Gino Vannelli estudió teoría de la música en la McGill University, en su Montreal natal. Su padre, Russ Vannelli, era un gran aficionado al jazz y al descubrir el talento del joven Gino y también de sus hermanos Joe y Ross, decidió traspasar su afición a sus hijos. Pensó que Gino podía ser un excelente bateria y emular a su ídolo Gene Kruppa y de hecho el aprendizaje de ese instrumento tendría una importante influencia en la música de Vannelli. Pero Gino crecía en una época en la cual los Beatles arrasaban. El joven Vannelli asistía además regularmente a los conciertos de música clásica que se daban en su entorno. Por si eso fuera poco, el jazz-rock estaba empezando a tomar forma y gente como Dave Brubeck o Miles Davis ya eran considerados auténticos fenómenos sociales. A principios de los 70 otra nueva banda que tenía como lider a un pianista aficionado a los nuevos instrumentos sintetizados que respondía al nombre de Joseph Zawinul, Weather Report, irrumpía también en un mercado musical desbordante de creatividad. Toda esta sucesión de hechos sería decisiva en la creación del estilo Vannelli. En aquellos momentos, los hermanos Gino y Joe intentaban sin demasiado éxito hacer una primera grabación. Un buen día, hartos del rechazo que habían sufrido por parte de todas las compañías discográficas con las que habían estado en contacto, Gino, guitarra en mano, decidió esperar al reputado productor y trompetista Herp Alpert en el parking de la discográfica A&M Records, propiedad de este. Parece ser que Alpert comprendió que Vannelli iba a tocar aunque se hundiera el mundo y asistió con una sonrisa en los labios al improvisado concierto. Cuando Vanneli dejó de tocar Alpert se acercó y le dijo "Muy bien chico, vas a grabar, y yo voy a producir tu primer disco".En aquellos momentos Herp Alpert triumfaba con su Tijuana Brass Band y había ganado mucho dinero produciendo a Sergio Mendes & Brasil 66. Resulta pues evidente la influencia de Alpert en el primer trabajo de Vannelli, "Crazy Life" (1973), repleto de ritmos brasileños. La canción que dá título al disco, una preciosa balada con aires de bossanova, es la única pieza aún presente en el repertorio actual de Vannelli y ha sido interpretada en la mayoría de los conciertos del vocalista de Montreal. Una pena ya que el disco contiene varios excelentes temas como "Cherizar", "There's no Time" o "Fling on Mine", entre otros.
Hace ya años que el disco está descatalogado y es imposible prácticamente conseguir una versión en CD. Por esa razón me he decidido a compartirlo con vosotros en este foro. Espero que lo disfrutéis.
TRACKS
1. Crazy Life
2. Hollywood Holiday
3. There's No Time
4. Fling of Mine
5. Granny Goodbye
6. Great Lake Canoe
7. Cherizar
8. One Woman Lover
9. Piano Song
Link a "Crazy Life" de Gino Vannelli en comentarios.
En el año 1975 la escena musical de Buffalo, localidad cercana a New York, estaba rebosante de creatividad. Grupos de todos los estilos musicales posibles se daban cita en los diversos locales nocturnos de la ciudad. Por aquellos entonces, dos viejos amigos , el saxofonista de Brooklin, Jay Beckenstein y el teclista Jeremy Wall, también de NYC pero que acababa de llegar de Los Ángeles, se reencontraron y decidieron montar una banda. Como no tenían repertorio se dedicaron a tocar versiones de clásicos de R&B hasta que un buen día, improvisando sobre bases rítmicas de grupos como “Weather Report”, “Earth, Wind & Fire” o “Marvin Gaye”, empezaron a crear un especial sonido que iba a ser el inicio de una revolución musical. Su secreto era la mezcla sin concesiones de todos los estilos musicales posibles, aunando una gran riqueza rítmica con un excelente sentido de la melodía y la armonía, algo de lo cual adolecían en aquel momento la mayoría de grupos de fusión, que se conformaban con experimentar y mezclar ritmos eludiendo melodía en beneficio de solos de gran calidad técnica pero frecuentemente carentes de alma.Ese nuevo y especial sonido reportó a la banda una gran notoriedad a nivel local. Una noche antes de su primer concierto en un local de Buffalo de nombre Jack Daniels, el dueño del local preguntó a Beckenstein cual era el nombre de la banda y este, recordando las clases de biología que había recibido en la escuela, le dijo “llámalo Spirogyra”. Spirogyra es un alga marina de color verde intenso (cosa que probablemente inspiró las portadas de algunos de sus primeros trabajos). Pero la persona no lo transcribió correctamente y Spyro Gyra fue finalmente el nombre que utilizaría a banda hasta la actualidad.
En 1976 Jay Beckenstein se asoció con el bateria Richard Calandra y fundaron Amherst Records. Alquilaron un pequeño local, un mezclador de 16 pistas y con eso y pocos recursos más, editaron, dos años más tarde, 500 copias de “Spyro Gyra”, su primer LP. El mismo Beckenstein se encargó de repartirlas con su vehículo por todas las tiendas de discos cercanas. De repente se produjo el milagro y la pieza de apertura, “Shaker Song” se convirtió en un éxito en las radios locales.
Con tan rudimentaria producción “Spyro Gyra” vendería 70.000 copias de su primer trabajo. En esta primera grabación ya participarían algunos músicos que iban a ser importantes en el devenir futuro del grupo; el joven y excelente teclista Tom Schumann, y David Samuels, virtuoso del vibráfono y la marimba.
"Spyro Gyra" ya nos muestra algunos de los sonidos que convertirían al grupo en una auténtica leyenda que hoy en día, después de 33 años, aún sigue en activo.
Desde hace algunos años años la música de Brasil está experimentando un lógico cambio generacional. Excepto en algunos pocos casos, las primeras generaciones de músicos, aquellos que prácticamente crearon y dieron forma a MPB, ya no se encuentran en su mejor momento creativo (o han desaparecido por motivos comerciales o biológicos) y resulta necesaria la aparición de nuevos artistas que tomen el relevo y contribuyan a enriquecer este estilo musical que sus padres artísticos supieron promocionar para hacerlo extensivo a paladares de todo el mundo. Lamentablemente parece que actualmente en Brasil para ser cantante o músico tengas que ser hijo (en este caso no artístico, sino natural) de alguna de las figuras que integran el Olimpo de la MPB.
Por ahí circulan Maria Rita (hija de Elis Regina y de Cesar Camargo Mariano), Bebel Gilberto (hija de Joao Gilberto y de Miúcha, la hermana de Chico Buarque), Moreno Veloso (hijo de Caetano), Phillipe Baden y Louis Marcel (hijos de Baden Powell), Bena Lobo (hija de Edu Lobo), Claudio Lins (hijo de Ivan),
Daniel Jobim (nieto de Tom Jobim) o Petra Gil (hija del actual ministro de cultura del gobierno de Lula, Gilberto Gil) y lo cierto es que en muy pocos casos se han cubierto las expectativas artísticas que auguraban.
Pero este no es el caso que nos ocupa. En la trayectoria sonora de la vida del cantante,compositor, guitarrista (es en realidad un multi instrumentista), arreglista y productor Filó Machado, figuran entre participaciones y discos, los más prestigiosos nombres de la música brasileña e internacional como: Michel Legrand, Paul Mauriat, Jon Hendricks, Jane Duboc, Iván Lins, Leny Andrade, Joyce, Raul de Souza, Johnny Alf, Tim Maia o Flora Purim por citar unos pocos.
Filó Machado empezó tocando temas compuestos por gente como Djavan, Aldir Blanc, Sérgio Natureza, Taiguara Judith de Souza, Sergio Ricardo y Fátima Güedes , lo que le dio la oportunidad de presentarse en los Festivales de Jazz de Córcega y Uzeste en Francia, y a hacer de telonero de Nina Simone en el Festival de Jazz de Cannes.
En el año 1995 participa como músico y compositor en el magnífico album de la flautista y saxofonista canadiense Jane Bunnett, junto a músicos de la talla de la propia Bunnett, Larry Cramer, Paquito d'Rivera, Hilario Duran o de su hermano Celso Machado. De los 10 temas que componen el trabajo, 5 están firmados por Filó Machado.
Pero fue en el año 2000 cuando los norteamericanos descubrieron su música coincidiendo con el lanzamiento de su trabajo “Cantando un Samba”(1999) grabado por la discográfica de Ohio, Malandro Records.
El disco obtuvo unánimes elogios por parte de la crítica especializada de Jazz y de Word Music, en prestigiosas revistas como Dawn Beat, Jazziz, Jazz Now y Rhythm, además de constar en la lista de los 44 títulos más recomendados para participar en los premios Grammy del año 2000 en la categoría Mejor Album de Jazz Latino.
"Cantando un Samba" llevó a Filó Machado a uno de los escenarios considerados como templos mundiales de la música. Por invitación del maestro Ettore Stratta y de la productora Pat Philips, Machado compartió los escenarios del Carnegie Hall con figuras tan importantes como Gal Costa, Dori Caymmi, Toots Thielemans, César Camargo Mariano, Jane Monheit, Romero Lubambo o Paula Robinson en el espectáculo “40 Años de Bossa Nova”. Seguidamente se presentó en el Snug Harbor en New Orleans, luego en el Bird of Paradise Jazz Club en Ann Arbor , y en el Nigth Town en Cleveland. Había nacido una estrella.
En el 2001 la discográfica Lua Discos lanzó su trabajo “Porto Seguro”, con músicas e interpretaciones inéditas de Filó Machado. El repertorio, como siempre en esencia brasileño, tomó en cuenta clásicos de la MPB como "Maracangalhá" de Dorival Caymmi y "María Tres Filos" de Milton Nascimento y Fernando Brandt. En el resto de temas Machado se apoya en las interpretaciones de talentos como Arismar do Espírito Santo, Léa Freire, Proveta, Robertinho Silva y Laercio de Freitas.
En el año 2004 aparece el excelente “Jazz de Senzala”, producido por Maritaca, y que cuenta con las participaciones especiales de Toninho Horta, Arismar do Espírito Santo, Léa Freire, Vinicius Dorin, Teco Cardoso, Théo de Barros y Thiago do Espírito Santo. Al año siguiente nos sorprende con “Tom Brasileiro” (Lua Music), en colaboración con la cantante Cibele Condonho. El trabajo es un precioso homenaje a la música del maestro Tom Jobim.
A inicios del 2006 lanza el CD “Brazil Conection” a lado del bajista japonés Tetsuo Sakurai, con quien realizó una gira por Japón e Indonesia. En el 2007 dirigió e hizo todos los arreglos del show “Era Iluminada”, que contó con las participaciones de Roberto Menescal, Joao Donato, Joyce, Miucha, Claudete Soares, Adriana Godoy, Gina Viscardi, Dj Patife y DJ Madzoo.
A continuación os dejo una magnífica versión del tema Jogral, compuesto por Aldir Blanc y que recordaréis en la voz de Djavan. El clip es parte de un concierto celebrado en el 2006 en el Villaggio Café de Sao Paulo. Filó está acompañado por Debora Gurgel al piano y Daniel D'Alcantara a la trompeta.
Actualmente Filó Machado se encuentra a punto para lanzar dos nuevos trabajos. El primero de ellos será “Salve América”, un CD acústico de voz y guitarra mientras que el segundo, que se llamará "Ubida", cuenta con las participaciones de músicos de tanto nivel como Kenny Barron, César Camargo Mariano, Romero Lubambo, Paulo Braga, Nilson Matta, Teco Cardoso y Steve Turre.
Espero que disfrutéis del increíble talento de Filó Machado.
Alwyn Lopez Jarreau nacido el 12 de marzo de 1940 en Milwakee (USA) es, sin duda, uno de los mejores vocalistas que ha dado la música. Dotado de un privilegiado rango vocal de alrededor de 3 octavas y media, Jarreau se ha caracterizado además por ser un auténtico maestro de la percusión vocal y del scat, estilo que heredó de la escuela de jazz tradicional. Billie Holiday y Nat"King"Cole fueron algunas de sus más prontas referencias.
Su padre era Ministro de la Iglesia Adventista del 7º día además de vocalista aficionado, mientras que su madre era pianista en una iglesia. Por esa razón el pequeño Al, con sólo 4 años de edad, empezó a hacer sus primeros pasos actuando junto a sus hermanos en las misas y en eventos locales en su Milwakee natal. Pero Jarreau ha sido siempre un hombre polifacético y culturalmente inquieto. Estudió en Ripon College en Wisconsin y posteriormente se graduó en Psicología. Además Jarreau era un excelente deportista y llegó a destacar principalmente como baloncestista. Mientras tanto montó un grupo llamado The Indigos con el cual ofrecía conciertos en pequeños locales los días festivos y fines de semana.
Con el título de Psicología bajo el brazo Jarreau se trasladó a Iowa para completar su formación con un Master de rehabilitación para disminuidos con la intención de ejercer esta profesión. Su primer destino laboral sería San Francisco, donde comenzó a trabajar como rehabilitador. Fue en esta ciudad donde la carrera de Al Jarreau comenzaría a tomar forma. Sin darse prácticamente cuenta se encontró cantando en pequeños locales en formación de trio con su buen amigo, el gran teclista y vocalista George Duke. Fue entonces cuando Jarreau decidió que su vida la iba a dedicar a la música y con este empeño se mudó a Los Ángeles.
Comenzó actuando en pequeños locales como Dino's, Trouvator o Bitter End West. Jarreau necesitaba grabar su primer disco para mostrar al mundo sus facultades y lo cierto es que no le resultó nada fácil. El recién nacido rock & roll copaba todos los esfuerzos de las compañías discográficas y este era un escenario realmente complicado para un nuevo artista de jazz. Ante la escasez de oportunidades Al Jarreau volvió a su Milwakee natal donde encabezo su propio grupo de jazz-rock. Estaba claro que dedicarse a la música no iba a resultar tarea sencilla, pero estaba tan convencido que decidió volver a Los Ángeles. Ante la ausencia de ofertas se dedicó a desarrollar su ya enorme repertorio de técnicas vocales y empezó a escribir sus primeras letras y canciones. Su trabajo tendría recompensa ya que en 1975 Warner Bross le ofrecería su primer contrato. El larga duración se llamaría "We Got By" y saldría al mercado ese mismo año. El trabajo estaría producido por Al Schmitt. En "We Got By"Jarreau nos muestra su versión más soul y contiene algunos temas memorables como el propio "We Got By", "Spirits", "Susan's Song", "Letter Perfect" o la famosa "You Don't See Me". Son 9 temas en total, todos ellos escritos por Al Jarreau quien ganó su primer Grammy Alemán como nuevo solista internacional. Su carrera había despegado definitivamente y ya nadie la iba a detener. En "We Got By"Al Jarreau contaría con la colaboración del teclista Tom Canning quien participó en los arreglos de todos los temas, además de Joe Correro a la bateria, Paul Stallworth al bajo, Larry Bunker al vibráfono y Arthur Adams en guitarra. El teclista Dave Grusin participó en los arreglos de vientos y cuerdas y en teclados adicionales. El trabajo fue un gran éxito y abonó el terreno para la aparición de su segundo L.P. Se llamaría "Glow" y contendría de nuevo 9 temas de los cuales cuatro serían composiciones de Jarreau y los cinco restantes versiones de gente tan diferente como Leon Rusell, Elton John, James Taylor o Antonio Carlos Jobim. Nuevo éxito y nuevo Grammy Alemán. La carrera de Jarreau ya era una auténtica realidad, pero lo cierto es que su éxito se había producido principalmente en Europa. Jarreau decidió entonces que había llegado el momento de saltar el charco y en 1977 se enbarcó en una gira europea que daría lugar a su tercer trabajo, el primero de sus discos en directo. Su nombre "Look to the rainbow".
"Look to the Rainbow" es un excelente disco que contiene algunas inolvidables interpretaciones de Jarreau. El trabajo nos muestra la extraordinaria versatilidad del vocalista. De nuevo producido por Tommy LiPuma y Al Schmitt, incluye a algunos de los músicos que Jarreau había utilizado en sus dos primeras grabaciones como Tom Canning o Joe Correro e incorpora además al extraordinario bajista Abe Laboriel y a Lynn Blessing al vibráfono. El resultado son 15 temas , 9 del propio Jarreau y 4 clásicos entre los cuales destacan "Rainbow in your eyes" de Leon Rusell y una increíble versión de la pieza maestra de Paul Desmond, "Take five".
Aquí tenéis una muestra de su increíble talento.
Os adjunto también algunos temas incluídos en sus primeros tres trabajos.
Lamentablemente la versión en CD de "Look to the Rainbow" está recortada ya que en el momento de su publicación la duración máxima de un CD era inferior a la duración del trabajo en el doble vinilo aparecido en 1977. Para los que no hayan oído la grabación original puede que este detalle pase desapercibido pero resulta muy desagradable si conoces a fondo todos los cortes. Entendemos que quizás no sería una reedición rentable pero es una pena tener que seguir utilizando el vinilo para escuchar "Burst in with the dawn" o "Lovin' You" en su totalidad.
La carrera de Jarreau siguió y sigue. A pesar de que algunos críticos le acusarán de que sus discos eran marcadamente pop, especialmente en la década de los 80. Pero lo cierto es que la música de Jarreau es siempre buena música, sea jazz, soul, funk, R&B o como quieran etiquetarla.
En este post nos hemos dedicado únicamente a hablar de los tres primeros trabajos de Al Jarreau pero no será la última vez que hablemos de este excepcional vocalista, De hecho recientemente ha aparecido en el mercado su último disco, "Christmas" (2008) del que tendréis noticias a través de este espacio.
En el año 2003 apareció en la siempre interesante escena del R&B británico un disco de una cantante absolutamente desconocida. Se trataba de una joven de 19 años de nombre Amy y con fama de ser un tanto especial. El disco tenía un título poco comercial, como lo son todos aquellos nombres de discos o películas que hacen referencia a alguien absolutamente desconocido. Era un trabajo plagado de diversas influencias, desde el rock a la bossanova, pero mayormente centrado en R&B y el Hip Hop americano de los años 90. Eso que ahora se empeñan en llamar neo-soul. El disco recibió un alud de buenas críticas y fue firme candidato a multitud de premios. Estamos hablando de "Frank" (2003) de la polémica cantante Amy Winehouse. Al principio el trabajo pasó un tanto desapercibido para el granpúblico y la gente que presume de tener un oído un poco afinado no le prestó demasiada atención a aquella chica que, cada vez con más frecuencia, aparecía en los tabloides por alguna de sus extrañas peripecias. Llegados a este punto creo imprescindible hacer una confesión: yo era uno de aquellos que habiendo oído alrededor de 500 veces de forma involuntaria la canción "Rehab" de su siguiente trabajo "Back to Black"(2006) pensaba que Winehouse tenía una voz interesante con un deje de Billie Hliday, pero que no era más que una nueva operación comercial de éxito: la chica afina bien y tiene una voz con personalidad, los temas son muy sesenteros y suenan
más o menos auténticos. Funcionará pero me interesa más bien poquito. Hasta que un día escuché "Know you Know", el tercer (o quinto, depende de como contemos) tema del disco y corrí incrédulo a comprarlo a mi tienda habitual. Pensé que con un buen tema, y este lo era, ya tendría suficiente para justificar el importe de la transacción. Hay drogas bastante más caras, me dije con gran convicción. Ahora puedo asegurar que pocas veces un placer me ha salido tan barato.
"Frank" es, en mi opinión, uno de los mejores discos de, digamos neo-soul, producido en esta primera década del siglo XXI, aunque a veces resulte antipopular atribuir méritos artísticos a alguien que, además de joven, lleva una vida desordenada. Sinceramente me importa un pimiento lo que haga Mrs. Winehouse en su vida privada pero lo que queda muy claro tras escuchar su trabajo es que esta inglesa bajita, de origen judío y tan dada a las turbulencias emocionales tiene un talento indiscutible. De los 18 temas que componen "Frank", 14 están firmados o cofirmados por Winehouse (lo que daría Diane Krall por tener esa capacidad) y todos ellos merecen ser escuchados con atención. Winehouse va discurriendo por todos los estilos posibles con gran naturalidad. Pongo mi reproductor de CD en marcha y el disco arranca con "Intro", donde Winehouse nos enseña sus primeras credenciales, ella y su guitarra (haciendo de bajo) con una introducción típica del más puro jazz vocal, enlazada con "Stronger than me", uno de los temas más rockeros de todo el trabajo. Una intro jazz enlazada con un tema rockero? Pues por que no seguir con algo de soul? Y llega "Sent me flying".Winehouse desgarra su voz un poco más para este tema y cuando estamos más desorientados se atreve con una bossa nova ligera llamada como su guitarra "Cherry". Lo más sencillo es que hubiera naufragado en algún punto (quizás la bossa?) pero no, Mrs. Winehouse aguanta el tipo de forma admirable. Miro el orden de las canciones y me doy cuenta de que el siguiente tema es el único que conocía, aquel por el cual me había decidido a comprar el disco, "Know you know". Me digo a mi mismo, 5 de 5? Un hurra por el que ha decidido el orden de las canciones, convencido de que en algún momento la cosa va empezar a decaer. Suenan las últimas notas y el tema me gusta más que la primera vez que lo oí. Más tarde me daría cuenta de que eso pasa con la mayoría de temas de "Frank". Empieza "Fuck me pumps", un poco más pop de lo oído hasta el momento, pero el tema es gracioso y de deja escuchar bien a pesar de su sencillez. Y de repente suena "I Heard love is blind". Descubro que no tenía razón: lo brillante no era el orden de los temas sino los temas, todos ellos en su linea. "I Heard love is blind" es una balada suave pero preciosa con una interesante e irónica letra. Los réditos de mi inversión comienzan a ser jugosos y me empieza a importar un pimiento aún mayor que el anterior lo que haga Amy con su tiempo libre. Suena ahora una simple pero interesante versión del clásico "Moody's Mood" que recordaba en la voz de Benson y el saxo de James Moody. Sonrió y comienza "Teo Licks" y cuando aún no he dejado de sonreír suena un crujido típico de vinilo en mi CD. Si, es un efecto, pero no puedo evitar que se me caiga una lagrimita de emoción. Es el siguiente tema "(There is) no greater love" y suena a clásico: espléndido y con ese fondo "forrest" tan ajustado. Pienso que es probable que ya lo hayamos oído todo pero pronto descubrimos que no porque a continuación "In my bed" nos pone en nuestro sitio. Un tema agresivo adornado con suaves toques de flauta y la voz de Winehouse más una excelente base rítmica. Es pop? Jazz? Soul? Y que diablos importa eso. Es sencillamente brillante. Y la voz de Winehouse al final consigue emocionar con ese desgarrado solo vocal a lo Flora Purim. Otro poquito de buen soul con "Take the Box" y excelente aportación vocal de Winehouse en quizás una de sus mejores interpretaciones a nivel personal. Tras ella vienen "October Song" y "What's about men". El que escribe se toma un respiro. Son probablemente los peores temas del trabajo aunque mantienen un nivel más que aceptable.
Antes de la pieza final otro de los pocos temas que destilan un cierto optimismo de este trabajo, la amable "Help Yourself" que contiene elementos pop y de jazz clásico todo en uno. Otra vez un tema precioso. Para acabar una pieza de más de 13 minutos compuesta por tres temas independientes, el primero de ellos "Amy, Amy, Amy" una declaración de principios. Un breve "interlude" en el que una voz nos narra el final de un concierto de la artista y "Outro", magnifica canción que confieso me ha mantenido absolutamente colgado durante varios días. Una versión bastante obvia del clásico "Mr. Magic" cierra esta espléndida grabación.
Me pregunto si es importante que Mrs. Winehouse se trate tan mal a si misma. Si lo que hemos de juzgar es su calidad musical, "Frank" no nos deja lugar a la duda. Quizás Amy haya tenido una infancia complicada en los suburbios de Southgate al norte de Londres, o puede que la vida no la haya tratado bien. Lo único que realmente me preocupa es que Amy Winehouse pueda rehacerla y dedicarse a eso que hace tan bien; crear música e interpretarla.
"Frank" es un trabajo de primer nivel y demuestra una madurez y un bagaje musical inusual para alguien que, en ese momento, contaba tan sólo con 19 años. Son evidentes las influencias de Billie Holiday, Erykah Badu, Jill Scott o Stevie Wonder, pero también podemos encontrar elementos de gente no tan cercana, como la Flora Purim de principios de los 70, Frank Sinatra, Minnie Riperton, Charlie Mingus o Sarah Vaughan. Y el disco es también un demostración palpable del dolor de una artista que no ha tenido una vida fácil. La música de Winehouse destila dolor y excelencia, al menos en su primer trabajo. Este año llegará su tercer disco si todo va bien y no se producen más problemas en la vida de la artista.
Escribe Paul Flynn en el libreto de la edición especial de "Frank" publicada en el año 2008; "Frank es la historia de una joven mujer que tiene el corazón roto. Y escuchándolo de forma retrospectiva conseguirá romper el corazón del oyente. La simbiosis es completa. De todos los artistas en activo, Amy Jade Winehouse es una de las personas que más se conoce a si misma, para lo bueno y para lo malo. Su arte está contenido en las zonas grises que hacen que el ser humano sea como es".
Sólo espero que entre todos seamos capaces de aprender de lo sucedido con Michael Jackson.
"Frank" (2003) de Amy Winehouse.
Credits.
Vocals: Amy Winehouse
Guitar: Amy Winehouse, Binky Griptite, Thomas Brenneck,Earl "Chinna" Smith
