"Taurus" (1981) de la pianista, vocalista y compositora brasileña Tania Maria.

Tania Maria Correa Reis, más conocida como Tania Maria, es una pianista y vocalista de jazz, latin, samba y bossa nova nacida en Sao Luis, una ciudad ubicada al nordeste de Brasil. Hija de un siderúrgico aficionado a la música, Tania Maria aprendió a tocar el piano a la edad de 7 años. Pronto montó su propio grupo con su padre, guitarrista aficionado y sus cuatro hermanas. Tania empezó a destacar poderosamente y a los 13 años se convirtió en el lider de su propia banda, empezando a acaparar elogios por parte de los medios locales.

Publicó su primer disco en 1969. Se llamaba "Apresentamos" y lo hizó mientras cursaba estudios de derecho. Pero estaba claro que Tania Maria había nacido para la música y en ese afán decidió abandonar su carrera como letrada pera dedicarse de pleno a ella.

Preciosa versión de Come With Me, tema que da título a su trabajo del año 1982.


En 1971 grabó su segundo disco, "Olha quem chega", una colección de temas de algunos grandes artistas brasileños como Vinicius De Moraes y Toquinho, Ivan Lins o Raul De Souza, pero que no incluía ni una sola composición de la pianista y vocalista carioca. El título no podía ser más premonitorio y aunque tan sólo disfrutó de una cierta difusión en su Brasil natal, quedaba claro que acababa de nacer una estrella. Tras dos incursiones más en formación de trio junto a una banda que se llamó Via Brasil, compuesta por Tania Maria al piano y voz, Helio al bajo y Boto a la bateria, llegaría su primer trabajo importante, "Brazil With My Soul".

Después de esta grabación y tras varios tours internacionales Tania Maria se estableció en Paris. Fue curiosamente durante un concierto que ofreció a finales de los 70s en Australia donde el gran guitarrista americano, Charlie Byrd se fijó en ella. Byrd no dudó en recomendarsela a Carl Jefferson, uno de los fundadores del sello Concorde, que rapidamente le realizó una oferta en firme. Comenzaba aquí el éxito internacional de esta brillante artista, capaz de devorar en directo a cualquier audiencia con su arrolladora personalidad y comenzaba también su etapa más interesante y creativa. El primero de los cinco discos grabados para la discográfica de Jefferson sería Piquant (1980), del cual ya dimos cuenta en este espacio. Al año siguiente llegaría Taurus, un trabajo que, además de revelarnos el signo zodiacal de la pianista, nos da algún dato más sobre su característico estilo. Taurus es, probablemente, uno de los discos más populares de Tania Maria.
El trabajo nos regala dos versiones de sendos temas clásicos del rock y del jazz respectivamente; una bonita réplica del Imagine de Lennon, en nuestra opinión muy superior a la original del Beatle, y Cry Me A River, un tema escrito en 1953 por Arthur Hamilton para la diva Ella Fitzerald pero que popularizara Julie London en 1955. El resto, originales de Tania Maria que circulan sin problemas entre el jazz de Tranquility y la samba de Bandeira Do Lero o Eruption.

Taurus es Tania Maria en estado puro, como lo fue su precedente Piquant, y como lo serían también sus tres siguientes propuestas; "Come With Me" (1982) (otro de sus discos más populares), Love Explossion (1983) y el extraordinario directo The Wild! del que ya hablamos en un post del pasado 23 de diciembre.

Samba-jazz, bossa-jazz, latin jazz o simplemente jazz en alguna de sus infinitas adscripciones, además de los muy originales e interesantes vocales de una mujer con una forma de cantar llena de pasión, contagiosa alegría y con un poderosísimo scat que ya quisieran para ellos algunos de los más afamados vocalistas.

El clásico Mais que Nada , interpretado por la banda de Tania Maria en Tilburg.

Su último trabajo hasta la fecha fue Intimidade, editado en el año 2005.

Esperamos que os guste.

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Tranquility, uno de los mejores temas del trabajo de Tania Maria, Taurus.

TRACKS

1-Tranquility Tania Maria
2-Imagine Lennon
3-Bandeira Do Lero Tania Maria
4-Two A.M. Tania Maria
5-Que Vengan los Toros Tania Maria
6-Cry Me a River Hamilton
7-Eruption Tania Maria



CREDITS

Tania Maria Piano, Keys, Vocals, Composer
Willie Colon Percussion, Conga

Eddie Durán Guitar
Rob Fisher Bass
Vince Lateano Drums

Jazzy

"Up Late" (1988) del guitarrista californiano Jeff Linsky.

Nacido al Sur de California en el año 1952, Jeff Linsky comenzó a tocar la guitarra a la edad de diez años. Su pasión por la música y por su instrumento en particular fue evidente de inmediato. Tocaba todo lo que oía, desde la música popular que escuchaba en la radio hasta sus propias interpretaciones de sinfonías de artistas clásicos. Tocaba al oir sus discos y mientras veía la televisión e incluso tenía su guitarra con él en la mesa de la cena. Su pasión y la habilidad que había adquirido a través de esos años no pasó inadvertida, aunque como siempre la suerte jugó un papel fundamental.

Un buen día, el propietario de la tienda de discos que frecuentaba Linsky, el guitarrista y escritor Gene Leis, se interesó por las habilidades de Jeff y presentó al joven a muchos de los guitarristas de estudio más importantes de Los Ángeles, entre ellos a Laurindo Almeida, Johnny DeRose, Ron Anthony, Jimmy Stewart, Vicente Gómez y Joe Pass. Pasar tiempo con estos músicos consumados fue altamente educativo para Linsky. Fue entonces cuando decidió comenzar a estudiar música ya que hasta esa fecha había sido autodidacta y para ello escogió a dos maestros; el virtuoso de la guitarra española Vicente Gómez y el mestro de jazz Joe Pass.

A los 17 años, Jeff ya estaba de gira profesionalmente y tan sólo un par de años después, con 19 se inclinó por el jazz. Siempre deseoso de experimentar diferentes las culturas e influencias musicales, conoció y compartió horas de aprendizaje con una enorme variedad de artistas , desde Markus Reinhardt ( violinista gitano sobrino de Django) hasta el maestro hawaiano del ukelele, Ohta-San. Su cada vez más elevada competencia técnica y su extrema habilidad en el difícil arte de la improvisación le permitió compartir escenarios con muchos de los grandes, incluyendo la leyenda del jazz Jim Hall y en el maestro brasileño Carlos Barbosa-Lima.

Pacífica, un precioso tema incluído en su disco de 1996 "California".


En 1988 firmó con Concorde y lanzó su primer trabajo como lider, "Up Late" , el disco que hemos decidido compartir hoy en el tejado. De esa grabación la revista Jazzscene comentó ; "Si, por alguna insondable razón el latin jazz aún no ha entrado en tu sangre ni tocado tú alma este es el álbum que te hará cambiar de opinión! ". De hecho Up Late está dedicado a los músicos latinos que le han emocionado especialmente, entre los que incluye a Monty Alexander, Laurindo Almeida, Carlos Barbosa Lima, Charlie Byrd, Tania Maria, Tito Puente, Poncho Sánchez, Mongo Santamaria, Carl Tjader y a Jorge Dalto. No está nada mal la selección de Linsky, nada mal.
Up Late contiene sonidos latinos y además está impregnado de un ritmo de bossa nova que se hace patente en muchos de los temas compuestos por el guitarrista, como el precioso "Lanikai" (el nombre de la playa hawaiana favorita de Linsky) o en "Carlos" (dedicada a su amigo y maestro Carlos Barbosa Lima) , pero también en sus brillantes homenajes, como el que le hace al maestro Jobim con su versión de Wave o al también guitarrista Baden Powell, recreando su tema más conocido, Berimbau.

Jeff siguió componiendo jazz latino en su siguiente proyecto, "Simpatico" , que incluía entre sus músicos al bateria peruano Alex Acuña y a Alfonso Johnson en el bajo, dos ex miembros de los Weather Report, y haría lo propio en todos y cada uno de los discos que componen su ya extensa carrera. Os recomendamos repaseis su discografía en el link situado un poco más abajo.

Durante las tres últimas tres décadas Jeff Linsky se ha presentado en salas de concierto de todo el mundo y ha grabado excelentes trabajos. Con su repertorio infinito, sus maravillosas dotes de improvisación y su cálida presencia en el escenario ha conseguido cautivar a un público muy variado y la diversidad de sus trabajos también ha contribuído a ello. Además su guitarra aparece en numerosas grabaciones para otros músicos y compositores y también en varios álbumes de compilación para Concord Jazz. Jeff también ha escrito para cine y televisión, especialmente en los EE.UU.

Comentar también que durante varios años, su composición "Monterey" (incluída en Up Late) fue el tema de presentación del Festival de Jazz de Monterrey. Además ha tenido tiempo para ofrecer clinics y clases magistrales en algunas de las más importantes escuelas de música en todo el planeta.

Discografía Jeff Linsky

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Up Late Linsky
2-Besame Mucho Skylar, Velazquez
3-I Didn't Know What Time It Was Hart, Rodgers
4-Lanikai Linsky
5-Wave Jobim
6-Carlos Linsky
7-Hermosa Linsky
8-Berimbau DeMoraes, Gilbert, Powell
9-Monterey Linsky
10-Armony Linsky

CREDITS

Jeff Linsky Guitar, Producer, Requinto
Luis Conte, Gary Cardile, Chris Trujillo Percussion
Steve Kujala Flute
John Leitham Bass

Jazzy

Al Jarreau hospitalizado en el sur de Francia. El cantante sufrió una crisis respiratoria antes de un concierto.

El extraordinario vocalista y compositor Al Jarreau se encuentra bajo cuidados intensivos en un hospital de Francia tras sufrir problemas respiratorios en los Alpes, cosa que le obligó a cancelar cuatro de los conciertos previstos en su gira.

El manager del cantante de 70 años, Joe Gordon, dijo que éste "está despierto y preocupado por las cancelaciones. Al parecer para alegrarlo un poco, los médicos hicieron un pequeño baile para él". Y prosiguió, "En toda su carrera sólo ha cancelado un concierto por razones de salud". Pero, agregó que "estuvo en riesgo su vida" y que "está bien, teniendo eso en cuenta".

Por las informaciones publicadas Jarreau se vió obligado a cancelar el concierto del pasado jueves en el festival de jazz en la ciudad de Barcelonnette, en el sur de los Alpes, mientras se encontraba haciendo su rutina de calentamiento. "Cancelamos el concierto como precaución porque Al no se sentía bien", explicó Gordon. Al parecer Jarreau fue evacuado en helicóptero poco antes de la hora a la que iba a comenzar el espectáculo e inmediatamente ingresado en la unidad de cuidados intensivos del hospital de la ciudad de Gap. "Los médicos le recomendaron que no cantara para darle tiempo de recuperarse", dijo Marshall Arts Ltd., agencia británica que lo representa, en un comunicado.

Una nota en la web del músico comenta que el cantante estaba "de buen ánimo" y "deseoso de retomar su gira". Añade que aún planea presentarse en Nuremberg, Alemania, el próximo jueves, como está previsto.

El cantante estaba consciente y respirando sin asistencia el viernes pero seguía bajo cuidados intensivos, recibiendo tratamiento, dijo Maurice Marchetti, subdirector del hospital. Marchetti comentó también que los médicos no estaban seguros de lo qué le sucedió, pero creen que la fatiga, así como la altitud, habrían afectado a su salud. Jarreau se encontraba realizando una prolongada gira por Europa, Japón y Estados Unidos.

Desde aquí le deseamos una pronta recuperación.

Fuente: http://www.elnuevoherald.com/2010/07/23/770756/hospitalizado-en-francia-el-cantante.html#ixzz0uaP5DHWl

Jazzy

"Paradise" (1979) de Grover Washington Jr. Fusion de calidad en uno de los trabajos malditos del saxofonista de Buffallo.

Grover Washington Jr. nació en Buffalo (NY) el 12 de diciembre de 1943. Su madre era corista en una iglesia mientras que su padre era saxofonista y coleccionista de discos de jazz. La música en su casa estaba por todas partes y el pequeño Grover creció mientras escuchaba a maestros como Benny Goodman o Fletcher Henderson. Con ocho años comenzó a tocar un pequeño saxofón que le regalo su padre y eso le permitió empezar a conocer a la comunidad de músicos de su Buffalo natal. El propio Washington confesaba en una entrevista que le realizó la Enciclopedía de Pop, Rock & Soul, "Nuestra familia viene de un 'gheto' pero a pesar de eso y de la dura climatología en Buffalo se respiraba una impresionante atmósfera creativa".



Come Mornin', el tema que da título a su disco del año 1982. Le acompañan Richard Tee (keys), Ralph MacDonald (perc), Paul Griffin (synth), Eric Gale (g), Anthony Jackson (b)y Steve Gadd (ds), una formación de auténtico lujo.

Fue poco después cuando empezó a tocar en una banda de rhythm & blues. "Tocaba cada noche hasta las tres de la madrugada y a las ocho menos cuarto de la mañana comenzaba las clases de música en el conservatorio. Fue una étapa en la que aprendí mucho, pero resultó agotador". Al acabar sus estudios, Washington abandonó Buffalo y tocó por un corto período con un grupo llamado Four Clefs hasta incorporarse a la Armada Americana en 1965 justo en el momento en el que estallaba el conflicto con Vietnam. Fue allí donde conoció a otro de los pioneros de la fusión jazzística, el extraordinario batería Billy Cobham. Cuando Washington ya se había hecho a la idea de le enviarían al sudeste asiático ganó un premio tocando con la 19th Army Band y ese detallé permitió que fuera destinado a New Jersey donde se las arregló para seguir construyendo su carrera musical. En 1967, recién casado y acabado su compromiso con la patria Washington empezó a trabajar para un distribuidor de discos de Philadelphia a la par que ganaba reconocimiento por su habilidad con el saxo barítono.



Fue en 1971 cuando recibió la llamada del fundador de CTI Records, el productor Creed Taylor para una substitución de última hora. Creed tenía que cubrir la ausencia de Hank Crawford para una grabación. Washington impresionó tanto a Taylor que este decidió producir su primera trabajo, nada menos que el aclamado "Inner City Blues". El disco vendió cientos de miles de copias y contribuyó de forma esencial a la aparición de la nueva etiqueta fusion-jazz. Washington aún recuerda como trabajando en la distribuidora de discos tuvo que descargar cajas con centenares de copias de su primer trabajo.

El sofisticado sonido desarrollado por Grover a principios de los 70 y el éxito de sus tres siguientes trabajos "All the king's horses" (1972) , "Soul Box" (1973) y especialmente "Mister Magic"(1974) le convirtieron en una estrella, empezando entonces a compartir sesiones de trabajo con gente como Bob James, Randy Weston, Eric Gale o Dave Grusin.

En sus siguientes grabaciones Washington empezó a experimentar con instrumentos y sonidos que normalmente no están muy presentes en las grabaciones de jazz. De ese período es el disco que os ofrecemos hoy, el interesante "Paradise" editado en 1979. "Reed Seed", el disco que le precede, había sido su último trabajo para Kudu / Motown. El saxofonista había estado experimentando con el funk, desde 1971 en su "Inner City Blues", perfeccionándolo más tarde con "Mister Magic" y "Feels So Good" y se encontraba ya preparando su desembarco en la radiofórmula, que comenzaría a estallar ese mismo año con su discreto "Skylarkin'" y que tendría su punto más álgido en 1980 con el superventas "Winelight".

Pero "Paradise" es un magnífico trabajo que mantiene el nivel de experimentación que ya había iniciado en "Reed Seed" y lo cierto es que ambos discos se encuentran entre las grabaciones malditas de este excepcional músico injustamente vapuleado por los críticos de jazz más conservadores, que jamás aceptaron que Grover pretendiera simultanear sus grabaciones de jazz con otras dirigidas a audiencias mayores. Y es que al entorno del jazz siempre le ha resultado difícil aceptar los cambios, algo impropio en una música que tiene la principal virtud de transformarse y reinventarse de forma constante.

"Paradise" es, en nuestra opinión, un trabajo diferente, muy creativo y repleto de ideas que se concretan en temas del calibre de Asia's Theme, Paradise y Icey, por sólo citar tres del total de 6 que componen la grabación. Para aquellos que sólo tengáis en mente los trabajos más comerciales de Grover realizados en los años 80s y 90s, Paradise resultará una auténtica sorpresa y una experiencia única, tanto por su original propuesta musical como por el hecho de ser uno de los pocos discos en los que podréis escuchar al saxofonista tocando la flauta y el piano acústico.



Esperamos que os guste.



Encontraréis link en comentarios.

TRACKS



1-Paradise Blake

2-Icey Vinson, Simmons

3-The Answer in Your Eyes Washington, Steacker

4-Asia's Theme Simmons

5-Shana Washington

6-Tell Me About It Now Washington

7-Feel It Comin' Washington, Steacker





CREDITS



Grover Washington, Jr. All Saxes, Flute, Acoustic Piano (en 6), Producer John Blake Synths, Violin, Keyboards, Vocals Tyrone Brown Bass Millard Vinson Drums Leonard "Doc" Gibbs Percussions, Vocals James 'Sid' Simmons Piano, Piano (Electric), Clavinet Richard Lee Steacker Electric Guitar, Vocals

Jazzy

"Do It Yourself" (1979) de Ian Dury & The Blockheads. 10 años sin Dury.

El pasado 27 de marzo se cumplió el 10º aniversario desde la muerte del músico y actor inglés Ian Dury. Dury es, probablemente, uno de los cantantes y compositores más atípicos de los últimos 40 años y también uno de los más maltratados por la crítica. Sirva esto como minúsculo homenaje a un artista que se hizo a si mismo consiguiendo convertirse en la perfecta encarnación del sueño americano. Eso si, en versión punk.

Ian Robins Dury nació el 12 de mayo de 1942 en la localidad de Upminster, Essex.
En su niñez sufrió la polio, hecho que condicionó enormemente su aspecto físico. Después de terminar en el instituto, estudió arte y mientras daba clases de pintura decidió que dejaba el pincel, por lo menos profesionalmente, para intentar buscarse un hueco en el mundo de la música. Así a comienzos de los años 70 participó en varios proyectos punk-rock, entre ellos Kilburn and The High Roads, con quienes se curtió actuando en vivo en pequeños locales. El grupo llegó a grabar en la discográfica Dawn un LP denominado “Handsome” (1975), producido por Cris Thomas y Hugh Murphy. Gran parte de las composiciones "Handsome" estaban escritas por la pareja formada por Ian Dury y Russell Hardy.

En 1975 los High Roads se separaron y Dury comenzó a grabar con Stiff Records en plena explosión punk en el Reino Unido. Su primer álbum como Ian Dury fue “New Boots and Panties!” (1977), un disco ecléctico y simpático (la ironía de Dury es realmente admirable) que se convirtió en un gran éxito en Inglaterra gracias a temas como “Sweet Gene Vincent” o “Wake Up And Make Love To Me”, cortes escritos por Dury junto a habitual colaborador en la composición y ex componente también de Chaz Jankel,Kilburn and The High Roads. Fuera del LP (en reediciones posteriores se añadirían a los discos como bonus tracks) y en formato de single, Dury editó singles como “What a Waste” (número 5 en Inglaterra), el mítico y bailable tema “Sex and drugs and rock’n’roll”, “Hit Me With Your Rhythm Stick”, canción que llegó al número 1 en Gran Bretaña, o “Reasons To Be Cheerful (Part 3)", un tema que ya entra en terrenos ajenos al rock y más cercanos al funk de los 70s. No es extraño ya que Dury siempre fue un gran aficionado al jazz y sus derivados aunque su voz condicionó el estilo de sus bandas. Y es que la voz de Ian era más propia de un cantante de rock duro y además su aspecto sintonizaba a la perfección con el nuevo movimiento punk que estaba reportando a las discográficas grandes beneficios.

Directo de Ian Dury and the Blockheads interpretando Hit Me With Your Rhythm Stick. En el videoclip original del tema todos vestían de rigurosa etiqueta, un detalle más de la incontenible ironía que destilaba la banda de Dury y Jankel.




Dos años después de “New boots and panties!” llegaría “Do it yourself” (1979), el segundo disco grande de Dury y que ya acreditaba en portada a su banda de compañamiento, The Blockheads, compuesta en principio por Jankel, el bajista Norman Watt-Roy, el batería Charlie Charles, el teclista Mick Gallagher y el guitarra John Turnbull. Más tarde se unió al grupo el saxofonista Davey Payne (muy conocido por su sólo a dos saxos en "Hit Me With Your Rhythm Stick"). El álbum, en nuestra opinión el mejor de su carrera, mostraba tendencias funk e incluía piezas como “Inbetweenies”, “Don’t Ask Me” o “Waiting for your Taxi” que llegaron a ser muy populares en la época.

Tras este trabajo y antes de ponerse a grabar el siguiente se produjo una baja que sería trascendental para el futuro del grupo. Jankel decidió intentarlo en solitario. Su sustituto fue Wilko Johnson, el guitarrista de los Dr. Feelgood.

Después de “Laughter” (1980), disco que contenía el single “Superman’s Big Sister”, Ian Dury terminó con sus grabaciones en Stiff y también con lo mejor de su carrera musical. Fichó por Polydor y sin los Blockheads grabó “Lord Upminster” (1981), disco poco meritorio producido por Robbie Shakespeare y Sly Dunbar que incluía temas como “Spasticus Autisticus” o “The Body Song”. El mal recibimiento de este trabajo calmó sus ansias musicales y tardaría tres años tardó en retornar a las tiendas de discos. Durante ese período volcó su talento principalmente en el mundo de la interpretación.

Cuatro años más tarde, en 1984, apareció en el mercado “4000 Weeks Holiday” (1984) pero tampoco consiguió recuperar al Dury de sus primeras grabaciones. A partir de entonces decidió volcarse en la interpretación apareciendo en diversas producciones como “Piratas” (1986), “Rocinante” (1987), “Corazones de fuego” (1987) o “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante” (1989). También dedicó su tiempo a componer música para cine y televisión.

Video original de Reasons to be Cheerful (part 3). Funky al puro estilo Dury.


Con “The Bus Driver’s Prayer & Other Stories” (1992) volvió al mundo de la música en la década de los 90. Poco después de la aparición de este disco se le confirmó el padecimiento de una grave enfermedad, un cáncer de colon, hecho que no le impidió seguir participando en el cine, interviniendo en títulos como “El juez Dredd” (1995) o “El Cuervo: Ciudad de ángeles” (1996).

En 1998 se reunió de nuevo con lo Blockheads para grabar su último LP, “Mr. Love Pants” (1998). Dos años después, el 27 de marzo del año 2000, Ian Dury fallecía a la pronta edad de 57 años. La música perdía a un hombre atípico, que supo construirse una imagen de éxito a pesar de sus carencias físicas y que fue capaz de aplicar su enorme creatividad en campos tan diferentes como la música, la pintora o el cine.

Desde esta web fundamentalmente dedicada al jazz y sus derivados hemos querido hacer un pequeño homenaje al que creémos que fue uno de los artistas más infravalorados de todos los tiempos. Dury adquirió una enorme popularidad en los años 70s pero su estilo, su voz y su puesta en escena consiguieron convencer a los críticos y al público de que su música era de escasa calidad algo que no compartimos en absoluto y que queremos certificar con la publicación del que en nuestra opinión es su mejor trabajo, Do It Yorself (1979), un extraordinario larga duración con temas tan interesantes como Inbetweenies, Quiet, This Is What We Find y, especialmente, Dance of the Screamers, uno de las canciones más salvajemente funkys que un servidor ha tenido la oportunidad de escuchar jamás.

Dance of the Screamers.


Descanse en paz Ian Robins Dury.

Esperamos que os guste. Link en comentarios.

TRACKS

1-Inbetweenies Dury, Jankel
2-Quiet Dury, Jankel
3-Don't Ask Me Dury, Jankel
4-Sink My Boats Dury, Jankel
5-Waiting for Your Taxi Dury, Jankel
6-This Is What We Find Dury, Gallagher
7-Uneasy Sunny Day Hoysy Totsy Dury, Turnbull
8-Mischief Dury, Jankel
9-Dance of the Screamers Dury, Jankel
10-Lullaby for Francies Dury, Jankel

CREDITS

Ian Dury Vocals, Composer
Chaz Jankel Guitar, Drums, Keyboards, Composer, Musical Director
Geoff Castle Moog Bass Charlie Charles Drums Mick Gallagher Keyboards
Davey Payne Saxophone Edward "Ted" Speight Guitar John Turnbull Guitar Norman Watt-Roy Bass Ian Horne, Chris Warwick Sounds

Jazzy

Videos Memorables: "Here Comes The Sun" de George Harrison interpretada por George Benson. El poder de una banda mítica.

Una banda absolutamente mítica.

La mejor banda del guitarrista George Benson nos regala esta personal y brillante versión de Here Comes the Sun que supera claramente el original de George Harrison. Además nos permite apreciar la tremenda importancia del argentino Jorge Dalto en el sonido de la formación de George Benson de finales de los 70s. Dalto se encarga de la introducción de piano y de las cuerdas y es el que aporta aquella textura que provoca que al oir el tema digas de forma inmediata; "este es Benson". El sonido creó escuela y Benson, uno de los grandes guitarristas de la historia del jazz, adquirió una popularidad inmediata que le iba a acompañar hasta la actualidad. Menos quedó para Dalto, Mason, Banks y Foster, especialmente para el primero que como sabéis los aficionados a esta web falleció en el año 1987 tras una penosa enfermedad. Tenía sólo 39 años pero había dejado una herencia musical prácticamente imposible de calcular.

La popularidad, como casi siempre, se fue hacía un lugar equivocado o, cuando menos, no se repartió de forma justa. No queremos decir que Benson no fuera también responsable directo de ese fantástico sonido pero fue Jorge Dalto, como director musical y arreglista, quien había apoyado a Benson ante el productor, nada menos que Tommy Lipuma, para que This Masquerade fuera un tema cantado cumpliendo de esta forma el sueño de la infancia del guitarrista. Benson ya había ejercido de vocalista en varias de sus anteriores grabaciones pero This Masquerade , un tema de Leon Russell adaptado por Dalto para la banda, fue su primer éxito rotundo y además le reportó su primer Grammy. Y Breezin', el trabajo que lo contiene, sigue siendo uno de los discos más vendidos de la historia del jazz y también uno de los mejores trabajos del guitarrista, probablemente tan sólo superado por el extraordinario directo Weekend in L.A. que también contaba con la presencia de Dalto, Mason, Banks y Foster además del percusionista Ralph McDonald y del guitarrista Phil Upchurch. Vosotros juzgáis.

Aquí podéis escuchar This Masquerade, que contiene uno de los sólos más conocidos de Dalto.



Esperamos que os guste.

Jazzy

Videos Memorables: "Take Five" interpretada por Al Jarreau desde su gira del año 1977.

En el año 1977 y tras dos exitosas s grabaciones, We Got By (1975) y Glow (1976), Al Jarreau, en nuestra opinión el mejor vocalista masculino de jazz de los últimos 40 años, se decidió a hacer su primera gira internacional. Teniendo en cuenta que sus trabajos habían tenido una resonancia especial en Europa, Jarreau comenzó una serie de conciertos por el viejo continente. Alemania era para el una plaza importante ya que fue en el país germano donde recibió su primer premio importante, un Grammy alemán al mejor album por We Got By, su trabajo de presentación.

La gira fue un éxito y dio pie a la grabación del primer disco en directo del artista, un extraordinario doble que se llamaría Look to the Rainbow. En él podemos encontrar un buen puñado de clásicos de Jarreau, como You Don't See Me, Could You Believe o Burst In With The Dawn (interpretada también por la gran Carmen McRae) pero también algunas composiciones de otros músicos como Rainbow In Your Eyes de Leon Russell, Better than Anything de Wheat y Loughborough y Take Five de Paul Desmond, el tema que os acercamos hoy en nuestros vídeos memorables.

Un Jarreau aún al principio de su carrera (en el vídeo tiene 37 años) nos da una auténtica clase de lo que debe ser un vocalista; cálido, expresivo, inteligente y con un absoluto dominio de su voz y del micrófono. Un clip que fue emitido por la televisión alemana y que un alma caritativa ha decidido colgar en Youtube para nuestro disfrute. Absolutamente alucinante.



Os recomendamos repaséis también las versiones que en este mismo concierto hizo de sus temas Susan's Song (dedicada a su mujer Susan Jarreau) , Letter Perfect y del clásico de Count Basie, Shiny Stockins. Todas ellas son fácilmente localizables en Youtube y estamos seguros de que te alegrarán el día si te gusta el buen jazz.

Jazzy