viernes, 7 de mayo de 2010

"Bien Sabroso" (1983) del conguero Poncho Sánchez.







Ildefonso Sánchez, más conocido en el mundo del latin jazz por su sobrenombre, Poncho, es un extraordinario conguero y cantante nacido el 30 de octubre de 1951 en Laredo (Texas). Poncho era el menor de once hermanos, todos ellos muy musicales.

Cuando era pequeño su familía se traslado a
Notwalk, California, lugar donde trascurrió su infancia. La música ya tenía su importancia en la vida del joven Poncho que se vió de repente expuesto a varias y diferentes corrientes musicales, desde la música afro cubana (mambo, son, rumba, guaracha) que en aquellos momentos tenía a Tito Puente como máximo exponente hasta el jazz de Charlie Parker. Pronto comenzó a hacer sus pinitos con la guitarra, su primer instrumento, pero al ingresar en una banda callejera de R&B descubrió sus habilidades para el canto, convirtiéndose en el vocalista del grupo, influenciado principalmente por la voz de James Brown, icono del soul y el funk. En plena busqueda de su identidad, Sanchez escogió la flauta como nuevo instrumento, luego la bateria y los timbales, pero al llegar a la escuela secundaria decidió que se dedicaría plenamente a las congas. Exploro la música del Caribe, admiró a Mongo Santamaría y tocó mucho, mucho jazz porque eso era lo que hacía su idolatrado Carl Tjader.

Una noche, un hombre llamado
Ernie se acercó a la tarima en donde Poncho había acabado de tocar. "Oye, tú tocas muy bien", le dijo. "Qué haces en este lugar?". Ernie se refería a un modesto night club de la ciudad donde Poncho lideraba como conguero un pequeño conjunto que hacía toda clase de música. La charla concluyó que se verían otra vez en el Concerts By The Sea, un club de jazz ubicado en el número 30 de la Avenida Pier de Hermosa Beach en California. Cuando en la fecha acordada Poncho se acercó al local vió a Ernie charlando con un tipo que le resultaba tremendamente familiar. Era el mismísimo Cal Tjader. Tjader y Ernie hablaban y cuando Ernie se percató de su presencia, le dijo a Tjader, "Mira, Carl, ese es él". Tjader le ofreció tocar una semana con su banda y cuando ese tiempo expiró decidió contratarle de forma definitiva. Estarían juntos hasta la muerte del vibrafonista, acaecida durante una gira por Filipinas en el año 1982.

Carl Tjader interpreta Guachi Guara con Sanchez en su formación. Salvaje solo del conguero.


Pero antes de morir Tjader se había ocupado del futuro de su amigo Poncho, sugiriendo a Carl Jefferson, fundador de Concord Records, que le ofreciera un contrato. Y así fue. Poncho Sánchez firmaría para Concord a través de la venerable Concord Jazz Picante que tantas alegrías nos ha dado a los amantes del jazz latino. El resultado no se hizo esperar ya que ese mismo año aparecía "Sonando", una auténtica colección de temas que hablan sobre la enorme latitud del jazz latino, conteniendo clásicos del jazz como A Night in Tunisia o The Summer Knows, pero también mambo, guaracha, cha-cha-cha y lo que se le pusiera por delante. Su banda incorporaba a algunos grandes músicos como el pianista Charlie Otwell (hermano de Marshall Otwell, pianista habitual de Carmen McRae), el saxofonista Gary Foster o el percusionista Luis Conte. Su siguiente incursión sería "Baila Mi Gente: Salsa!", editado ese mismo año. En él podemos ver la faceta más popular del conguero que se decide también a exprimir sus habilidades vocales en un terreno más próximo a la salsa.

Será en el año 1983 cuando aparecerá en el mercado
"Bien Sabroso", el disco que hemos decidido acercar hoy a nuestro tejado.
"Bien Sabroso" es un excelente trabajo que sigue la linea trazada por "Sonando", incorporando una gran variedad de condimentos. El pianista, de nuevo Charlie Otwell, aporta dos preciosos temas, "Ahora" un alegre mambo en clave de bebop y Brisa, un delicado cha-cha-cha con suaves arreglos de flauta a cargo de Dick Mitchell.
En
"Keeper of the Flame", compuesto por Mark Levine (bonito su sólo de trombón de válvulas), Sanchez nos vuelve a recordar el largo y precioso tiempo que pasó con Tjader mientras que "Nancy", otro de los temas que os queremos destacar de forma especial, es un preciosos y emotivo bolero con una suave y jazzera melodía de trompeta originalmente llamado "Cupido", escrito por Don García.



También merecen mención especial los dos últimos cortes, "Half and Half", original del flautista Paul Horn y grabada por Carl Tjader en los 60s, donde Poncho se adentrá en los ritmos afro latinos con constantes y muy conseguidos cambios de ritmo y la pieza de cierre "Ican", un mambo escrito por Eddie Cano con excelente aportación de Otwell en forma de un poderosísimo tumbao.

En el siguiente reproductor podéis escuchar una versión en directo de Ican.


Actualmente Poncho Sanchez tiene 24 trabajos en el mercado, entre originales y directos y es uno de los congueros más respetados del jazz latino, lo que significa basicamente que es uno de los mejores. "Mi estilo requiere de mucha fuerza. No soy rápido como Giovanni Hidalgo, pero si tengo la mano pesada y en eso radica mi sonido seco, así: ¡Pah!" dice Sanchez definiendose con la espontaneidad que tienen aquellas personas que a pesar de su talento y fama conservan intacta su humildad. Y lo hace muy bien, dejando claro lo próximo que se encuentra su estilo al de su maestro conguero por excelencia, el gran Mongo Santamaria.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1. Ahora Otwell
2. Bien Sabroso Sánchez
3. Nancy Don García
4. Keeper Of The Flame Mark Levive
5. Brisa Otwell
6. Sin Timbal
7. Una Mas Kenny Dorham
8. Half And Half Paul Horn
9. Ican Eddie Cano


CREDITS

Poncho Sanchez congas
Charlie Otwell piano
Ramon Banda timbales
Tony Banda bass
David Romero bongos
Mark Levine trombone
Dick Mitchell tenor saxophone, flute
Steve Huffsteter trumpet, flugelhorn


Jazzy

"Brazilian Tapestry" (1976). Las dos caras del pianista George Muribus.






George Muribus es un interesante y desconocido pianista y teclista nacido en San Francisco. Se crió en una familia muy musical. Su hermana, Mary, era arpista en la Sant Louis Symphonie mientras que su hermano, Fred era un consumado violinista habitual de la New York Symphonic Orchestra.

Muribus comenzó a tocar piano clásico a los 4 años, recibiendo clases privadas de Soulima Stravinsky y Adolph Baller, hasta que al oir la música de George Shearing, Bill Evans y Oscar Peterson, sus más importantes influencias, se interesó definitivamente por el jazz.


En el año 1972 participa en la formación de la banda Azteca, un grupo liderado por el percusionista Coke Escovedo, con fuertes influencias de la música del guitarrista mejicano Carlos Santana, pero también del jazz, el latin, el funk y el fusion de la época. Con Azteka, Muribus grabó dos trabajos; "Azteca" (1972) y "Pyramid of the Moon", pero los discos no tuvieron demasiada aceptación y la banda acabo por disolverse.

Poco después llegaría el primer trabajo como lider del que tenemos constancia,
"Introducing George Muribus" y en el año 1976 se editaría "Brazilian Tapestry", el disco que hemos decidido compartir hoy con vosotros.

"Brazilian Tapestry" es un interesante ejercicio dividido en dos partes claramente diferenciadas. En la primera (cara A del vinilo original), Muribus nos traslada tres composiciones que mezclan el jazz y el latin con los ritmos brasileños y el fusion de mediados de los 70s. Agradable melodías , mucho piano eléctrico y algún salvaje solo de saxo ejecutado por Vince Denham que recuerdan poderosamente a Gato Barbieri. Pero en cara B, Muribus cambia de registro e incluso de músicos para acogerse al formato de trio de jazz y ofrecernos cuatro inspiradas piezas que beben de la tradición de algunos de sus más reverenciados músicos de jazz, entre los cuales resulta casi inevitable percibir la presencia de Bill Evans.

Esperamos que os guste.




Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

A1-Brazilian Tapestry
A2-I Won't Last A Day Without You
A3-The Dolphin
B1-Pocrasni
B2-Diminishing Returns
B3-Night Flower
B4-Alon

CREDITS

Side A

George Muribus Electric Piano
Dave Dunaway Bass
Vince Lateano Drums
Willie Colon Congas
Michael Howell Guitar
Vince Denham Tenor Saxofone

Side B

George Muribus Acoustic Piano
Len Lasher Bass
Vince Lateano Drums


Jazzy

jueves, 6 de mayo de 2010

"Terra Dos Pássaros" (1976-79) del gran guitarrista brasileño Toninho Horta








Antônio Maurício Horta de Melo, más conocido en el mundo musical como Toninho Horta es, simplemente, uno de los más grandes guitarristas que ha dado la música de Brasil. Nacido en Belo Horizonte, el día 2 de diciembre de 1948, Horta es, además un excelente compositor, vocalista, arreglista y productor.

Su carrera comienza en 1967. Con 19 años de edad, participa en el "11º Festival Internacional da Canção" en el que fue finalista con dos temas "Maria Madrugada" junto a Júnia Horta, y "Nem é Carnaval" con Márcio Borges.
Su estreno en un estudio de grabación se produce en 1969, de la mano de
Nivaldo Ornelas. Ese mismo año Horta toca por primera vez con Milton Nascimento.

Coincidiendo con el inicio de la década de los 70s,
Toninho Horta se traslada a Rio de Janeiro pasando a formar parte del grupo A Tribu, juntamente con la cantante y también guitarrista Joyce, Nelson Angelo (entonces pareja de Joyce), Novelli y Nana Vasconcelos. El año 1973 será la fecha en la cual aparecera su primera grabación, algunas veces llamada Posiçoes y otras "Beto Guedes, Danilo Caymmi, Novelli e Toninho Horta". Fue en esa misma época cuando comenzó a tocar con Elis Regina, además de participar en las históricas grabaciones del album Clube Da Esquina de Milton Nascimento, uno de los trabajos preferidos por el guitarrista Pat Metheny, quien considera a Horta como uno de los mejores instrumentistas de la historia.

Esta joya nos muestra una visita de Toninho a Pat Metheny en Rio de Janeiro. Una voz nos narra las influencias de Horta mientras suena la preciosa Mountain Flight, incluída en Diamonds Land. A continuación vemos a Metheny declarando su absoluta admiración por el guitarrista y para acabar una pequeña jam en el apartamento de Pat. Lo dicho, una auténtica gozada que queremos agradecer a SynclavierMPDR.


En lo sucesivo formó parte de las bandas de algunos grandes músicos brasileños como Edu Lobo, Gal Costa, Maria Bethânia o Nana Caymmi.
A mediados de la década de los 70s, concretamente entre junio de 1976 y septiembre de 1979
Toninho Horta graba su primer larga duración como lider junto a su Orquesta Fantasma. Se trata del indiscutible "Terra Dos Passaros", una extraordinaria colección de 10 temas , 9 de ellos compuestos o co-compuestos por el guitarrista, algunos tan emblemáticoa como "Ceu de Brasilia", "Pedra Da Lua", "Falso Ingles", "Beijo Partido" o la impresionante "Aquelas Coisas Todas", que durante más de 20 años ha servido de sintonía para uno de los mejores programas musicales de la historia de la radio española, "Cuando los Elefantes Sueñan con la Música", un espacio dedicado a la música de Brasil presentado por el respetado crítico musical Carlos Galilea.



"Terras Dos Pássaros" es una auténtica obra maestra que combina de forma acertada el jazz, la samba, la bossa nova, gotitas de rock y el jazz fusion de los años 70s, consiguiendo un sonido impecable que sería imitado por músicos de todo el mundo, algunos de ellos, como Metheny, confesos admiradores de este brillante intrumentista que además de las guitarras y de sus ajustados vocales, se permite hacer sus pinitos con el piano eléctrico y el bajo.

Un trabajo imprescindible que hemos decidido trasladar hoy a nuestro tejado.



Después de "
Terra Dos Pasaros" aparecería el autodenominado "Toninho Horta" (1980), sin duda otro gran disco del que hablaremos en un futuro post pero curiosamente su siguiente incursión tardaría prácticamente una década en llegar. El resultado sería "Diamonds Land" (1988), otro indiscutible album que se traduciría en un inesperado éxito y que le abriría definitivamente las puertas del mercado norteamericano. Al año siguiente Horta fijaba su residencia en la capital mundial de la música, la ciudad de New York. Allí coincidiría en grabaciones y escenarios con talentos de la talla de Sergio Mendes, Gil Evans, Flora Purim, Astrud Gilberto, Naná Vasconcelos, Paquito De Rivera, Airto Moreira, Wayne Shorter, Eliane Elias, Herbie Hancock, Keith Jarret, George Benson... la lista sería interminable.

En la actualidad Toninho Horta tiene más de veinte trabajos en el mercado, algunos de ellos tan potentes como "Moonstone" (1989), "Durango Kid I y II" (1993-1995), "Foot On the Road" (1994), "Sem Vocé" (1995) en colaboración con su amiga Joyce o su personal homenaje al maestro Tom Jobim llamado "From Ton To Tom", editado en el año 2000. Su último larga duración se llama "Tonight" y fue grabado junto a Tom Lellis en el año 2008.

En
Brasil Toninho Horta ha trabajado para prácticamente todas las estrellas del firmamento de la bossa nova y la MPB. La lista incluye al maestro Tom Jobim, la diosa Elis Regina, Gal Costa, Milton Nascimento, Maria Bethânia, Jane Duboc, Caetano Veloso, MPB4, Simone, Leny Andrade, João Bosco, Hermeto Pascoal, Beto Guedes, Lô Borges, Wagner Tiso, Nivaldo Ornelas, Edu Lobo, Boca Livre, Alaíde Costa, Nana Caymmi, Dori Caymmi, Dominguinhos, Nico Assumpçao, Paulo Moura, Nelson Ayres, Márcio Montarroyos, Joyce, Luis Alves, Raul de Souza, Leila Pinheiro, Paulo Braga, Yuri Popoff, Emílio Santiago, Robertinho Silva, Pery Ribeiro, Luiz Eça, André Dequech, Halley Flamarion, Aécio Flavio, Marlene, Rafael Rabello, Sebastião Tapajós, Eduardo Conde, Jacques Morelembaum, Nelson Angelo, Esdras Ferreira "Neném", Mauro Senise, Léo Gandelman, Armando Marçal, Djalma Correa, Chiquito Braga, Fafá de Belém, Tavinho Moura, Fernando Brant, Ronaldo Bastos, Lena Horta, Márcio Borges, Toquinho, Ney Matogrosso, Gilson Peranzzetta, Juarez Moreira, Quarteto em Cy y muchos, muchos más.

Toninho interpreta Corcovado junto a Romero Lubambo, otra de las grandes guitarras de Brasil. Un delicioso video.


Algunos de los reconocimientos conseguidos por Toninho incluyen un 5ª y 7º puesto en el listado de los mejores guitarristas del mundo, publicado por la revista británica "Melody Maker" en 1977 y 1978 además del privilegio de ser considerado como uno de los guitarristas más influyentes del mundo del jazz del pasado siglo XX.

Esteramos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.


TRACKS

1-Ceu de Brasilia
Horta, Brant

2-Diana
Horta, Brant

3-Dona Olimpia
Horta, Bastos

4-Viver de Amor
Horta, Bastos

5-Pedra Da Lua
Horta, Cacaso

6-Serenade
Horta, Bastos

7-Aquelas Coisas Todas
Horta

8-Falso Ingles
Horta, Brant

9-Terra Dos Passaros/Beijo Partido
Horta

10-No Carnaval
Jota, Veloso


CREDITS


Toninho Horta
Guitar, Vocals, Electric Piano, Bass

Milton Nascimento
Vocals

Lena Horta, Mauro Senise
Flute

Hugo Fattoruso
Arp Odyssey

Raul De Souza
Trombone

Jorge Osvaldo Fattoruso, Airto Moreira, Rubinho
Drums

Laudir de Oliveira, Zé Eduardo Nazario
Percussion

Novelli, Luis Alves
Bass
Wagner Tiso Piano, Organ
Nivaldo Ornellas
Sax Tenor, Sax Soprano

Georgiana De Moraes
Caxixi

Gloria Bertalot Vocals
Ringo Thielmann Rekenbaker Bass
Orquesta de Cuerdas de Campinas
Orquesta de Cuerdas de Rio Do Janeiro



Jazzy

miércoles, 5 de mayo de 2010

"Hideaway" (1980) el primer gran trabajo del saxofonista David Sanborn.









Aclamado como uno de los grandes saxofonistas de la historia, David Sanborn es un artista cuya música ha inspirado a músicos de todos los estilos posibles, desde el rock hasta el jazz pasando por el pop y el R&B. Es además uno de los saxos más influyentes dentro del universo de la fusión de estilos.
Nacido el 30 de julio de 1945 en
Tampa (Florida), David William Sanborn contrajo la polio cuando tenía tres años de edad. Como parte del tratamiento de rehabilitación el pequeño David comenzó a tocar el saxofón y lo cierto es que el resultado de la terapia sorprendió a todos.

Desde el Festival de Montreux de 1984, el tema que da título a esta grabación, "Hideaway", junto a Larry Willis (keyboards), Hiram Bullock (guitar), Tom Barney (bass), Buddy Williams (drums) y con Rickie Lee Jones (piano & vocals) como invitado especial.


Sanborn creció en Sant Louis (Missouri). Sus primeras influencias vendrían de los grandes artistas de blues de Chicago. Antes de acabar sus estudios Sanborn había tocado ya con gente como Albert King o Little Milton. "cuando tenía 17 0 18 años y no sabía que hacer con mi vida entendí que nada me hacía disfrutar más que tocar música. No había elección, tenía que ser músico. O eso o robar coches", dijo el propio Sanborn.
Al cumplir los 20 años ya se había casado y tenía un hijo,
Jonathan, a quien ha dedicado todos y cada uno de los 23 trabajos que, como líder, tiene editados hasta la fecha. En esos días recibió una llamada de un viejo amigo de San Francisco, el batería Teddy Steward, quien le convenció para trasladarse a California. Una vez allí una nueva llamada de otro viejo amigo, Phillip Wilson, le invitaba a participar en la grabación del primer disco de una grupo que acababa de montar, la Butterfield Blues Band. "Cada día me tocaba ir en autobús desde San Francisco a Los Ángeles, luego tomaba otro autobús hasta Hollywood donde se encontraba el hotel de Phillip y desde allí iba al estudió con él"."Sólo tenía mi instrumento. Creo que fue por eso y por mi patético aspecto (allí en pie con mi saxo) que un día Paul Butterfield me dijo, ' por que no vienes y tocas en un tema?'. Le dije que si y a partir de ese día estuve con él durante 5 años", comenta Sanborn.

Durante esos 5 años la
Butterfield Blues Band tocó en centenares de conciertos (Woodstock entre ellos). Cuando la banda se disolvió, Sanborn fue el único que tuvo ofertas. Una semana más tarde ya se encontraba de gira con el gran Stevie Wonder (con quién grabó en el fantástico "Talking Book"), luego con los Rolling Stones y más tarde con David Bowie, participando en su famosa grabación de 1975 "Young Americans". Ese mismo año David Sanborn gravaba su primer disco en solitario, "Taking off" obteniendo un nivel de ventas aceptable. Eso le permitió seguir haciendo trabajos como líder mientras tocaba para otros músicos como Paul Simon o James Taylor.

En 1976 llega su segundo trabajo , el autodenominado "Sanborn". El disco incluye a algunos músicos que serán importantes en su carrera futura, como el recientemente desaparecido guitarrista Hiram Bullock o el vocalista Paul Simon, pero como en el caso de su primer intento, "Taking Off", Sanborn no firma ninguno de los 8 temas que lo conforman, de hecho David Sanborn no incluiría un tema de cosecha propia hasta su cuarto trabajo, "Heart to Heart" grabado en 1978. En "Sanborn" la tarea de composición corrió a cargo de artistas como Paul Simon, que firma la preciosa y relajada "I Do It For Love", Rosalinda De Leon, teclista de la banda, que propone dos temas de sabor más latino como "Indio" y "Mamacita", Hiram Bullock, quien nos regala un track muy funky llamado "Concrete Boogie" o el bateria Victor Lewis, quien firma las dos últimas piezas , "Sophisticated Squaw" y "7th Ave.". Destacamos especialmente la primera versión de unos de los temas que serán clásicos en la discografía de Sanborn, "Smile" con música de Perkinson y letra de Simon. Las voces que oímos en el tema son las de Patti Austin, Lani Groves, Paul Simon y Phoebe Snow.

Al año siguiente editaría el discreto "Promise Me The Moon" al que le seguiría el antes mencionado "Heart to Heart". Pero sería en el año 1979 cuando David Sanborn graba el que creémos es su primer gran trabajo, "Hideaway", un larga duración que comienza a fomentar las buenas artes compositivas de Sanborn, quien firma o cofirma 5 de los 8 temas que lo componen y que en nuestra opinión son lo mejor del trabajo, con especial mención para las dos preciosas baladas "Carly" (dedicada a la vocalista Carly Simon) y "If You Would Be Mine", pero sin olvidarnos de "Hideaway", un corte que en un futuro sería importante en la discografía del saxofonista, siendo la composición elegida para abrir el brillante directo "Straight to the Heart" del año 1982, que podéis encontrar en Música para Gatos.

"Lisa", compuesta por Sanborn para Hideaway. Aquí le vemos junto a Marcus Miller (Bass), Hiram Bullock (Guitar), Don Grolnick (Keyboards) y Buddy Williams (Drums)


Pero volviendo al disco que nos ocupa, "Hideaway" marca el principio de una extraordinaria carrera ya que es cuando Sanborn encuentra el equilibrio que permite que sus discos no sean tan eclécticos, centrándose en los aspectos que más le
interesan y siendo capaz de reunir a una impresionante legión de brillantes músicos entre los cuales podemos mencionar al bajista Marcus Miller (que sería pieza clave en el desarrollo de la carrera de Sanborn); a los baterias Steve Gadd, Rick Marotta y Buddy Williams; los teclistas Don Groinick y Rob Mounsey; el vibrafonista Mike Mainieri o el solicitadísimo percusionista Ralph McDonald quien co-firma con Sanborn el tercero y último de los temas, "Anything you Want" y "Again and Again". Otra de las composiciones del trabajo, "The Seduction" fue escogida como tema central en la banda sonora original de la película American Gigolo dirigida por Paul Schrader en el año 1980.

Como curiosidad comentaros que David Sanborn se permite el lujo de tocar, además de todos los saxofones, Fender Rhodes (en "Hideaway" y "Lisa") y Hammond B-3 Organ (en "Creeper"), sonidos que encantan a todos y cada uno de los gatitos que poblamos este cada vez más denso y estimulante tejado musical.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.


TRACKS

1-Hideaway Sanborn
2-Carly's Song Sanborn
3-Anything You Want
McDonald, Sanborn

4-The Seduction (Love Theme) Moroder
5-Lisa
Sanborn

6-If You Would Be Mine
Colina

7-Creeper Evans, Sanborn
8-Again an Again
MacDonald, Sanborn


CREDITS


David Sanborn
Keyboards, Saxophone, Sax (Alto), Sax (Soprano), Sax (Tenor), Handclapping, Fender Rhodes
Ray Bardani Percussion, Tambourine, Producer, Engineer, Cabassa, Cowbell, Mixing, Hi Hat Michael Colina Synthesizer, Piano, Strings, Producer, Fender Rhodes, String Arrangements, Polymoog, Crumar Marcus Miller Bass Hiram Bullock Guitar, Guitar (Electric), Vocals Julian Fifer, Richard Sher Cello Guillermo Figueroa, Ronnie Bauch, Ben Hudson, Joanna Jenner, How Liang-Ping, Carol Zeavin, William Henry, Ruth Waterman Violins Steve Gadd, Rick Marotta, Buddy Williams Drums Don Grolnick Keyboards, Clavinet, Fender Rhodes Naimy Hackett, David Lasley, Arnold McCuller Vocals (bckgr) Bette Sussman, James Taylor Vocals, Vocals (bckgr) Neil Jason Bass, Fretless Bass John Evans Bass Rob Mounsey Piano (Electric) Danny Kortchmar Guitar Jody Linscott Conga, Cabassa, Cowbell Ralph MacDonald Percussion, Conga, Triangle, Finger Cymbals Mike Mainieri Marimba, Vibraphone Jeff Mironov Guitar (Acoustic), Guitar (Electric) Paul Shaffer Fender Rhodes David Spinozza Guitar (Acoustic), Guitar, Guitar (Electric) Waddy Wachtel Guitar (Electric)


Jazzy

martes, 4 de mayo de 2010

Canciones para Gatos: "Valsa Do Porto Das Caixas" de Antonio Carlos Jobim.








Para aquellos que aún duden de la influencia que la música clásica ejerció sobre la bossa nova, hoy hemos decidido seleccionar para nuestro tejado este precioso y desconocido tema del maestro Antonio Carlos Jobim muy próximo a algunas composiciones de Chopin y Debussy.

Para poneros en situación hemos querido incluir esta versión de uno de los más conocidos temas de Jobim cantada junto a uno de los íconos de la musica popular americana, Andy Williams.


Valsa do Porto das Caixas fue uno de los temas de la banda sonora que Jobim compuso para una película brasileña del año 1962 dirigida por Paulo Cesar Saraceni, llamada Porto Das Caixas, basada en un guión de Lúcio Cardoso y que explica la historia real de un crimen acaecido en Itaborai, ciudad del estado de Rio de Janeiro, donde una mujer maltratada por su estúpido e ignorante marido decide acabar con él usando para el trabajo todos sus femeninos encantos, de hecho, lo único de lo que dispone.

La ciudad de
Porto das Caixas se hizo también famosa tras la noticia de la aparición de una estatua de Jesucristo que presuntamente lloraba lágrimas de sangre. La historia resultó ser un fraude ya que finalmente se comprobó que dicha efigie estaba singularmente equipada con un mecanismo que creaba ese efecto. Una pena para los religiosos del mundo.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

Ficha Técnica

Nombre: Valsa do Porto das Caixas
Compuesta por: Antonio Carlos Jobim
Año de composición: 1962
Incluída en el disco: The Wonderful World of Antonio Carlos Jobim (Recopilación).
Editado en el año: 2000
Credits: desconocidos.

Jazzy

lunes, 3 de mayo de 2010

"Mr. 335: Live in Japan" del gran guitarrista californiano Larry Carlton






Larry Carlton
nace un 2 de marzo del 1948 en Torrance, California. Cogió su primera guitarra cuando tenía 6 años y descubrió el jazz en el instituto escuchando a The Gerald Wilson Big Band y sobretodo a Joe Pass. Fue entonces cuando comenzó a interesarse por artistas que iban a ser sus principales influencias, entre los cuales destacan Barney Kessel, Wes Montgomery y B.B. King. También John Coltrane fue primordial. De hecho Carlton pasó largas horas escuchando su disco "Ballads" de 1962.

En 1968 grabó su primer trabajo en solitario que se llamaría "With a little Help From My Friends" y que tuvo una entusiasta acogida por parte de público y crítica. Poco después sería reclutado por The Crusaders con quienes participaría en hasta 13 trabajos hasta el año 1976, contribuyendo incluso con composiciones propias y , sobretodo, con ese suave sonido que conseguía con su guitarra Gibson ES-335. Esa guitarra daría ápodo a Carlton, conocido desde entonces como Mr. 335. Recordar también que el estudio de grabación de Larry Carlton se llamó Room 335, que es además el título de uno de más grandes temas.

Room 335, uno de los temas más conocidos de Carlton.


Al acabar su relación con The Crusaders, Carlton firmó con Warner Bross Records para quienes grabaría hasta 6 trabajos entre 1977 y 1984 comenzando por "Larry Carlton" (1978), le sigue el directo "Mr. 335: Live in Japan" (1979), "Sleepwalk" (1981), "Strikes Twice" (1981), "Eight Times Up" (1983) y "Friends" (1983). Durante esos años Carlton fue además un solicitadísimo músico de estudio que participó en cientos de grabaciones, algunas de gente tan importante como Steely Dan, Al Jarreau, John Klemmer, Michael Franks, Spyro Gyra, Randy Crawford o Barbra Streisand por citar unos pocos.

Hoy nos vamos a centrar en su disco en directo, "Mr. 335: Live in Japan" grabado en el año 1979. El trabajo es el resultado de la grabación de un concierto celegrado el día 1 de noviembre del año 1978 en la sala Yobinchokin de la capital nipona. Para su elaboración Carlton contó con destacados músicos como el teclista Gregg Mathieson, autor del único tema del larga duración no compuesto por el guitarrista, "I'm Home" (que ese mismo año había sido uno de los temas principales de fantástico "All Fly Home" de Al Jarreau), el bajista Neil Stubenhaus, Joe Ferrara a la batería y Paulinho Da Costa a la percusión. Y lo cierto es que el resultado es un trabajo con grandes contrastes que incluye delicados temas como el citado "I'm Home" o "It Was Only Yesterday" pero también salvajes descargas musicales como Rio Samba, con aires brasileños, o la brillantísima Point It Up, una composición que oscila entre el jazz y el rock sin problema alguno, con tremendos sólos de Carlton y Mathieson y una linea de bateria de Ferrara que te dejará sin aliento.


Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-I`M a Fool Carlton
2-Mellow Out Carlton
3-Tight Squeeze Carlton
4-I`M Home Mathieson
5-Rio Samba Carlton
6-(It Was) Only Yesterday Carlton
7-Point It Up Carlton

CREDITS

Larry Carlton Guitar, Vocals
Paulinho Da Costa Percussion
John Ferraro Drums
Greg Mathieson Keyboards
Neil Stubenhaus Bass



Jazzy