el respeto que le profesó la crítica, la convirtieron además en una de las agrupaciones musicales más exitosas de la historia.
Earth, Wind & Fire era una fusión única de estilos en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, música africana y latina y algunas pinceladas de rock, todo ello sumado a la riqueza musical de la voces de Philip Bailey y Maurice White, con la cual la banda era capaz de sonar como el mejor de los grupos de la legendaria Motown.
Earth, Wind & Fire aunaban la intensidad de James Brown con la capacidad para la improvisación de cualquiera de los grandes grupos de jazz fusion que en esos momentos triunfaban, como Weather Repor o Return to Forever, por poner un par de ejemplos. Además, sus presentaciones en el escenario eran realmente explosivas. Su lider, Maurice White, empezó en la música a inicios de los sesenta como bateria de sesión en la discográfica Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart o Etta James. Más tarde, en 1967, se unió al Ramsey Lewis Trio donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano que luego usaría a lo largo de toda su carrera.
En 1969, White deja el grupo de Lewis y se une al teclista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons con la intención de dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, acabaron convirtiéndose en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago. Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral. Acababa de nacer una banda absolutamente mítica.

En 1970 White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White para reunirse con el grupo en Los Ángeles. En ese momento la formación incluía a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y Yackov Ben Israel en la percusión, además de los originales Whitehead y Flemons. El grupo firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum el autodenominado "Earth, Wind & Fire". La recepción de la crítica fue cauta y positiva. Igual respuesta obtuvo su segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no acababan de despegar a pesar de la cantidad de gente que los seguía , especialmente en las universidades. Con la crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind & Fire en el año 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el saxo, Roland Bautista en la guitarra, Larry Dunn en teclados y Ralph Johnston en la percusión. Pero la incorporación más trascendente fue la del cantante Philip Bailey. Al final del 72 Laws y Bautista abandonaron E,W&F y en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind & Fire estaba completo y listos para empezar su brillante carrera.

"Reasons", incluído en That's the Way of the World. Vocals por Phillip Bailey.

En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky” que si bien no fue un éxito incontestable, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente larga duración “Open Your Eyes” se editó en marzo de 1974 y es el disco que hemos decidido compartir hoy con vosotros.

Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el vinilo tenía un estilo musical más claro y directo que sus predecesores. Además “Mighty Mighty”, extraído de ese LP, se convirtió en el primer Top Ten en las listas que lograría la banda, a pesar de que las emisoras de la época no le hicieran demasiado caso. Su problema en ese momento era que el tema contenía explícitas reivindicaciones en pro de la causa de la raza negra, una cuestión aún muy espinosa en la norteamérica de principios de los 70s. Pero supieron sobreponerse y el álbum se convirtió en disco de oro y fue su primer éxito incontestable y lo cierto es que es uno de los grandes éxitos más justos que recordamos ya que contenía algunas perlas indiscutibles entre las cuales nos apetece mucho mencionar las preciosas Feelin' Blue y Caribou, y la impresionante Spasmodic Movements en la cual nos dejan muy clarito que son algo más que una buena banda de funk, abordándo sin problemas unos arreglos más propios de una formación de jazz.

Si eras adolescente a finales de los 70s estamos seguros que recordarás este video de 1979. Entonces Earth, Wind & Fire ya se había convertido en una de las bandas más populares de la historia de la música.

Open Our Eyes fue un disco decisivo para Earth, Wind & Fire ya que fue el trabajo que abonó el terreno para que un año después, en 1975 , la formación arrancara definitivamente. En esa fecha el grupo recibió el encargó de componer la banda sonora de la película “That’s the Way of the World”. White, listo como pocos, tuvo claro desde el primer momento que la película no funcionaría y, con buen criterio, decidió lanzar el disco antes de su estreno. El film fue efectivamente un tremendo fracaso, pero el larga duración despegó impulsado por el tema “Shining Star” que alcanzó el número uno en las listas de R&B y pop, y que además les proporcionó un Grammy. El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino. El resto ya es leyenda.

"That's the Way of the World", el tema que da título al trabajo.

Os adjuntamos un reproductor en el que podréis oir tres de los mejores temas contenidos en Open Our Eyes.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.Click Read More.

TRACKS

1-Mighty Mighty Maurice White, Verdine White
2-Devotion Maurice White, Philip Bailey
3-Fair But So Uncool Stephney, Giles
4-Feelin' Blue Altman
5-Kalimba Story Maurice White, Verdine White
6-Drum Song Maurice White
7-Tee Nine Chee Bit M. White, Stephney, Bailey
8-Spasmodic Movements Harris
9-Caribou Stephney, Giles
10-Open Our Eyes Lumkins

CREDITS

Maurice White Vocals, Drums, Kalimba, Composer
Verdine White Vocals, Bass, Percussion
Larry Dunn Piano, Organ, Moog
Ralph Johnson Drums, Percussion
Philip Bailey Vocals, Congas, Percussion
Al McCay Vocals, Guitar, Percussion
Andrew Woolfolk Sax, Flutes
Johnny Graham Guitar, Percussion

Jazzy

"Music of my Mind" (1972) de Stevie Wonder. El inicio de una nueva era musical.

Stevie Wonder nació el 13 de mayo de 1950 en Saginaw, población del estado de Minessota en EEUU. Fue un niño prematuro y eso le marcó de por vida ya que en su necesario paso por la incubadora recibió un exceso de oxígeno que le arrebató la visión para el resto de sus días.

Pero el pequeño Stevie, nacido Steveland Hardaway Judkins estaba destinado a ser uno de los grandes músicos del siglo XX. Y lo iba a ser a pesar de todo.

Ya de muy pequeño perdió a sus padres y fue adoptado, cambiando su nombre por Steveland Morris. Empezó cantando en los coros de la iglesia y rápidamente comenzó a destacar como músico, tocando diferentes instrumentos, especialmente piano, harmónica y percusión.

A los 11 años ya grabó su primer disco tras firmar contrato con la legendaria discográfica Motown, Su título fue “Tribute to Uncle Ray”, un compendio de versiones de temas del maestro Ray Charles. Más tarde firmaría un nuevo trabajo titulado “The 12 years old genious” al que le seguirían diversas grabaciones con un interés bastante relativo.

En 1954 su familia se traslado a Detroit. La voz del pequeño Stevie estaba cambiando y éste decidió aprovechar el tiempo cursando estudios de piano clásico en Michigan. En 1968 grabó, con tan sólo 18 años de edad, “For once in my life”, donde ya ejerció como coproductor. Le siguió “Signed, sealed and delivered” en 1970. Su contrato, firmado 10 años atrás con Gordy, presidente de Motown estaba a punto de expirar. Y Wonder no estaba dispuesto a seguir en Motown si no disponía de todo el control creativo de su obra. A pesar de la oposición de Gordy, Stevie se salió con la suya y en 1971, justo el 13 de mayo día del 21 cumpleaños de Wonder, firmó un nuevo contrato con Motown pero en unas condiciones francamente diferentes. Comenzaba aquí la década prodigiosa de este genio indiscutible de la música popular.

En 1971 graba “Where I’m Coming From”. Es este el primer disco integramente Wonder. Escribe todos los temas, incluído el exitoso “If You Really Love Me” y toca prácticamente todos los instrumentos.

En 1972 aparece “Music of my Mind” (el disco que hemos decidido compartir hoy en el tejado y del que hablaremos al final de este post) y a finales de ese mismo año “Talking Book” que con temas como “You are the sunshine of my life” convierte a Wonder en un fenómeno social. En 1973 se presenta “Innervissions” y al poco sufre un grave accidente automovilístico cuando se dirigía a un concierto en North Carolina, cae en coma y, aunque se recupera rápida y totalmente, le queda como secuela la pérdida del olfato.

En 1975 presenta el brillante “Fulfillingness first finale” que incluye, entre otros temas, una tremenda crítica al entonces presidente americano Richard Nixon, titulada descriptivamente “You haven’t made nothing”. Pero lo mejor estaba por llegar y en 1976 Wonder presenta un disco doble titulado “Songs in the key of life”, probablemente el mejor de su carrera. Sólo comentar que en el año 2009 Wonder recibió el certificado conforme este disco había alcanzado los 10.000.000 de copias vendidas en todo el mundo pasando a formar parte de la librería del congreso de los EEUU. El doble vinilo contiene clásicos indiscutibles como “Sir Duke” en homenaje a Duke Ellington o el incontestable “Isn’t she lovely” por sólo citar un par y es, sin duda, uno de los discos que sirvieron como caldo de cultivo para el futuras etiquetas musicales.

En 1979 llegaría el irregular “The Secret Life of Plants” su primer acercamiento a una Banda Sonora, en este caso de un documental que nunca llegó a realizarse. A pesar de ello, el doble disco fue platino y Wonder acumuló un nuevo éxito. Al año siguiente “Hotter than July” cerraría la década prodigiosa del genio de Minnesota. Stevie Wonder dejaba de ser un músico innovador para convertirse en una gran estrella. A partir de aquí y hasta la fecha tan sólo 6 trabajos completamente nuevos.

En 1982 publicaría una de sus mejores obras recopilatorias. Su título era “Original Musiquarium I” y además de una buena selección de temas totalmente remasterizados, incluiría 4 composiciones nuevas entre las cuales se encuentra el interesante y melódico “Ribbon in the Sky” y el bailable “Do I Do”.



Le seguiría en 1984 la BSO del divertido largometraje de Gene Wilder, “Woman in Red” que contenía uno de los temas más famosos y detestables de Wonder, el sonrojante “I Just Called to Say I Love You”. En 1985 aparecería “In The Square Circle”, sin duda el mejor disco del artista desde la anterior década. Posteriormente, en 1987 sería el turno del aburrido “Characters”. Ya en la siguiente década llegaría el turno de “Jungle Fever” (1991), BSO de la película dirigida por Spike Lee, amigo personal de Wonder y cuatro años después “Conversation Peace”, probablemente el peor trabajo de su carrera. Su última propuesta data de 2005. Con el almibarado nombre “A Time to Love” tampoco ofrece lo que se espera de un artista de su nivel.

Con 41 discos a sus espaldas (entre originales, directos y recopilaciones), 25 Grammys y un Oscar por el peor de sus temas, se puede decir que Wonder es un hombre con una intensa vida llena de fuertes contrastes. Durante sus casi 50 años de carrera ha hecho colaboraciones con artistas tan interesantes como Djavan (recordada su armónica en el gran tema “Luz” del artista brasileño), Will Downing (“That’s all” ), Incognito, B.B. King o Manhatan Transfer i con otros tan detestables musicalmente como Julio Iglesias, Eddie Murphy o Eurythmics. Su vida ha sido muy activa a nivel político y en defensa de los derechos de la raza negra. Ha colaborado en diversas campañas benéficas (recordamos “We are the World”) y de concienciación popular (“Ebony and Ivory” con Paul McCarney) y ha apoyado a varios a la presidencia de los EEUU, siempre del ala demócrata. Sin ir más lejos fue muy activo en la reciente campaña para la elección de Barack Obama, uno de sus más famosos admiradores.


Music of My Mind (1972) es, en nuestra opinión, el primer trabajo que nos muestra la enorme capacidad de Wonder. Su disco previo “Where I’m coming From”, editado el año anterior, ya era integramente suyo pero aún no contenía temas de un gran calado musical. Music of My Mind no es su mejor larga duración, pero cuenta con muchos detalles que vale la pena destacar. De entrada incluye la que creémos es su primera gran composición, Superwoman-Where Were You When I Needed You, inspirada en el fracaso de la relación sentimental que mantuvo con la cantante Syreeta Wright. Pero es que además el disco está trufado de algunos grandes temas entre los cuales nos apetece de forma especial destacar la preciosa I Love Every Little Thing About You, una pieza que ayuda a definir el estilo Wonder, o la revolucionaria Seems So Long, una composición que anticipa algunos ingredientes de aquello que 10 años después se denominaría acid jazz, un estilo que es parte de la música de la mente de este prodigioso artista, sin duda uno de los compositores más interesantes e influyentes del pasado siglo XX.

Esperamos que os guste.

Link en Comentarios. Click Read More.

TRACKS

1-Love Having You Around Wonder, Wright
2-Superwoman (Where Were You When I Needed You) Wonder
3-I Love Every Little Thing About You Wonder
4-Sweet Little Girl Wonder
5-Happier Than the Morning Sun Wonder
6-Girl Blue Wonder, Wright
7-Seems So Long Wonder
8-Keep on Runnin' Wonder
9-Evil Wonder, Wright

CREDITS

Stevie Wonder Harmonica, Keyboards, Vocals, Producer
Art Baron Trombone Malcolm Cecil Moog Synthesizer, Engineer, Associate Producer Howard "Buzz" Feiten Guitar Robert Margouleff Moog Synthesizer, Engineer, Associate Producer

Jazzy

"Sólo Piano" (1990) del gran pianista argentino Jorge Dalto.

"Con su presencia era imposible pasar desapercibido, con su tapado que le llegaba hasta los pies, solo podía verse su rostro. Ojos oscuros como la noche y pequeña barba que rodeaba su boca hasta confundirse con sus bigotes. Debajo de la boina se podía ver su pelo lacio, negro y muy fino. Sus manos eran delgadas y sus dedos largos, eran manos de pianista". Así definía el Boletin de Roque Pérez al extraordinario Jorge Dalto, ilustre ciudadano del lugar además de uno de los más importantes pianistas de los últimos 40 años. Estás palabras fueron escritas cuando se celebraba el 10 aniversacio de su muerte que, para desgracía del mundo de la música, se produjo en el año 1987 tras sufrir una larga y penosa enfermedad. Dalto siguió tocando hasta que sus dedos ya no les respondían, esos dedos que al deslizarse por su inseparable piano conseguían que el mundo fuera un poquito más interesante.



Dalto nació el 8 de julio de 1948. Su madre, Porota, era fanática de la opera mientras que su padre, Lelo, era bandoneonista y tanguero. Es obvio que su vida estuvo desde el principio completamente rodeada de música. Su primera incursión en ese terreno se produce muy pronto, cuando siendo tan sólo un niño sus padres le ofrecen la oportunidad de estudiar violín de la mano de la educadora Rosita Tagliafico, pero al poco decide inclinarse por el que será uno de los grandes amores de su vida, el piano, recibiendo clases de Angela Luders.

En el año 1958 su familia decide emigrar a Buenos Aires donde Dalto sigue recibiendo formación. Al poco, con sólo 15 años empieza a actuar por los night clubs de la capital argentina donde comienza a familiarizarse con las tablas. Pasará 7 años tocando, aprendiendo y absorviendo todos los estilos musicales posibles, desde la clásica hasta la salsa, pasando por el jazz y por los ritmos de Brasil. Al cabo de ese tiempo su bagaje era ya tan amplio que toma la decisión de trasladarse a Estados Unidos dejando a sus padres, a su hermano Juan Carlos y a su adorada abuela Emilia en Buenos Aires, una decisión difícil para una persona tan familiar como Dalto.

Chicago será su primer destino para unirse a un quinteto de música latina. Al poco fundará el Sexteto Interamericano y dos años después y con su mochila musical repleta de experiencia decide desembarcar en la capital mundial de la música, New York.

New York era un auténtico hervidero de creatividad durante los años 70s y 80s como demuestra este excelente documento de Orlando Godoy titulado "Welcome to the Best". Mientras escuchamos la deliciosa "I Told You So" de George Cables interpretada por el Dexter Gordon Quartet, el montaje nos muestra imágenes de algunos de los músicos más importantes a los que podías escuchar a diario en la ciudad. Aparecen Paquito D'Rivera, Chico Freeman, Benny Carter, Hilton Ruiz, McCoy Tyner, Dave Valentin, entre muchos otros. En el minuto 4:41 encontrarás una de las últimas imágenes de Jorge Dalto, ya visiblemente afectado por el tratamiento médico al que estaba siendo sometido a raiz de su enfermedad. Absolutamente conmovedor.


Pronto comienza a contactar con grupos de jazz latino como los de Tito Puente y la orquesta de Machito. En 1975 se presenta con Dizzy Gillespie en su "Dizzy Gillespie's Afro-Cuban Moods". Poco después, se convierte en miembro del grupo de su compatriota Gato Barbieri y se involucra en el movimiento del jazz fusion, que en esas épocas estaba en pleno apogeo, apareciendo en álbumes con artistas como Flora Purim, Spyro Gyra, Paquito D'Rivera, Djavan, Eddie Daniels, Carmen McRae o Rubén Blades. Fue en esa época cuando comenzó a grabar sus primeros trabajos en solitario, como "Chevere" (1977) o "Listen Up" (1978). Este último no será editado hasta casi una década después, tras la muerte de Dalto, en 1987.


Durante los 80s fue el líder de la Interamerican Band en la cual participaba su esposa Adela como vocalista. También fue el pianista y arreglista de The Latin Jazz Percussion Ensemble junto a Tito Puente, Carlos 'Patato' Valdés y el violinista Alfredo De La Fé. En esos años participó en varios excelentes discos como pianista y arreglista, siempre con un gran elenco de estrellas como en el caso de los realizados con su banda Super Friends que incluía auténticos maestros como el saxofonista David Sanborn, los guitarristas George Benson y Eric Gale o los drummers Steve Gadd y Buddy Williams. Con ellos grabó el extraordinario "Rendezvous", lanzado en el año 1983.

No es la primera vez que ponemos este tremendo sólo de Dalto junto a Ray Barretto. Tampoco vamos a prometer que sea la última. Delicioso.


En mayo de ese mismo año Jorge Dalto hace un viaje a argentina donde grabará un precioso disco que será editado exclusivamente en dos cassettes con el nombre "Jorge Dalto Sólo Piano vol. 1 y 2". 7 años después, Litto Nebbia, un emblemático músico y productor argentino decidió sacarlo a la venta de nuevo, esta vez en CD, a través de la discográfica Melopea Discos. Nebbia supo entender que la música de Dalto era un regalo, aunque su mercado fuera escaso incluso en su propio país y con el permiso de Adela, mujer de Dalto, y de Juan Carlos, su hermano, editó en una grabación que se nos antoja un documento de primera magnitud y que nos hace mucha ilusión difundir a través de Música para Gatos, especialmente teniendo en cuenta que actualmente el disco está descatalogado y es, por tanto, muy difícil de conseguir.

En "Sólo Piano", Jorge Dalto va desgranando uno a uno todos los géneros musicales que le interesan, desde el jazz hasta la samba, pasando por el funk, el latin, el fusion y el tango. Abre la grabación una preciosa improvisación de mas de 15 minutos en torno a su viaje a Buenos Aires. Le siguen un par de temas compuestos por el pianista , incluídos en su "Rendezvous", grabado ese mismo año con su banda Superfriends, "Like a Whisper" y "Hotel Du Globe" para pasar de forma inmediata a una extraordinaria versión de "Adios Nonino" de Astor Piazzola. Pero eso no es todo amigos ya que sin tiempo para pestañear se marca una brillante y precisa versión de "Giant Steps" de Coltrane como quién se toma unas galletas. El siguiente track es "This Mascarade" de Leon Rusell, probablemente uno de los sólos más trascendentes de la carrera de Dalto ya que le procuró un Grammy y ayudó a consolidar una de las grandes grabaciones de la historia del jazz contemporáneo, "Breezin'" de su amigo y colaborador George Benson.

"Affirmation" junto a su amigo George Benson. La mirada de Benson en el sólo de Dalto lo dice todo.


Tres temas más para acabar, un homenaje al pianista puertoriqueño Noro Morales con la interpretación de su composición "A Maria Cervantes" y dos originales de Dalto, a saber "Niños" con clara vocación clásica y "Todo el día sambando", según el mismo comenta una mezcla de samba "americanizada" y funk que ya había sido incluída en su disco de 1978, "Listen Up" como "Samba All Day Long", pero que como hemos mencionado antes, no había sido editada en esa fecha.

Como su nombre indica, en "Sólo Piano" Dalto no dispone de ningún tipo de acompañamiento. Otra novedad del disco es que nos permite escuchar su voz presentando 5 de los temas y marcándose alguna divertida anécdota como la que hace referencia al origen de su "Hotel Du Globe" compuesto tras una juerga en Paris en la que celebró su cumpleaños mientras se encontraba de gira con la Latin Jazz Percusión Ensemble, junto a su buen amigo Carlos 'Patato' Valdés.

En 1985 grabó "Urban Oasis", con su Interamerican Band, una excelente sesión que enfatizaba sus fuertes raíces latinas y su impresionante dominio del género. Podéis encontrar este trabajo en Música para Gatos. Ese mismo año grabó también "New York Nightline" (con sus Superfriends), un excelente trabajo que ha permanecido en un cajón hasta hace poco.
Como sucede casi siempre tras su muerte en el año 1987 su reconocimiento como un excelente pianista empezó a crecer y no ha parado de hacerlo desde entonces. Pero Dalto ya no estaba entre nosotros para recoger los frutos de su impresionante trabajo. Una auténtica pena.

Dalto con Tito Puente, Patato Valdés, Alfredo de la Fe y Mike Viñas en el Festival de Jazz de Montreux.


Como comentaba el Boletín de Roque Pérez con el cual comenzábamos esta nota, "de pie al nombrarlo, silencio al escucharlo, a un grande que nunca olvidó su origen, pero su pueblo se olvido de él. Jorge Dalto, un genio de la música, un hombre que hacía que su piano hablara, que llevó sus ritmos salseros, su jazz y su origen por donde fuera. Jorge Dalto, un hombre que quizás se parezca a muchos, que la peleó de pequeño, que se jugó su última moneda al apostar por lo que más amaba, que se enfrentó a todo y a todos peleándola por mostrar lo que sabía hacer, y vaya que lo sabía y que lo logró. Vaya que fue un ejemplo de perseverancia y vocación".

Music Playlist at MixPod.com

Sirva la publicación de su único trabajo en solitario como modesto homenaje. Descanse en paz Jorge Dalto.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Impresiones de mi viaje a Bs. As. Dalto
2-Like a Whisper Dalto
3-Hotel Du Globe Dalto
4-Adiós Nonino Piazzola
5-Giant Steps Coltrane
6-This Masquerade Russell
7-A Maria Cervantes Morales
8-Niños Dalto
9-Todo el día Sambando Dalto

CREDITS

Jorge Dalto Piano

Jazzy