lunes, 24 de mayo de 2010

Caleidoscopio: "Garota De Ipanema" (1962) de Tom Jobim y Vinicius de Moraes. Un tema inmortal.







"Ella era el paradigma de la mujer carioca; una mujer dorada, mezcla de flor y sirena, llena de luz y de gracia pero cuya visión es también triste, pues lleva consigo, camino del mar, el sentimento de lo que pasa, la belleza que no es nuestra. Es un don de la vida en su lindo y melancólico fluir y refluir constante". Las palabras son, como no, del poeta Vinicius de Moraes describiendo a la musa inspiradora de una de las canciones más justamente valoradas de la historia de la música. La original y genuina Garota que se paseaba por delante de la terraza del bar donde Tom y Vinicius solían sentarse a tomar unas copas se llama en realidad Heloísa Eneida Menezes Paes Pinto (en la foto superior). Los autores del famoso tema confesarían en 1965 que Helo era la auténtica Garota y llegarían a hacerse tan amigos que Tom y su mujer Teresa fueron sus padrinos de boda cuando la bellísima mujer decidió contraer matrimonio. Actualmente Helo es la dueña de una cadena de locales de venta de bikinis llamada, como no, Garota de Ipanema.

Jobim y Vinicius nos acercan una bonita aproximación al tema que juntos compusieron en el año 1962.


Pero yendo a lo que nos ocupa, Garota de Ipanema es la más conocida bossa nova de todos los tiempos. Compuesta en el año 1962 por el mestro Antonio Carlos Jobim, con letra de Vinícius de Moraes la pieza fue llamada originalmente "Menina que passa". El tema estaba pensado para una comedia musical titulada Dirigível (Dirigible), una obra en la que estaba trabajando Vinicius. En este punto Garota de Ipanema ya era el tema que todos conocemos en la actualidad, pero la letra que siempre hemos oido es una segunda versión. La primera decía así;

Vinha cansado de tudo, de tantos caminhos
Tão sem poesía, tão sem passarinhos

Com medo da vida, com medo de amar.


Quando na tarde vazia, tão linda no espaço
Eu vi a menina que vinha num passo

Cheio de balanço caminho do mar.


Jobim y Vinicius no estaban conformes con ella hasta que un día, cuando ambos estaban en el bar Veloso (hoy Garota de Ipanema, en la esquina de Prudente de Morais y Montenegro, actualmente rua Vinicius de Moraes), decidieron
rebautizar la canción y dedicar los versos a una muchacha que solía pasar rumbo a la playa:

Olha que coisa mais linda, mais cheia de graça
É ela a menina que vem e que passa
Num doce balanço caminho do mar.


Moça do corpo dourado, do sol de Ipanema

O seu balançado é mais que um poema

É a coisa mais linda que eu já vi passar.


Fue El 19 de marzo de 1963 cuando se realizó la primera y posiblemente la más famosa grabación para la cual la discográfica Verve contó con el gran saxofonista de jazz Stan Getz, con el guitarrista y vocalista brasileño João Gilberto, que vino acompañado de su joven esposa Astrud (quien al final participaría como vocalista en dos cortes, uno de ellos Garota de Ipanema) y con Tom Jobim que se sentó al piano. El resultado fue uno de los discos más vendidos de la historia del jazz, el LP "Getz/Gilberto". Norman Gimbel adaptó la letra al inglés y la grabación de Astrud Gilberto, João Gilberto y Stan Getz (rebautizada "The Girl from Ipanema") se convirtió en un éxito mundial.

Famosa versión interpretada a medias entre Antonio Carlos Jobim y Frank 'La Voz' Sinatra.


Garota de Ipanema ha sido desde entonces interpretada por una increible variedad de artistas. De hecho practicamente todos los grandes del jazz la han tocado alguna vez, pero la melodía llego a trascender a su propio estilo y musicos (y no tan músicos) de todos los lugares y géneros posibles se vieron con ánimos de ofrecer su personal visión sobre el tema. Desde Frank Sinatra (junto a Jobim) hasta Madonna, pasando por Cher, Nat King Cole o Sepultura. Algunas artistas mujeres decidieron interpretarla cambiando el nombre por "The boy from Ipanema". Entre ellas podemos citar a Shirley Bassey, Petula Clark, Rosemary Clooney, Ella Fitzgerald, Eartha Kitt, Diana Krall, Peggy Lee, The Supremes, Crystal Waters y Sarah Vaughan.

Hoy hemos decidido acercaros una recopilación de algunas de las versiones más interesantes que hemos oído sobre el tema. Creemos que es una forma excelente de comenzar la semana y nos apetece mucho dedicarlo a nuestro amigo Luther Blues y a su impresionante web sobre blues y jazz, 101Blues Llegar, quien en uno de sus muchos mensajes enviados a Música para Gatos nos solicitó algo parecido a lo que aquí hemos hecho. Para vos pibe, espero que te interese.

La verdad es que esta versión es de las peores que he escuchado pero la extrañeza me empuja a compartirla con vosotros. Los heavies Sepultura nos ofrecen un atroz cover de The Girl from Ipanema.



Encontraréis link al la selección de temas en comentarios (clickar Read More).

TRACKS
(Todos los temas son versiones de Garota de Ipanema)

1-Stan Getz/Joao Gilberto. Desde uno de los trabajos más importantes de la bossa nova, "Getz/Gilberto", grabado en el año 1963.

2-Antonio Carlos Jobim. Desde su primer disco en Estados Unidos, "The Composer of Desafinado Plays", también del año 1963. En esas fechas el título de referencia de la bossa nova en USA era Corcovado y además los productores no tuvieron claro que el mercado americano aceptara la voz de Tom. De esa manera se fraguó un disco completemente instrumental que serviría al genio brasileño como carta de presentación ante el mundo. El famoso recital en el Carnegie Hall hizo el resto.

3 y 4- Ambos de Antonio Carlos Jobim en directo. Para entonces ya era una auténtica leyenda. El track tres es de su mítico concierto en Montreux celebrado en el año 1986. El número cuatro corresponde a su presencia en Minas Gerais en 1981.

5-Vinicius de Moraes, Maria Creuza y Toquinho. Desde su directo en Buenos Aires grabado en el año 1971.

6-Baden Powell. Exquisita versión de uno de los grandes guitarristas de Brasil, desde su " A Vontade" del año 1963.

7-Dave Grusin / Lee Ritenour. Dos ilustres del jazz fusion, el teclista Dave Grusin y el guitarrista Lee Ritenour unen fuerzas para regalarnos esta preciosa versión que además cuenta con vocales de dos de las voces más personales de los últimos 40 años, Al Jarreau y Oleta Adams .

8-Eliane Elias. Otra excelente versión, esta a cargo de la pianista y vocalista Eliane Elias, que nos ofrece unos preciosos arreglos. Desde su "Brazilian Classics" del año 2003.

9-Gabriella Anders. Una de las vocalistas más interesantes de los últimos años, la argentina Gabriela Anders nos aporta una de las grandes versiones de este precioso tema. Desde "Wanting" (1998).

10-Ivan Lins, Chucho Valdés/Irakere. En el año 1996 Ivan Lins y los Irakere se unieron para grabar un magnífico recital en Cuba. El único tema de todo el trabajo que no había sido compuesto ni por Lins ni por Valdés fue esta muy lírica versión de nuestro tema de hoy. La voz de Lins emociona más que nunca. Compruébalo.

11-Rosa Passos. La gran vocalista Rosa Passos nos aporta una nueva mirada. Como en ella es habitual se adelanta y atrasa constantemente al tempo de la canción consiguiendo un efecto muy interesante y trabajado. No es nada nuevo, Joao Gilberto lo hacía muy a menudo. Pero hay que decir que Passos domina la técnica a la perfección. Desde "Rosa Passos canta Antonio Carlos Jobim" (1998)

12-Sarah Vaughan. Una de las grandes vocalistas del jazz la divina Sarah Vaughan nos ofrece aquí el tema rebautizado como The Boy From Ipanema por razones del todo obvias. Desde "Viva Vaughan" grabado en el año 1965. El tema fue posteriormente incluído en uno de los muchos trabajos en homenaje a Jobim, "A Twist of Jobim" (1997).

13-Toninho Horta. Corta y respetuosa versión de otro de los grandes guitarristas brasileños de la historia, Toninho Horta, desde su personal homenaje al maestro Jobim, "From Ton to Tom" (1998).

14-Sam Newsome. Posiblemente la versión más jazzera que encontraréis en esta recopilación. Extraída de "This Masquerade", grabado por el saxofonista en el año 2000.

15-Chuck Loeb. El excelente guitarrista neoyorquino nos ofrece la última versión de la recopilación. Vale la pena destacar que Loeb, antes de pertenecer a Steps Ahead y mucho antes de fundar la banda Metro and the Fantasy Band, pasó dos junto a Stan Getz.




Jazzy

domingo, 23 de mayo de 2010

"Goldenwings" (1976) la primera grabación de la gran banda uruguaya Opa.








Hugo Fattoruso nace el 29 de junio de 1943 en Montevideo, Uruguay. Teclista, compositor, arreglista, multi-instrumentista y vocalista, Hugo es un músico fundamental no sólo en el ámbito de la música uruguaya sino también en la creación y desarrollo del jazz fusion. Lo mismo sucede con Osvaldo Fattoruso, su hermano menor, nacido el 12 de mayo de 1948. Osvaldo es más conocido por ser un extraordinario bateria, aunque de forma habitual ha tocado la guitarra y ha aportado vocales.
Además de disponer de inten
sas carreras solistas, ambos han participado de forma decisiva en la creación de infinidad de bandas, entra las cuales podemos citar a Los Shakers, Opa, Grupo del Cuareim, Los Pusilánimes o Trío Fattoruso, en sus dos versiones.

Hugo comenzó a actuar profesionalmente a los doce años, tocando como acordeonista y pianista en el Trío Fattoruso, junto a
Osvaldo, que entonces tenía 8 años y a su padre, Antonio Fattoruso. En 1959 Hugo crea con la ayuda de Osvaldo la banda de swing The Hot Blowers, por la cual pasaron otros músicos como Rubén Rada, Federico García Vigil, Paco Mañosa, Morís Pardo, Ringo Thielmann, Tomás "Chocho" Paolini, Guillermo Facal, Moisés Rouso, Ramón "Bebe" Alfonso, Enrique "Pelo" de Boni, Daniel Lencina y Cacho de la Cruz. Esta banda logró cierto reconocimiento regional, logrando editar tres álbumes EP y realizando una extensa gira por territorio chileno.

En la década del 60 los hermanos Fattoruso forman una mítica banda de rock, Los Shakers, que fue fundamental para la difusión del rock de influen
cia británica en América Latina, colaborando además en la aparición del llamado rock nacional a partir de 1967. La banda estaba integrada por Hugo en voz y guitarra, Osvaldo, también en voz y guitarra, Roberto Capobianco "Pelín" como bajista y Carlos Villa " Caio" en la batería.

En 1969 se establecen en los Estados Unidos, creando el mítico grupo O
pa, junto a Ringo Thielmann. Opa grabó dos extraordinarios trabajos, a saber, "Golden Wings" (1976), que incluye el famoso tema "Corre Niña" que muchos de vosotros recordaréis en la voz de Flora Purim (con la participación de Hugo y Osvaldo y que podéis encontrar unos posts más abajo) y "Magic Time" (1977).



La verdad es que en Música para Gatos conocíamos a Hugo y a Osvaldo por sus participaciones con artistas internacionales, pero no sabiamos de la existencia de esta banda hasta que un amigo del blog, el músico argentino Juan Carlos Ingaramo, nos informó, adelantándonos que se trataba de auténtica fusion y remarcándonos que esa misma afirmación la habían hecho en su momento artistas como Carlos Santana, George Duke o Herbie Hancock. Rapidamente corrimos a la busqueda de los discos y lo que encontramos fue exactamente lo que nos había adelantado Juan, un auténtico recital que mezcla a la perfección la práctica totalidad de estilos, con influencias claras del jazz y de la música latina, pero también del rock sinfónico y de la música de los Beatles. Y lo cierto es que nada suena forzado, de hecho todo fluye con admirable naturalidad. Como ejemplo de lo que estamos diciendo, os recomendamos la audición del primer tema del trabajo, "Mind Project", una auténtica y certera definición sonora de aquello que muchos críticos han gustado llamar jazz rock, bonita y muy comercial etiqueta que en pocas ocasiones se aplica con tan buen criterio.


La banda no tuvo, desgraciadamente, buenos resultados comerciales y tras estos dos discos se disolvió, pero lo cierto es que vale la pena rescatar estos magníficos trabajos y hoy hemos decidido haceros llegar el primero de ellos, "Goldenwings" (1976). Comentaros que el segundo, "Magic Time" (1977), ya fue publicado en Música para Gatos unos cuantos posts más abajo.

20 años después de su última grabación original, el 17 de octubre de 1987, Opa se reunió de nuevo para dar un concierto en el Teatro de Verano de Montevideo . Su última actuación oficial se produjo en marzo de 2005 en el Teatro Solís de Montevideo.

Tras la disolución de Opa a finales de los años 70s, los caminos de los hermanos
Fattoruso comienzan a diverger. Tras varios años en Estados Unidos, Hugo Fattoruso se traslada a Brasil, a finales de los 70s donde comienza a trabajar principalmente con Milton Nascimento, con quien graba el larga duración "Nascimento", ganador de un premio Grammy en el año 1997, pero también con otros importantes artistas de la llamada MPB, como Djavan, Geraldo Azevedo, Chico Buarque, Naná Vasconcelos y Toninho Horta. La trayectoria profesional de Hugo Fattoruso se define con variedad de músicos con quienes compartió escenarios y/o grabaciones, entre los que se encuentran Eduardo Mateo , Jorge Graf , Jaime Roos , Ruben Rada , Laura Canoura , Toto Méndez, Larbanois-Carrero , Pitufo Lombardo ,La Tríada , Chico Buarque de Holanda , Milton Nascimento , Djavan , Fafá de Belém , Miucha , María Betanha , Arismar do Espirito Santo , Toninho Horta , Joao Bosco , Hermeto Pascoal , Geraldo Azevedo , Naná Vasconcelos , Airto Moreira , Flora Purim , Abraham Laboriel , Manolo Badrena , Hiram Bullock ,Vernon Reid , Don Cherry , Giovanni Hidalgo , Ron Carter , Litto Nebbia , Fito Páez , Liliana Herrero , Luis Salinas , Adriana Varela , Takamasa Segi o Yahiro Tomohiro. Hugo volvió a Uruguay en el año 1989.

Hugo, Osvaldo y Franciso Fattoruso. El Trio Fattoruso.


Por su parte Osvaldo permanece en Estados Unidos hasta que en el año 1981 decide retornar a su Uruguay natal. Poco después se traslada a Buenos Aires donde toca con músicos como Rubén Rada, Litto Nebbia, Luis Alberto Spinetta, Eduardo Sanguinetti, Alejandro Lerner, León Gieco y Fito Páez, entre otros. Hacia 1991 edita "El Disco Kid", trabajo que marca el inicio de una prolífica actividad en conjunto con la artista uruguaya Mariana Ingold, su esposa , con la cual en años siguientes editó una decena de álbumes. Osvaldo, a menudo creditado como Jorge Fattoruso o George Fattoruso (en realidad se llama Jorge Osvaldo), ha trabajado también a nivel internacional con artistas de la talla de Jon Lucien, Manolo Badrena (en el extraordinario "Manolo", único trabajo como lider del percusionista, grabado en el año 1979 y recientemente publicado en Música para Gatos), Eumir Deodato y Al Jarreau.

Concierto ofrecido por el Trio Fattoruso en el marco del Festival de jazz de Bariloche, el 16 de octubre de 2000. Hugo Fattoruso (keys, repique), Osvaldo Fattoruso (Drums, tamboril) y Francisco Fattoruso (bass y tamboril chico)


Ya en el año 2000, los hermanos Hugo y Osvaldo recrearon su inicial Trío Fattoruso, ahora con Francisco Fattoruso, hijo de Hugo, como bajista, una excepcional banda que desgraciadamente ha tenido muy poquita difusión y de la os hablaremos en cuanto podamos conseguir algo más de su obra.

Hugo Fattoruso ha publicado recientemente un nuevo material discográfico de piano solo, el sucesor de "Ciencia Fictiona", que lleva por título "Café y Bar: Ciencia Fictiona", grabado en Buenos Aires, en el estudio de Lito Vitale.

En 2008 los hermanos Fattoruso volvieron a Japón para realizar una gira de dos meses con su Trío Fattoruso (ocho recitales en seis ciudades: Komatsu, Sendai, Tokyo, Kyoto, Nagoya y Yokohama). Hugo aprovechó la estancia participando en una serie de actuaciones a dúo con el percusionista japonés Yahiro Tomohiro, junto a quien grabó el CD "Dos Orientales" en 2007. En este viaje, Hugo Fattoruso colaboró también con un prestigioso grupo de cuerdas que lidera la violinista Aska Kaneko. En noviembre del mismo año, Hugo volvió a Japón para representar a Uruguay en el evento "La noche del Mercosur" que tuvo lugar en el Tokyo Opera City Theater, donde actuó acompañado por el coro de niños Shinjuku-ku Shonen Shojo Gasshodan de Shinjuku.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Goldenwings Hugo Fattoruso, Jorge Fattoruso
2-Paper Butterflies (Muy Lejos Te Vas) Ruben Rada
3-Totem Hugo Fattoruso, Jorge Fattoruso
4-African Bird Ruben Rada
5-Corre Niña Hugo Fattoruso, Jorge Fattoruso
6-Pieces: Tombo/La Escuela/Tombo Airto Moreira, Hugo Fattoruso
7-Groove Hugo Fattoruso, Jorge Fattoruso


CREDITS

Hugo Fattoruso Keys, Vocals
Jorge Osvaldo Fattoruso Drums, Vocals
Ringo Thielmann Bass
David Amaro Guitar
Airto Moreira Percussion
Hermeto Pascoal Percussion, Flute
Rubén Rada Percussion


Jazzy

sábado, 22 de mayo de 2010

Box: De Músico a Músico. La admiración escrita en pentagrama.









A lo largo de la historia son muchos los músicos que nos han querido explicar algo de ellos mismos a través de la creación de composiciones que pretenden homenajear a otros músicos, ídolos, compañeros de profesión, o simplemente colaboradores que les han influído de manera positiva en su carrera y en la creación de su propio y personal universo sonoro.

Todos hemos comprado alguna vez un disco simplemente porque hemos constatado al leer el listado de temas que uno de ellos estaba dedicado a algún músico de nuestro interés. Y los resultados son a menudo satisfactorios, algo lógico si tenemos en cuenta que estas son, probablemente, las composiciones más sinceras y esforzadas. Se trata de no decepcionar a un artista que te conmueve y de paso, de inmortalizarlo con tu trabajo, algo bonito y que merece todos los reconocimientos. Es por ello que nos hemos decidido a acercaros una Box que incluye 20 grandes temas con dedicatoria entre artistas de incuestionable nivel además de algunos videos que merecen vuestra atención. Al fin y al cabo estamos hablando de amor en formato musical, la pasión que todos los aficionados a la música sentimos volcada en un pentagrama. Una auténtica delicia.

"Mr Pastorius" compuesto por el bajista Marcus Miller e interpretado junto con Miles Davis. Dedicado, como no, a Jaco Pastorius.


Entre los homenajeados que encontraréis en la presente compilación hay gente tan importante como Dizzy Gillespie, Elis Regina, Claudio Roditi, Lenny Andrade, Grover Washington Jr., Joe Zawinul, Rita Lee, Astor Piazzola, Paquito D'Rivera, Miles Davis, Ella Fitzerald, Lenny Tristano, Tania Maria y, como no, el maestro Antonio Carlos Jobim. Ponen su imaginación en esta noble causa otros músicos no menos importantes que los citados, que incluyen a artistas del increible nivel de Paquito D'Rivera, Caribbean Jazz Project, Spyro Gyra, Joyce, Hendrik Meurkens, Sadao Watanabe, Toninho Horta, Michael Franks, Ben Sidran, Kevyn Lettau, Michel Petrucciani, Gerry Mulligan, Jane Duboc, Bob Baldwin o Chick Corea. Como decían en Hollywood, más estrellas que en el cielo. Una auténtica gozada para los gatos melómanos que habitamos este humilde y musical tejado.


Esperamos que os guste esta nueva propuesta.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Piano Players. Tema compuesto e interpretado por Ben Sidran desde su directo "A Good Travel Agent", grabado en 1992. Los homenajeados en este caso son todos los pianistas y la divertida letra nos recuerda grandes nombres como Oscar Peterson, Bill Evans, McCoy Tyner, Count Basie, George Shearing, Cecil Taylor, Duke Ellington... la lista sería interminable.

2-Bluellespie. Los Caribbean Jazz Project nos ofrece esta brillante composición de D'Rivera dedicada al gran Dizzy Gillespie, con quien tuvo la oportunidad de trabajar en la alucinante United Nations Orchestra. Desde "Island Stories" (1997).

3-Dizzy. Una nueva dedicatoria para Gillespie, esta vez de la mano de Tom Schuman y Eli Konikoff, teclista y bateria del primer Spyro Gyra. El tema está contenido en "Carnaval", grabado por la banda de Buffallo en el año 1980.

4-Bossa for Grover. Charles Fambrough, el excelente bajista responsable de este precioso tema define a Grover Washington Jr. como UN GRAN ser humano y uno de los más grandes saxofonistas de la historia (lo transcribo en mayúsculas porqué así lo hace Fambrough), además de una enorme fuente de inspiración. Incluído en su directo "Charles Fambrough: Live @ Zanzibar Blue".

5-Ellis. En el año 1988 el saxofonista japonés Sadao Watanabe dedicaba un disco completo a la vocalista brasileña Ellis Regina que acababa de fallecer. Uno de los temas contenidos en el trabajo es este bonito "Ellis".

6-Samba for Claudio. El trompetista brasileño Claudio Roditi es uno de aquellos músicos que no gozan de gran popularidad pero que son tremendamente respetados por sus compañeros de profesión. Este tema es un homenaje que le ofrece uno de ellos, el vibrafonista y armónica alemán Hendrik Meurkens que trabajó con Roditi en diferentes ocasiones. Un preciosa composición contenida en "Clear of Clouds" (1992).

7-For Lenny (Andrade). Composición del pianista y teclista Daniel Freiberg dedicada a la gran vocalista brasileña Lenny Andrade. Contenida en "Manhattan Burn" (1987) del saxofonista cubano Paquito D'Rivera.

8-From Ton to Tom. En el año 1998 el extraordinario guitarrista brasileño Toninho Horta unía fuerzas con Gal Costa para grabar este precioso tema en homenaje al gran maestro, el compositor, pianista, guitarrista, cantante, flautista y arreglista Antonio Carlos Jobim. Desde "From Ton to Tom".

9-Tema Pra Jobim. Uno de los grandes saxofonistas del jazz, Gerry Mulligan y la vocalista brasileña Jane Duboc nos ofrecen este bonito homenaje a Tom Jobim. Extraído de "Paradise", grabado en el año 1993.
10-Antonio's Song. Otro tema dedicado a Jobim (se podría hacer un monográfico), en este caso del compositor y cantante californiano Michael Franks, un auténtico enamorado de la música del maestro. Incluído en uno de sus mejores trabajos, "Sleepin' Gipsy" del año 1977.


Antonio's Song, compuesta e interpretado por Michael Franks en honor de su mayor influencia, el maestro Antonio Carlos Jobim.


11-Joe Zawinul.
En el año 2008 el teclista y vocalista norteamericano Bob Baldwin grababa este curioso tema en homenaje a Joe Zawinul, teclista y creador de la banda Weather Report. Desde "NewUrbanJazz.com".

12-Minha Gata Rita Lee. Una de nuestras vocalistas preferidas, la cantante de
Rio Joyce nos ofrece este bonito homenaje a una amiga y compañera de profesión, la también cantante brasileña Rita Lee. Incluída en su "Revendo Amigos" del año 1993.

13-A lo Tristano. Paquito D'Rivera, de nuevo desde su Manhattan Burn (una auténtica colección de dedicatorias) nos ofrece esta preciosa composición en honor de uno de los músicos más interesantes e innovadores de la historia del jazz a pesar de haber quedado ciego a los 9 años por culpa de una gripe. El pianista de Chicago Lennie Tristano fue un gran exponente del cool de los 40s y 50s que además contribuyó de forma decisiva a la creación del bebop. Paquito le reconoce sus méritos de la mejor forma posible.

14-Blues for Astor. Nuevamente D'Rivera en este caso con un potente homenaje Astor Piazzola. La verdad es que Paquito ha compuesto decenas de homenajes a lo largo de su carrera, siendo probablemente uno de los músicos más prolíficos en este aspecto. Prácticamente todo su familía tiene un tema dedicado así como muchos de los músicos que considera le han influenciado y Piazzola es uno de ellos. Desde su directo del año 1993 "A Night in Englewood".

15-Bolero para Paquito. Esta vez el homenajeado es el propio D'Rivera. El tema es de Hendrik Meurkens. Incluído en "Sliddin'" (1993).

16-Paquito. Otra para D'Rivera, esta nada menos que de Chick Corea. Extraída también de Manhattan Burn.

17-Miles Davis Licks. El pianista francés Michel Petrucciani dedicaba este tema nada menos que a Miles Davis. Lo extraemos de su "Playground" (1991).

18-Ella. La cantante alemana Kevyn Lettau nos ofrece este ligero pero bonito homenaje a una de las vocalistas referenciales de la historia del jazz, Ella Fitzerald. Desde "Another Season" (1992) uno de sus mejores trabajos.

19-Pra Vocé. El pianista Michel Camilo compuso este tema en honor de la también pianista, la brasileña Tania Maria. Desde uno de sus primeros trabajos, el autodenominado "Michel Camilo" editado en el año 1988.

20-Maria Cervantes. Cerramos con este curioso doble homenaje. Compuesto por el pianista portoriqueño Noro Morales en honor de su profesora, la cubana Maria Cervantes, el tema ha sido utilizado con más frecuencia para homenajear a Morales que a Cervantes. De ahí que muchos lo titulen "A Noro Morales". El desaparecido pianista argentino Jorge Dalto lo interpreta desde su impresionante "Sólo Piano" grabado en Buenos Aires en el año 1983.


Maria Cervantes (A Noro Morales), interpretado por la orquesta del gran Tito Puente con Dalto en su formación.





Jazzy

jueves, 20 de mayo de 2010

"Rhythm of Life" (1977) del guitarrista y teclista James Mason. El sonido del funk de los 70s.







En el año 1977 el guitarrista y teclista James Mason, en esas fechas habitual en las bandas de Roy Ayers, publicaba su primer trabajo como lider. Se trataba de "Rhythm of Life", un disco repleto de sonidos muy próximos al jazz, pero especialmente al funk que se estaba cocinando a finales de los 70s.



"Rhythm of Life" fue un tremendo fracaso comercial. El disco, que había sido editado por una pequeña discográfica llamada Chiaroscuro desapareció del mercado en un corto espacio de tiempo y Mason ya no volvió a grabar. Pero por aquellas extrañas cosas que suceden muy de tanto en cuanto, a finales de los 80s un diskjockey británico descubrió la obra de Mason y le pareció tan interesante que consiguió convertirla en un auténtico fenómeno en Inglaterra y en fuente de inspiración de muchos artistas que luego serían parte fundamental en la creación de aquello que con buen instinto comercial las discográficas bautizaron como acid jazz y que en nuestra opinión no es más que una actualización, a veces brillante, otras pésima, de los sonidos creados en los años 70s, desgraciadamente la única década activa de este buen músico injustamente tratado, como tantos otros.



El disco contiene una curiosa mezcla que combina algunas tiernas y melódicas baladas con otras composiciones rabiosamente funkys. Los dos temas que habéis escuchado antes, Dreams y Funny Girl pertenecen al primer grupo. En el segundo se inscriben "Rhythm of Life", "Sweet Power your Embrace", "Free" y la potentísima "I've Got My Eyes On You", que podéis escuchar a continuación.



Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS
(All Tracks Written by James Mason and Ninoska Escobar)

1-Sweet Power Your Embrace
2-Good Thing
3-Free
4-Mbewe
5-Funny Girl
6-Slick City
7-Rhythm Of Life
9-Hey Hey Hey
10-I've Got My Eyes On You
11-Dreams


CREDITS

James Mason Guitar, Piano, Keyboards, Engineer [Remix], Producer, Arranger
Clarice Taylor Vocals Gene Torres Bass Narada Michael Walden Drums
Dwayne Perdue Drums Mbewe Ninoska Escobar Backing Vocals
Philip Woo Piano Mustafa Ahmed Congas
Justo Almario Saxophone



Jazzy

Canciones para Gatos: "We All Remember Wes" interpretada por George Benson.






En el año 1968 George Benson publicaba su primer trabajo para la prestigiosa discográfica Verve. El disco se llamaba "Goodies" y en la actualidad es, probablemente, uno de sus LP's menos conocidos. La pieza que abría el larga duración se llamaba "I Remember Wes", una preciosa balada que Benson y Don Sebesky escribieron con la intención de homenajear a uno de los grandes de la historia del jazz, influencia indiscutible del guitarrista, Wes Montgomery.



Parece ser que el tema llegó a los oídos de Stevie Wonder y este pensó que quizás Benson se había quedado corto con su homenaje, no por la belleza de la composición sino porque le pareció que el guitarrista no era el único que echaba a faltar el arte y la presencia de Montgomery. Pocos años después, Wonder compuso una canción con un significativo nombre, "We All Remember Wes" (Todos recordamos a Wes) y se encargó de que llegará a las manos de Benson. El guitarrista quedó tan encantado con el ingenioso y atractivo regalo que no dudó en incluirlo en su "Weekend in L.A." , el doble en directo que contiene temas de los conciertos que diera en el Roxy Club de Los Ángeles en el año 1977.

"We All Remember Wes" nunca fue grabado por Wonder pero aún hoy en día sigue formando parte del repertorio habitual de George Benson. Atención a los créditos porque aparecen algunos de los más grandes músicos de sesión de la época, comenzando por el propio Benson y siguiendo con Foster, McDonald, Mason y Upchurch, además del eterno colaborador de George, el bajista Stanley Banks. Mención aparte merece el original sólo de teclados de Jorge Dalto, en nuestra opinión, mucho más interesante que aquel que le diera el Grammy el año anterior por la versión de la composición de Leon Rusell, la recordada "This Masquerade".



Vosotros juzgais. En todo caso que quede claro que el solo de This Masquerade nos muestra al Dalto pianista, mientras que el que contiene el tema que os acercamos hoy al tejado, We All Remember Wes, deja patente la habilidad del excelente músico argentino con los teclados electrónicos, sonido que también nos emociona por estos lares.

Esperamos que os guste.

Encontrareis link en comentarios.


Benson con la misma banda que en el tema que acercamos hoy, en este caso interpretando la brillante Affirmation de José Feliciano. Atención al argentino Jorge Dalto. Genial, como siempre.


Ficha Técnica

Nombre del tema: We All Remember Wes
Compuesto por: Stevie Wonder
Interpretado por: George Benson
Contenido en el disco: Weekend in L.A.
Grabado en el año: 1977
Credits; George Benson (guitar), Stanley Banks (bass), Jorge Dalto (piano, keys), Ronnie Foster (synths, keys), Ralph MacDonald (percussion), Harvey Mason (drums), Phil Upchurch (guitar), Tommy LiPuma (producer).


Jazzy

lunes, 17 de mayo de 2010

"So Far So Close" (1989) de la pianista y vocalista brasileña Eliane Elias.





Pianista, cantante y compositora, Eliane Elias tiene un estilo musical fácilmente identificable que combina sus raíces brasileñas, su sensual voz y su impresionante habilidad instrumental para tocar cualquier forma musical sea jazz, bossanova o clásica.

Nacida en Sao Paulo, Brasil, el 19 de marzo de 1960, Elias comienza muy pronto a demostrar su talento. A los 7 años se inicia con el aprendizaje del piano y al cumplir los 12 ya se atreve a trancribir los temas de algunos de los grandes maestros del jazz.

Su carrera artística comenzó en Brasil cuando contaba con diecisiete años. A esa edad es reclutada por Toquinho y Vinicius de Moraes con quienes pasa varios años sobre las tablas, adquiriendo experiencia y absorviendo todos los conceptos de la rica música brasileña. Es ese momento su bagage ya era amplio y dominaba a la perfección cualquier lenguaje musical.

Una joven Eliane Elias junto a Vinicius y Toquinho, dando los primeros pasos de la que sería una extraordinaria carrera musical. Una pequeña introducción a modo de documental nos da pistas sobre las polémicas que se creaban en esa época en Brasil. A pesar de la presunta opinión de Gil, Tarde en Itapoá tiene un valor musical indiscutible y el video se encarga de corroborar este extremo.


En 1981 se traslada a Nueva York y al año siguiente consigue un lugar en el aclamado grupo Steps Ahead, la banda creada por Michael Brecker, Mike Manieri y Don Groinick. Su primer álbum como lider fue una colaboración con su entonces marido, el trompetista Randy Brecker, titulado "Amanda" en 1984.

Poco después, en octubre de 1986 comienza su carrera en solitario con
la edición de su segundo larga duración,"Illusions", un excelente trabajo que ya nos da una idea del verdadero potencial de esta extraordinaria pianista de Sao Paulo, idea que luego se confirmaría con la publicación de su tercer larga duración "Cross Currents", una auténtica demostración de las habilidades técnicas de Elias.



Pero hoy nos vamos a dedicar a su cuarto trabajo, "So Far, So Close" del año 1989, en nuestra opinión el primer disco ya genuinamente Eliane Elias.
8 de los 9 cortes de "So Far So Close" están compuestos y arreglados por la propia Eliane, quien cuenta como productor ejecutivo con el teclista y arreglista Eumir Deodato, además de con una impresionante nómina de músicos tanto brasileños como norteamericanos, entre los cuales nos apetece de forma especial citar al bateria Peter Erskine, a los percusionistas Café y Don Alias, al bajista Will Lee y al recientemente desaparecido saxofonista Michael Brecker, cuñado de Elias y hermano de Randy, también presente en el disco.

Dedicado a Jaco Pastorius y contenido en So Far So Close, el tema, Straigh Across, parece recién salido de la factoría Yellowjackets. Sin embargo está compuesto por Elias.


"So Far, So Close" es un delicioso trabajo repleto de influencias de la música de Brasil pero también del jazz y del fusion jazz que se hacía en los años 70s y 80s. Una perfecta combinación que nos permite además ilustrar una parte importante de la filosofía musical de este espacio.


Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.



TRACKS

1-At First Sight Elias
2-Bluestone Elias
3-Barefoot Elias
4-Nightimer Elias
5-Still Hidden Elias
6-So Far So Close Elias
7-Straight Across (To Jaco) Elias
8-With You in Mind Elias
9-Two Way Street Palanker


CREDITS

Eliane Elias Synthesizer, Piano, Arranger, Vocals, Producer
Don Alias Percussion, Producer Jim Beard Synthesizer, Programming
Michael Brecker Sax (Tenor) Randy Brecker Flugelhorn
Café Percussion Eumir Deodato Producer, Engineer, Associate Producer
Peter Erskine Drums Will Lee Bass Alan Palanker Synthesizer, Arranger, Programming


Jazzy

"Latin Elation I" (2005) del gran saxofonista y flautista Bobby Martínez.





Bobby Martinez nació en Filadelfia (USA) en el año 1961. Descendiente de cubanos, crece y se educa en Miami. Comienza a estudiar el saxo a los seis años con el maestro Rolando Lluis (violinista y saxofonista). A los siete, realiza su primer concierto como solista en el Milander Auditorium of Hialeah (Florida). Fue integrante de la Jazz Band de Hialeah High School, bajo la dirección de James McGonigal.

A los 11 años, coincidiendo con el momento en el que fijó su residencia en Venezuela, Martínez se convierte en músico profesional , formando parte del popular grupo del momento Los Kings , con quienes realizó diversas giras por el continente americano. A su regreso a Miami continúa estudios avanzados en el Miami-Dade Community College con John Georgini, que lo selecciona primer tenor y primer alto de la Miami-Dade Community Jazz Band que conquistó primeros lugares a nivel nacional y realizó conciertos en festivales como Montreux, North Sea Jazz Festival, New Orleans Jazz Festival y muchos más.

Poco después funda, junto a
Gloria y Emilio Estefan, la Miami Sound Machine. En ese período compone el tema Sunride que Gloria decidió incorporar en los primeros álbumes de la famosa banda. Después de esta experiencia se traslada a New York para perfeccionar técnicas con el clarinetista y saxofonista Eddie Daniels.

En 1996,
Bobby Martínez se instala en Madrid, donde compagina su carrera musical con una gran labor pedagógica a lo largo de España y del resto de Europa, ofreciendo seminarios, clinics, workshops, clases magistrales y llevando la dirección de la Big Band Latin de la Escuela de Música Creativa.

Video que nos presenta Latin Elation 1 (el disco de hoy) y Latin Elation 2, el siguiente trabajo de Martínez y que no hemos sido capaces de conseguir. El tema nos muestra a las claras la filosofía musical de la excepcional banda.


Durante su carrera ha trabajado con músicos de la talla de Paquito D'Rivera, Pat Metheny, Bernardo Sasetti, Diego Urrcola, Claudio Roditti, Alain Yavnai, Michael P. Mossman, Steve Rodby, Ben Sidran, Richie Cole, Ira Sullivan, Bill Watrous, Duffy Jackson, Ulf Radelius, Jerry González, Walfredo de los Reyes, Patato Valdés, Joe Williams, Néstor Torres, Ed Calle, Israel López "Cachao", Chano Domínguez, Perico Sambeat, Javier Colina, Jorge Pardo, por citar algunos de los más representativos. Entre sus más notables influencias Bobby cita a Joe Henderson, John Coltrane, Steve Coleman, Herbie Hancock, Miles Davis, Yellowjackets y Weather Report pero también a Irakere o Benny Moré. De hecho según él mismo asegura con humor, le han influenciado todos menos Kenny G.

Bobby Martinez es un consumado músico que domina diferentes estilos, desde el son, pop, jazz y latin jazz siempre con una soltura extraordinaria y muestra de ello es este trabajo, Latin Elation 1, que nos hemos decidido a compartir tras comprobar la imposibilidad de conseguirlo en las tiendas, a pesar de ser un trabajo reciente.

El disco comienza con un poderoso tema,
Agente Gómez, que mezcla elementos puramente jazzísticos con otros procedentes del fusion y del funk, con resultados absolutamente soberbios, conteniendo magníficos solos de Martinez, del bajista Alain Pérez y del trompetista Manuel Machado. Agente Gómez nos avisa de entrada que estamos a punto de escuchar un disco de altos vuelos y que ha pasado inadvertido por la cuestión de siempre; la escandalosa falta de promoción de los nuevos artistas.

El Tumbao de Benny, es una composición dedicada a uno de los ídolos de Bobby, Benny Moré. Un cha-cha-cha al que la banda sabe imprimir un sabor netamente afocubano y que cuenta con la participación de Paquito D'Rivera al saxo alto y de Mario Morejón al saxo tenor.

Ni Pa Ti Ni Pa Mi, es un tema de baile lleno de ritmos que van del montuno a la batucada y que nos permiten ver la habilidad de Martínez con la flauta y el saxo tenor, además de estar dotado de una buena melodía.

Samba D'Rivera es, como su nombre índica, un precioso homenaje a modo de samba llevada al terreno del jazz latino, con una nueva aparición estelar del siempre impresionante clarinete de Paquito D'Rivera. Atención al bonito diálogo que se establece al final del tema entre el saxo tenor de Martinez, el piano de Alon Yavnal y el clarinete de Paquito. Una delicia.

Cuban Skies se acerca más al jazz y cuenta con las particicipaciones especiales de Germán Kucich al piano, Paco Charlín al contrabajo, Juanma Barroso a la bateria y Jesús Santandreu al saxo tenor. Un tema en el que Martinez mantiene con su toque de flauta un nexo muy leve con la música latina, protagonista en el resto de la grabación, pero que aqui se ve relegada por el jazz.

Baba mi, es un tema de raíz muy africana, el único de todo el trabajo no puramente instrumental y que incluye la voz y el contrabajo de Yeisy Heredia, además de la voz de Georvis Pico y los tambores bata de Ramoncito González. La letra, un rezo a San Lázaro escrita en idioma yoruba, contiene una fuerte carga simbólica.

Yatai nos muestra que el jazz y la música de baile no tienen por que ser dos mundos opuestos. La pieza contiene una divertida base rítmica a cargo de Georvis Pico y Ramoncito González y bonitos sólos de Pepe Rivero y Alain Pérez.

Cierra este gran trabajo una extraordinaria versión de
Exótica, un clásico de Coltrane al que Martínez aporta ese inconfundible sabor afrocubano que tanto emociona a los habitantes de este humilde y musical tejado.
Latin Elation 1 es un disco que os queremos recomendar de forma muy especial.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Agente Gómez
Martínez

2-Tumbao de Benny
Martínez

3-Ni pa ti, Ni pa mi
Martínez

4-Samba D'Rivera
Martínez

5-Cuban Skies
Martínez

6-Baba Mi (Padre mío) Martínez
7-Yatai
Martínez

8-Exótica
Coltrane


CREDITS


Bobby Martinez
sax, flutes

Manuel Machado
trumpet
Pepe Rivero piano Georvis Pico drums Santy Greco electric bass Moisés Porro percussion Paquito D'Rivera alto sax, clarinet Yeisy Heredia vocals, acoustic bass Paco Charlín acoustic bass Alain Pérez bass Mario Morejón tenor sax
German Kucich, Alon Yavnal piano Juanma Barroso drums Jesús Santandreu tenor sax Ramoncito González tambores bata



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