"Larry Carlton" (1978) de Larry Carlton

Larry Carlton nace un 2 de marzo del 1948 en Torrance, California. Cogió su primera guitarra cuando tenía 6 años y descubrió el jazz en el instituto escuchando a The Gerald Wilson Big Band y sobretodo a Joe Pass. Fue entonces cuando comenzó a interesarse por artistas que iban a ser sus principales influencias, entre los cuales destacan Barney Kessel, Wes Montgomery y B.B. King. También John Coltrane fue primordial. De hecho Carlton pasó largas horas escuchando su disco "Ballads" de 1962.

En 1968 grabó su primer trabajo en solitario que se llamaría "With a little Help From My Friends" y que tuvo una entusiasta acogida por parte de público y crítica. Poco después ficharía por The Crusaders con quienes grabaría hasta 13 trabajos hasta el año 1976, contribuyendo incluso con composiciones propias y , sobretodo, con ese suave sonido que conseguía con su guitarra Gibson ES-335. Esa guitarra daría ápodo a Carlton, conocido desde entonces como Mr. 335. Recordar también que el estudio de grabación de Larry Carlton se llamó Room 335, que es además el título de uno de más grandes temas.
Al acabar su relación con The Crusaders, Carlton firmó con Warner Bross Records para quienes grabaría hasta 6 trabajos entre 1977 y 1984 comenzando por "Larry Carlton" (1978), le sigue el directo "Mr. 335: Live in Japan" (1979), "Sleepwalk" (1981), "Strikes Twice" (1981), "Eight Times Up" (1983) y "Friends" (1983). Durante esos años Carlton fue además un solicitadísimo músico de estudio que participó en cientos de grabaciones, algunas de gente tan importante como Steely Dan, Al Jarreau, John Klemmer, Michael Franks, Spyro Gyra, Randy Crawford o Barbra Streisand por citar unos pocos.

Aquí le vemos interpretando su gran éxito Room 335 junto al guitarrista Steve Lukather.


El disco que hemos decidido compartir hoy es justamente el primero de los que grabó para Warner Bross y, en nuestra humilde opinión, uno de sus mejores trabajos.
"Larry Carlton" (1978) contiene temas claves en la discografía del guitarrista, como el mencionado Room 335, el muy cañero Point it Up o Rio Samba. Larry Carlton, además de su poderosa guitarra, los arreglos y la producción, pone su voz a un par de temas ("Where Did You Come From" y "I Apologize") y lo cierto es que el resultado es bastante satisfactorio.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Room 335 Carlton
2-Where Did You Come From Carlton, Mercury, Smith
3-Nite Crawler Carlton
4-Point It Up Carlton
5-Rio Samba Carlton
6-I Apologize Carlton, Mercury, Smith
7-Don't Give It Up Carlton
8-(It Was) Only Yesterday Carlton


CREDITS

Larry Carlton Guitar, Arranger, Vocals, Producer, Engineer
Paulinho Da Costa Percussion
Abraham Laboriel, Sr. Bass
Greg Mathieson Keyboards
Jeff Porcaro Drums
William D. "Smitty" Smith Vocals, Vocals (bckgr), Vocal Arrangement
Gerald Vinci Concert Master

Jazzy

Christmas Box

Dadas las fechas en las cuales nos encontramos y con la intención de haceros un poquito más llevadera la Navidad que se nos viene encima, hemos decidido ofreceros un menú con algunas de las mejores versiones que se han hecho de algunos de los grandes clásicos navideños.

Lo cierto es que Navidad es un buen momento para vender y la música no es ajena a ello. Cada año nos atormentan con algunas versiones llenas de ritmo (o algo así) pero muy difíciles de digerir para estómagos algo más refinados. Hacemos esta breve introducción para resaltar que no resulta nada fácil revolver entre tanto "excremento musical" y encontrar algún tesoro que pueda resultar de interés a las ávidas mentes/oídos de nuestros lectores/oyentes.

Pero creémos sinceramente que lo hemos conseguido, aunque es cierto que no nos ceñiremos estrictamente a los típicos "villancicos", sino que tiraremos también de temas de inspiración navideña, aunque no se hayan convertido en clásicos, probablemente por razones comerciales más que artísticas.

Escucharéis a grandes músicos como Al Jarreau, Will Downing, The Yellowjackets, Michael Franks o Paquito D'Rivera, todos ellos aplicando su propio estilo, sin renunciar en absoluto a su forma de entender la música.

Después de oirlos debo reconocer que la Navidad me gusta un pooquito más que antes. Espero que a vosotros os suceda lo mismo, aunque sólo sea en nombre de la música.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-White Christmas (Irving Berlin). Uno de los temas navideños más recurrentes en esta excelente versión del vocalista Al Jarreau, desde su gran trabajo "Christmas" publicado en el año 2008. Como la mayoría de los temas navideños, "White Christmas" se escuchó por primera vez en una famosa película de 1942 protagonizada por Fred Astaire y Bing Crosby. El título original del film era Holiday Inn. Parece ser que Berlin la compuso durante el rodaje de "Sombrero de Copa" (Top Hat, 1935). La versión de Jarreau está arreglada por Jorge Calandrelli. En ella participan excelentes músicos como Larry Williams (synths, winds) , Chris Walker (bass), Mark Simmons (drums), Phil Ayling (Oboe) y Lenny Castro (percussion). Preciosa.

2-Christmas in Kyoto (Michael Franks). Bonito tema original de Franks y contenido en su "Watching the Snow" publicado en el año 2004.

3-Winter Wonderland (Felix Bernard/Richard B. Smith). Uno de los más antiguos temas navideños, publicado por primera vez en el año 1934. Hemos escogido esta versión editada por los Yellowjackets en su trabajo del año 2003 "Peace Round: A Christmas Celebration".

4-O Come All Ye Faithful. Antiquísimo tema (probablemente data del s XIII) atribuido a John Francis Wade. Evidentemente Jarreau hace una versión absolutamente actualizada. La letra es de Jarreau y los arreglos del propio Jarreau y del bajista Chris Walker.

5-Silent Night (Franz Xaver Gruber). De nuevo los Yellowjackets, en este caso con el típico Silent Night ("Noche de Pazz"). Arreglos de Joe Zawinul y saxo de Bob Mintzer además del piano de Rusell Ferrante y el bajo de Jimmy Haslip. Miles Davis esta citado en los créditos en calidad de "inspirador".

6-Christmas, Love and You (Downing/Rideout/Taylor). Suave tema compuesto originalmente para el trabajo de Will Downing al que da título, "Christmas, Love and You" del año 2004.

7-Have Yourself a Merry Little Christmas (Hugh Martin/Ralph Blane). Tema originalmente compuesto para la banda sonora original de la película musical de 1944 "Meet me in Sant Louis", dirigida por Vincent Minelli y protagonizada por su esposa Judy Garland (padres de Liza). La versión de Jarreau es, sin duda, mi "villancico" favorito. Fantásticos arreglos Clare y Brent Fisher. Desde "Christmas" (2008).

8-Rain on Christmas (Dave Sanborn). Tema originalmente compuesto para su trabajo de 1981 "As We Speak".

9-The Christmas Song (Mel Tormé). Uno de los temas navideños más interpretados. En este caso escogemos una bonita versión incluída en el "Christmas, Love and You" de Will Downing, publicado en el año 2004.

10-The Little Christmas Tree (Mickey Rooney). Un actor compone este precioso tema navideño, muy poco interpretado. Extraído de "Chistmas" (2008) de Al Jarreau, con arreglos del propio Jarreau y de Larry Williams .

11-The Way We Celebrate New Year (M. Franks). Tema originalmente compuesto para su trabajo "Watching the Snow" publicado en el año 2004.

12-Christmas Witout You (P. D'Rivera). Cerramos con este precioso tema de inspiración navideña compuesto por uno de nuestros músicos preferidos, el saxofonista cubano Paquito D'Rivera, probablemente pensando en su hijo Franco. Desde su "Explossion" del año 1986.

Felices Fiestas y un muy musical año 2010.

Jazzy

"The Real Tania Maria: Wild!" (1984) de Tania Maria.

Podéis encontrar más información y música de Tania Maria en nuestros posts "Piquant" (1980) de Tania Maria y "Tania Maria, la diva más desconocida de la música brasileña" publicados en Música para Gatos.

Tras varios tours internacionales, a finales de los 70 la pianista y vocalista brasileña Tania Maria decide establecerse en Paris. Poco después ofrece un recital en Australia. Curiosamente el gran guitarrista americano Charlie Byrd se encontraba entre el público y tras quedar encantado con el espectáculo, no dudó en recomendarsela a Carl Jefferson, uno de los fundadores del sello Concorde, que rapidamente le realizó una oferta en firme. Empieza en este momento el periodo musical más creativo e interesante de esta pianista, vocalista, compositora y arreglista.

Aquí le vemos interpretando "Come with Me", el tema que da título a su trabajo de 1982.



Con Concorde realizó trabajos tan interesantes como "Piquant" (1980), "Taurus" (1981), "Come with me" (1982) y "Love Explossion" (1983) así como el impresionante directo con el descriptivo título "The Real Tania Maria: Wild!", el trabajo que hemos decidido ofreceros hoy.

"The Real Tania Maria: Wild!" fue grabado durante una serie de conciertos que Tania Maria ofreció en septiembre de 1984 en The Great American Music Hall de San Francisco e incluye 7 temas, 6 de Tania Maria y Correa Reis, algunos de ellos clásicos absolutos de la artista como "Yatra- tá" o "Vem P'ra Roda", y una preciosa composición de Delieu O. Mello y Ovido Chaves de nombre "Fiz a Cama Na Varanda".
La música de Tania Maria recoge sus variadas influencias, que van desde las ligeras melodías del pop hasta las más complejas armonías jazzisticas, pasando por los ritmos funk, del soul y de la samba. Sus principales referentes son Oscar Peterson, Bill Evans, Luiz Eça, Sarah Vaughan, Tom Jobin y Milton Nascimento.

Es realmente difícil encontrar una artista con tanta fuerza y dominio del directo como Tania Maria. Como siempre está rodeada por excelentes músicos entre los que destaca el poderosísimo bajo de John Peña, quién en ocasiones recuerda al mejor Marcus Miller. Si no os lo creéis, os recomiendo escuchar el 5ª tema, "Funky Tamborim", una de las piezas más salvajemente funkys que he oído jamás.

En el siguiente clip la veremos interpretando una versión suave de su Funky Tamborim, acompañada de Ed Motta y de un pequeño teclado. Música en directo con mayúsculas.

Esperamos que os guste. Encontraréis el link en comentarios.

TRACKS

1-Yatra-tá. Tania Maria, Correa Reis
2-Fiz a Cama na Varanda. Delieu O. Mello, Ovido Chaves
3-Vem P'ra Roda. Tania Maria, Correa Reis
4-Come with Me. Tania Maria, Correa Reis
5-Funky Tamborim. Tania Maria, Correa Reis
6-2 A.M. Tania Maria, Correa Reis
7-Sangria. Tania Maria, Correa Reis


CREDITS

Tania Maria Acoustic Piano, Electric Piano, Vocals
Dan Carillo Guitar
John Purcell Alto and Soprano Saxophones
Frank Colon Percussion
John Peña Electric Bass
Walfredo Reyes Drums, Timbals

Jazzy

Caleidoscopio: "Spain" (1972) de Chick Corea & Return to Forever.

Como ya sabéis alguno de los que nos seguís habitualmente, en este espacio nos gusta repasar la historia de las canciones. Y lo cierto es que la historia de "Spain" de Chick Corea se empezó a explicar hace ya más de 70 años.

El Concierto de Aranjuez es una composición musical para guitarra y orquesta del compositor español Joaquín Rodrigo. Escrita en 1939, es seguramente el trabajo más conocido de Rodrigo y su éxito establece la reputación de dicho compositor como uno de los principales de la postguerra. Se considera la obra musical española más interpretada en el mundo, y su adagio ha sido versionado en múltiples estilos. Inspirada en los jardines del Palacio Real de Aranjuez, la residencia primaveral del rey Felipe II en la segunda mitad del siglo XVI, la obra intenta transportar al oyente a los sonidos de la naturaleza de otro lugar y otro tiempo.

En 1960 Miles Davis publica su trabajo "Sketches of Spain". En él aparece una alambicada versión, muy propia de Davis, de El Concierto de Aranjuez que sale en los créditos del disco con el nombre original dado por el maestro Rodrigo.



12 años después de la versión de Davis, el pianista y teclista Chick Corea, que estaba a punto de crear una banda histórica llamada Return to Forever se fijó en ella y decidió adaptarla para el primer trabajo del grupo (el segundo en realidad pero el primero en publicarse), "Light as a Feather" grabado en el año 1972 en compañia de algunos grandes músicos como Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira o Flora Purim. Rebautizado como "Spain", el éxito de Corea comenzó a ser adaptado por algunos de los más grandes músicos de la época, como Woody Hermann y Tito Puente. A continuación podéis escuchar la versión que en 1989 hizo Corea en formación de trio con su Akoustic Band, junto a John Patitucci (bass) y Dave Weckl (drums). La versión original de Return to Forever la encontraréis en el link ubicado en comentarios.



En el año 1980 el vocalista de Milwakee, Al Jarreau, decide incluirla en su trabajo "This Time". La pieza incluye unos fantásticos arreglos de Larry Williams, amigo personal y eterno colaborador de Jarreau y el resultado no puede ser más brillante. Con Steve Gadd a la bateria y Abraham Laboriel al bajo, además de Williams en Fender Rhodes y sintetizadores y la voz y letra de Jarreau, la versión, en nuestra humilde opinión, supera con mucho el original de Corea.



Esa pieza fue interpretada por Al Jarreau en el año 1990 durante el transcurso de North Sea Jazz Festival con la intervención de Gadd y de otros viejos conocidos de Jarreau como el pianista Joe Sample, el percusionista Lenny Castro, el teclista Phillippe Saisse, el bajista Freddie Washington y el guitarrista Buzzy Feiten. Absolutamente brillante.



3 años antes del concierto que acabáis de ver, el teclista Bobby Lyle escogió el tema de Corea para formar parte de su excelente grabación "Night Breeze" de 1987, realizada en formación de trio conjuntamente con el bajista Stanley Clarke (que había participado en la primera versión de Return to Forever) y el bateria Alex Acuña. En esta "Spain" intervenía también Lenny Castro, al cual ya hemos visto en el clip de Jarreau. El resultado es otra gran versión que hemos querido incluir en este Caleidoscopio.

El último tema que queremos presentaros es la versión realizada recientemente por el pianista Michel Camilo en compañia del extraordinario guitarrista español Tomatito. Extraída de su trabajo conjunto "Spain" publicado en el año 2000. Podéis verlo a continuación.





Podéis encontrar el link a la versiones de Corea de 1972, de Jarreau de 198o, de Lyle de 1987 y de Camilo y Tomatito del año 2000 en el apartado de comentarios.

Esperamos que os haya resultado de interés.

Jazzy

"A Voz e a Violao" (1976) de Djavan.

Djavan Caetano Viana nace en Maceió (Alagoas) el 27 de enero de 1949. Hijo de familia humilde, cuando aún era un crio se dedicaba a cantar los éxitos de Ângela Maria y Nelson Gonçalves. Poco más tarde aprendió a tocar la guitarra como pudo y a ganarse la vida jugando de centrocampista en el CSA, un modesto equipo de fútbol de Brasil.

A los 18 años formó su primera banda, Luz, Som, Dimensão (LSD). Con ella empezó a tocar en clubes, playas e incluso iglesias. Al año siguiente decide abandonar el fútbol y dedicarse de pleno a su gran pasión, la música. Fue uno de esos días, rasgueando su guitarra, cuando descubrió que tenía habilidad para componer y aunque sus compañeros de grupo no le entendían demasiado bien Djavan tenía ya una idea que aún le acompaña; le gusta cantar pero necesita componer. Con esa intención decide tentar a la suerte y en 1973 se traslada a Rio de Janeiro.

Los inicios fueron difíciles. Djavan venía del norte de Brasil y no tenía ningún conocimiento sobre la gran ciudad. Pero sus desilusiones iniciales se fueron poco a poco confundiendo con sus deseos y el sueño comenzó a tomar visos de realidad. Contó con la ayuda de Adson Mauro, quién le presentó a Adelzon Alves y este a João Mello de Som Livre. Es Mello quién le da su primera oportunidad que consiste en grabar músicas de otros artistas para las telenovelas de TV Globo. En este periodo interpreta temas como “Alegre menina” de Jorge Amado y Dorival Caymmi y “Calmaria e Vendaval” de Toquinho y Vinícius de Moraes. Con este trabajo y sus apariciones en algunos clubes como Number One de Ipanema y 707 de Leblon, Djavan gana el dinero suficiente para traerse a su mujer y a su hija a vivir a Rio.

Pero aún tenía pendiente su gran sueño; componer. La oportunidad para demostrar su talento en esta faceta le llegó en el año 1975 con su participación en el Festival Abertura donde conquistó el segundo lugar. Ese hecho le dió la oportunidad de grabar su primer LP, nada menos que "A Voz e a Violao", el disco que hemos decidido compartir hoy con vosotros.

"A Voz e a Violao" sale al mercado en el año 1976. La canción que abre el disco (y que tras su enorme éxito le daría título, aunque hemos decidido conservar el original) , Flor de Lis, es un auténtico himno en Brasil y uno de los temas que han pasado a la posteridad, siendo interpretado por innumerables artistas. Cuentan que este temafue compuesta por Djavan tras pasar por la terrible experiencia de perder a su mujer y a su futura hija durante el parto. Curiosamente es una canción optimista que pone de relieve que el poeta saca belleza de donde sólo parece haber dolor.


Podéis escuchar versiones de este tema en nuestro post "Luz" (1982) de Djavan, publicado en Música para Gatos el pasado 5 de diciembre.

"A Voz e a Violao" incluye 12 temas, todos ellos escritos por Djavan.

Un extraordinario primer trabajo de este completísimo artista.

Esperamos que os guste. Link en comentarios.

TRACKS

1-Flor de Lis
2-Na Boca Do Beco
3-Maca Do Rosto
4-Pára-Raio
5-E Que Dues Ajude
6-Quantas Voltas Dá Meu Mundo
7-Maria das Mercedes
8-Muito Obrigado
9-Embola a Bola
10-Fato Consumado
11-Magia
12-Ventos Do Norte


CREDITS


Djavan Vocal, Guitar, Composer, Lyrics
Edison Keyboards
Helinho Guitar
Luizao Bass
Paulinho Drums
Altamir Carrilho Flute
Marçal, Luna, Hermes Percussion

Jazzy

"Encounter" (1976) de Flora Purim.

Influenciada tanto por la música tradicional de Brasil como por el arte vocal de algunas de las grandes del jazz americano como Ella Fitzerald o Sarah Vaughman, Flora Purim es sin duda una de las cantantes más exitosas e influyentes de los años 70.

Nace el 6 de marzo de 1942 en Rio de Janeiro. Su padre era un emigrante ruso aficionado a tocar el violín mientras que su madre, brasileña, era una excelente pianista.
A finales de los años 60, Flora Purim se casa con el batería y percusionista Airto Moreira y juntos deciden abandonar Brasil, que en esos momentos estaba sufriendo los excesos de la dictadura militar para recalar en New York. Para entonces Flora Purim ya dominaba la guitarra, el piano, y la percusión y poseía un rango vocal y un personal estilo que la hacía diferente del resto de vocalistas.

Duke Pearson fue el primer músico estadounidense en invitar a Flora a cantar junto a él. Poco después la contrataría Bill Evans quién, además, le daría la oportunidad de experimentar. Era el inicio de los años 7o y en New York se estaba cociendo un nuevo estilo musical del cual tanto Purim como su marido Airto Moreira serían protagonistas. El jazz más eléctrico (a vecés llamado jazz-rock, otras, más acertadamente fusion o new jazz) estaba haciendo su aparición.

En 1972 Flora y Airto participan en la grabación de los dos primeros trabajos de un nuevo grupo de nombre "Chick Corea & Return to Forever". "Return to Forever" (1972) (aunque editado más tarde) y "Light as a Feather" de ese mismo año representarían la confirmación de un nuevo concepto musical iniciado por el innovador Miles Davis con quién Airto había tocado dos años antes. Flora contribuiría a las grabaciones de forma activa con su voz y poniendo letra al tema de Stanley Clarke "Light as a Feather" que daba título al disco. El resultado ya es historia.

Dizzy Gillespie & The United Nation Orchestra Live at The Royal Festival Hall, London. 1989.Intervienen Dizzy Gillespie, Arturo Sandoval,Claudio Roditi,Paquito D'Rivera, Mario Rivera, James Moody, Slide Hampton, Steve Turre, Danilo Pérez, Flora Purim, Giovani Hidalgo, Airto Moreira e Ignacio Berroa. Alguién da más?. Flora Purim es presentada por James Moody como la gran reina.




Desde entonces las carreras de Flora y Airto no pararon de crecer. Flora Purim comenzó a grabar como lider en el año 1973 con su "Butterfly Dreams" y ya no pararía hasta la actualidad, además de colaborar en conciertos y grabaciones con gente del nivel de Eumir Deodato, Carlos Santana, George Duke, Michael Franks o Dizzy Gillespie. Airto contribuiría a la formación de una nueva banda que se llamaría Weather Report y se convertiría en uno de los baterias más admirados del jazz contemporáneo.

"Encounter", el disco que hemos decidido compartir hoy y en nuestra modesta opinión uno de sus mejores LP`s. Con temas de Chick Corea, Hermeto Pascoal o McCoy Tyner y la participación de músicos del nivel de Ron Carter, Alphonso Johnson, Leon 'Ndugu' Chancler, George Duke, Joe Henderson, McCoy Tyner, Raoul de Souza, Hugo Fattoruso o su marido Airto Moreira, "Encounter" se revela como una increíble mezcla de sonidos que combina a la perfección ingredientes de la música de Brasil con el jazz más avanzado y arriesgado de la época. Abre los oídos (y la mente) y disfruta de este apasionante trabajo.

Esperamos que os guste. Link en comentarios.

TRACKS

1-Windows Corea
2-Latinas Pascoal
3-Uri (The Wind) Coppola, Pascoal
4-Dedicated to Bruce Pascoal, Purim
5-Above the Rainbow Tyner
6-Tomara (I Wish) Novelli
7-Encounter Carter, Coppola, Dudziak, Moreira, Pascoal, Purim
8-Black Narcissus Henderson


CREDITS

Flora Purim Vocals, Vocals (bckgr)
Airto Moreira Percussion, Conga, Drums
Ron Carter Bass
Leon "Ndugu" Chancler Drums
Googie Coppola Vocals
Urszula Dudziak Vocals
George Duke Synthesizer, Piano, Piano (Electric)
Hugo Fattoruso Synthesizer, Moog Synthesizer
Joe Henderson Sax (Tenor)
Alphonso Johnson Bass (Electric)
Orrin Keepnews Producer
Byron Miller Bass (Electric)
Hermeto Pascoal Piano (Electric), Vocals, Clavinet
Raul de Souza Trombone (Bass)
McCoy Tyner Piano (Electric)

Jazzy

"Straight to the Heart" (1984) de David Sanborn

Aclamado como uno de los grandes saxofonistas de la historia, David Sanborn es un artista cuya música ha inspirado a músicos de todos los estilos posibles, desde el rock hasta el jazz pasando por el pop y el R&B. Es además uno de los saxos más influyentes dentro del universo de la fusión de estilos.

Nacido el 30 de julio de 1945 en Tampa (Florida), David William Sanborn contrajo la polio cuando tenía tres años de edad. Como parte del tratamiento de rehabilitación el pequeño David comenzó a tocar el saxofón y lo cierto es que el resultado de la terapia sorprendió a todos.

Sanborn creció en Sant Louis (Missouri). Sus primeras influencias vendrían de los grandes artistas de blues de Chicago. Antes de acabar sus estudios Sanborn había tocado ya con gente como Albert King o Little Milton. "cuando tenía 17 0 18 años y no sabía que hacer con mi vida entendí que nada me hacía disfrutar más que tocar música. No había elección, tenía que ser músico. O eso o robar coches", dice el propio Sanborn.
Al cumplir los 20 años ya se había casado y tenía un hijo, Jonathan, a quien ha dedicado todos y cada uno de los 23 trabajos que, como líder, tiene editados hasta la fecha. En esos días recibió una llamada de un viejo amigo de San Francisco, el batería Teddy Steward, quien le convenció para trasladarse a California. Una vez allí una nueva llamada de otro viejo amigo, Phillip Wilson, le invitaba a participar en la grabación del primer disco de una grupo que acababa de montar, la Butterfield Blues Band. "Cada día me tocaba ir en autobús desde San Francisco a Los Ángeles, luego tomaba otro autobús hasta Hollywood donde se encontraba el hotel de Phillip y desde allí iba al estudió con él"."Sólo tenía mi instrumento. Creo que fue por eso y por mi patético aspecto (allí en pie con mi saxo) que un día Paul Butterfield me dijo, ' por que no vienes y tocas en un tema?'. Le dije que si y a partir de ese día estuve con él durante 5 años", comenta Sanborn.

Durante esos 5 años la Butterfield Blues Band tocó en centenares de conciertos (Woodstock entre ellos). Cuando la banda se disolvió, Sanborn fue el único que tuvo ofertas. Una semana más tarde ya se encontraba de gira con el gran Stevie Wonder (con quién grabó en el fantástico "Talking Book"), luego con los Rolling Stones y más tarde con David Bowie, participando en su famosa grabación de 1975 "Young Americans". Ese mismo año David Sanborn gravaba su primer disco en solitario, "Taking off" obteniendo un nivel de ventas aceptable. Eso le permitió seguir haciendo trabajos como líder mientras tocaba para otros músicos como Paul Simon o James Taylor.

En 1976 llega "Sanborn" que ya incluye a algunos músicos que serán importantes en su carrera, como el recientemente desaparecido, el excelente guitarrista Hiram Bullock o el vocalista Paul Simon.

En 1977 le toca el turno a "Promise me the Moon" y al año siguiente a "Heart to Heart". Los créditos de los trabajos de Sanborn son más completos a cada nueva grabación y en "Heart to Heart" ya participan artistas del nivel de Anthony Jackson, los hermanos Brecker, Jon Faddis, Steve Gadd, Don Groinick, Mike Maineri, Richard Tee, David Spinozza o Ralph McDonald. El estilo Sanborn comienza a acercarse más al jazz.

En su siguiente disco, el excelente "Hideaway" (1979) ya aparece una figura que va a ser esencial en la música de Sanborn, su amigo y bajista Marcus Miller. De hecho Miller será el productor de la gran mayoría de los trabajos que Sanborn grabará en lo que queda de siglo. Los tres primeros serán "Voyeur" (1981) , "As We Speak" (1981) y "Backstreet" (1983). Con todo ese material Sanborn y su banda hacen una gran gira internacional que queda plasmada en su extraordinario directo de 1984, "Straight to the Heart", el trabajo que hemos decidido ofreceros hoy.



"Straight to the Heart" (1984) es un excepcional trabajo realizado con una magnífica banda de músicos que incluía, además de al propio Sanborn, a Marcus Miller (bajo, sintetizador, vocals), Don Groinick (teclados), Hiram Bullock (guitarra y vocals), Buddy Williams (percusión y vocals). Compuesto por ocho canciones entre las que destacan especialmente los cuatro primeras (cara A de los antiguos vinilos), a saber, dos extraordinarios temas de Miller ("Straight to the Heart" y "Run for Cover"), uno de Sanborn ("Hideaway") y una apabullante versión de más de 10 minutos del "Smile" de Perkinson para lucimiento de toda la banda, en especial del guitarrista Hiram Bullock. Si alguien tuvo la oportunidad de presenciar algún concierto de esa gira seguro que recordará la vitalidad de Bullock, quién no dudó en enfundarse su guitarra y recorrer todo el perímetro del local (alrededor de 300m) tocando, cantando y abrazándose y besando a todas las mujeres que encontraba a su paso. Formaba parte del espectáculo ya que lo hizo en todos los conciertos de esa gira pero fue espectacular e inolvidable.
Descanse en paz Hiram Bullock.

Esperamos que os guste. Encontraréis el link en comentarios.

TRACKS


1-Hideaway Sanborn
2-Straight to the Heart Miller
3-Run for Cover Miller
4-Smile Perkinson
5-Lisa Sanborn
6-Love & Happiness Green, Hodges
7-Lotus Blossom Grolnick
8-One Hundred Ways Coleman, Wakefield, Wright


CREDITS

David Sanborn Keyboards, Saxophone, Sax (Alto)
Marcus Miller Synthesizer, Guitar (Bass), Vocals (bckgr), Producer
Michael Brecker Horn
Randy Brecker Horn
Hiram Bullock Guitar, Vocals (bckgr)
Don Grolnick Keyboards
Jon Faddis Horn
Vivian Cherry Vocals (bckgr)
Hamish Stuart Vocals
Frank Floyd Vocals (bckgr)
Lani Groves Vocals (bckgr)
Ralph MacDnald Percussion
Michael White Percussion
Buddy Williams Drums, Vocals (bckgr)
Crusher Bennett Percussion

Jazzy