sábado, 20 de junio de 2009

Elis Regina: La voz más popular de la Bossa Nova.



















Caetano Veloso dijo de ella que era "cursi, vulgar y llena de talento". Y probablemente no le faltaba razón pero lo cierto es que la voz y habilidad interpretativa de Elis Regina la colocan sin duda entre los grandes de la música brasileña.
Elis Regina nació en Porto Alegre (Brasil) el 17 de marzo de 1945 en el seno de una familia humilde. Su madre era ama de casa mientras que su padre trabajaba en lo que buenamente podía. Su hermano, Rogerio, era dos años menor que ella.


La primera experiencia de Elis Regina ante un micrófono se produjo en 1952 cuando contaba con tan sólo 7 años de edad pero los nervios le impidieron emitir un sólo sonido. Esa anécdota sería trascendental en su devenir futuro ya que Regina siempre sufrió ataques de pánico en los momentos previos a sus conciertos.
Con 9 años de edad, Elis tomó lecciones de piano durante algo más de dos años. No volvería a coger un micro hasta los 12 años pero en esta ocasión Regina supo controlar su angustia (aquella angustia que le jugaría tan malas pasadas a lo largo de su trayectoria) y su interpretación causó sensación, ganando el primer premio en el concurso organizado por el Clube Guri. El premio le permitió permanecer durante casi dos años actuando cada domingo en el Clube, lo que le convirtió en una celebridad local. De hecho, con 13 años firmó su primer contrato profesional con Radio Gaucha a pesar de la oposición de su madre que pensaba que quizás Elis podía ser maestra en un futuro. Pero Regina escogió bien (o no?) y con sólo 14 años ya ingresaba más dinero que su padre.


Con 15 años se traslada a Rio de Janeiro donde graba su primer LP. 3 años más tarde decide afincarse definitivamente en Rio, justo en el momento en que la junta militar brasileña toma el control de Brasil.
Elis Regina era bajita y algo bizca. Su aspecto no era precisamente el de una estrella y su cultura realmente limitada., pero a pesar de eso y de su innata timidez le resultó fácil firmar un contrato en su nueva ciudad. El mercado musical en Rio era realmente competitivo lo que generaba luchas turbias entre músicos y propietarios de clubs, radios y televisiones. Elis hizo muchos amigos y bastantes enemigos. Y aprendió lo necesario para desenvolverse.


En 1965 cantó en el primer gran festival de música popular brasileña. Participaba con un controvertido tema llamado "Arrastrao" que estuvo a punto de ser prohibido por el la dictadura brasileña. Regina acabó el tema con voz grave, los brazos en cruz y lágrimas en los ojos. Ganó el primer premio y su carrera despegó de forma fulgurante. De repente Elis pasó a ser una absoluta celebridad. Era habitual ver su imagen en portadas de revistas o en la televisión. Con sólo 21 años se había convertido en la artista mejor pagada de Brasil.


Lamentablemente el enorme talento de la proclamada "La más grande cantante de Brasil" no iba a ser suficiente. Elis ganaba alrededor de 15.000 dolares al mes (de los años 60) pero su vida personal era un auténtico desastre. Su estado de ánimo oscilaba entre momentos de gran euforia y otros de profunda depresión. Su ego se había hinchado considerablemente, pero ella seguía siendo la niña insegura que una vez, a los 7 años de edad, se quedó congelada ante un micrófono.


Su vida está repleta de claroscuros. En el grupo de los "oscuros" podríamos incluir su primer matrimonio en 1967. Elis Regina anunció ante el estupor de todo el país que iba a casarse con uno de sus más conocidos enemigos de su primera época en Rio, el compositor y productor Ronaldo Boscoli, también conocido como el Don Juan de Rio, 16 años mayor que ella. Boscoli, al contrario que Elis, era hijo de una familia culta y acomodada de Rio. Se atrevió a decir ante la prensa (sin rubor alguno) que en su matrimonio él afrontaría los gastos corrientes mientras que su mujer se haría cargo de los lujos. Su relación fue muy pasional, alternando entre el amor y el odio de forma casi secuencial, sin término medio alguno. No obstante, Boscoli ejerció en algunos casos de figura paterna, enseñando a Regina como debía comportarse en público. Entre otras cosas fue él quien le sugirió que se cortara el pelo a lo Mia Farrow, muy de moda en ese momento. Ese rasgo se convirtió en una marca de identidad de la cantante de Porto Alegre.


Era evidente que el matrimonio no podía funcionar durante mucho tiempo. Boscoli, también hombre de considerable ego, se había convertido en el marido de LA CANTANTE y eso genero una tensión en el matrimonio que resultó imposible de superar. Tras su separación Boscoli comentó que había entrado en la vida de Regina con tres maletas y que había salido de ella con sólo dos, haciendo referencia a los documentos, cartas de amor y discos de Frank Sinatra que Regina había quemado en uno de sus frecuentes ataques de ira. Boscoli y Regina tuvieron un hijo.






Alrededor de esa época, en 1969, Elis Regina se encontraba de gira por Europa. Durante una conferencia con la prensa se le ocurrió comentar que Brasil estaba gobernado por gorilas, haciendo alusión a la junta militar que regía los destinos del país. Sólo su status de estrella impidió que las autoridades brasileñas la persiguieran por dichas declaraciones tal y como había sucedido con otros prominentes músicos de su generación como Caetano Veloso o Gilberto Gil que llevaban algún tiempo exiliados de su país por motivos ideológicos. No obstante, un par de años después fue obligada por la junta militar a cantar el himno nacional como acto de promoción para las olimpiadas del ejército. Henfil, un famoso dibujante cuyo hermano estaba exiliado, decidió publicar una viñeta en un diario de tirada nacional y en una sección a la que llamaba "El cementerio de los muertos vivientes". En ella aparecía Regina, quien se iba metamorfoseando hasta componer la imagen de Maurice Chevalier cantando ante una tropa de soldados nazis mientras estos le hacían un saludo militar. La imagen indignó profundamente a Elis, que se consideraba progresista convencida.


Al cabo de un tiempo, Henfil y Regina se encontraron frente a frente y tras un cruce de reproches acabaron cultivando una buena amistad. Algunos años más tarde Regina empezó a interpretar un tema de Aldir Blanc y Joao Bosco que se llamaba "O bebado e o equilibrista". Su letra era una alegoría en contra de la dictadura militar y en uno de sus pasajes pedía de forma textual la vuelta a Brasil del hermano de Henfil y por extensión, de todos los exiliados políticos. La canción se convirtió en un auténtico himno en pro de la vuelta de los exiliados. Durante un concierto que Regina ofreció tras producirse la esperada amnistía, esta interpretó "O bebado e o equilibrista" con expresión triunfal y mirando directamente a Henfil y a su hermano que felizmente se encontraban entre el público. Años después, tras la muerte de Regina, se celebró un concierto en su memoria en el Estadio Morumbi de Sao Paulo. El punto álgido de dicho concierto fue cuando todos los músicos y el público asistente, 100.000 almas en total, cantaron al unísono esa misma canción de principio a fin.






Además de su relación con Boscoli, Elis también contrajo matrimonio con un entonces joven músico que estaba en su grupo a principios de los 70. Se trataba del brillante pianista, compositor y arreglista, Cesar Camargo Mariano, con el cual tuvo 2 hijos entre los cuales se encuentra la cantante brasileña Maria Rita. Cuentan que Camargo deseaba en secreto a Regina desde hacía tiempo pero que era un hombre tímido, sencillo y discreto, todo lo contrario que Boscoli. Un día Elis invitó a Cesar a su casa con la intención de ver la película "Fresas Salvajes" de Bergman. Cuando Camargo llegó se encontró que en casa de Regina había mucha gente, cosa que le hizo sentir incómodo. Pero Elis se las ingenió para hacerle llegar una nota escrita en papel con la intención de que él la leyera en el cuarto de baño. En dicha nota Regina le decía textualmente "Me gustas como el carajo. Te deseo como el carajo. Me cago en el mundo" (la escasa habilidad de Elis para notas, comentarios o declaraciones es tan legendaria como su voz). Camargo, hombre casado, se asustó y huyó de la casa de Regina trepando por la ventana. Al día siguiente se encontraron en el estudio. Obviamente Regina le trató de un modo distante hasta que Camargo decidió hacer marchar al resto de músicos con el pretexto de grabar unas tomas con voz de Regina tan sólo acompañada por su piano. Cuando todos habían marchado invitó a Regina a dar un paseo en coche. Camargo se acercó a su domicilio a recoger su cepillo de dientes. A los pocos meses se convertiría en el segundo esposo de la diva brasileña.


Pero en el año 1980 su matrimonio con Cesar Camargo Mariano llegó a su fin. Fue alrededor de esa época cuando Regina empezó a consumir cocaína de forma regular. Su vida era demasiado agitada y ella era en exceso perfeccionista para abarcarlo todo. Fue entonces cuando Elis se enamoró de un abogado llamado Samuel McDowell con quien se casó en terceras nupcias a finales del año 1981.


1982 se planteaba como un gran reto para la diva. Se había casado con
McDowell, había adquirido una nueva casa y estaba a punto de sacar disco con una nueva compañía discográfica. Pero el día 19 de enero una mala combinación de Cinzano y cocaina acabó con su vida.

La noticia de la muerte de
Elis Regina se extendió como la pólvora y a las 2 horas de encontrarse su cuerpo sin vida en la habitación de su domicilio todo Sao Paulo la conocía ya. Decenas de miles de fanáticos acapararon las calles de Brasil en uno de los funerales más impresionantes que se hayan celebrado jamás. En la lápida de Elis, pequeña como todas, se leen también los nombres del padre y el hermano Rogerio, accidentado en 1996.


Tan sólo dos semanas antes había afirmado con expresión rotunda “Soy Elis Regina Carvalho Costa, la mujer que pocas personas van a morir conociendo”.


Así era ella. Así era su música.


Link: Discografía completa Elis Regina


Jazzy

viernes, 12 de junio de 2009

Hiram Bullock. Adiós a un excelente y versátil guitarrista.























La reciente muerte de Hiram Bullock nos ha dejado sin uno de los guitarristas más brillantes, versátiles y explosivos de su generación.
Hiram Bullock nació en la ciudad japonesa de Osaka, el 11 de Septiembre de 1.955. Su padre era un afroamericano que en el año 1.955 se encontraba destinado como militar en una base americana en Japón. Hiram Bullock regresa a los Estados Unidos con sólo dos años de edad. Durante su infancia estudia piano en The Peabody Conservatory Of Music en Baltimore. A la tierna edad de 6 años se sube por primera vez al escenario y con 11 años aprende a tocar el saxo y el bajo lo que le permite ingresar en bandas de Rock locales durante su estancia en el High School. Con 16 años decide dedicarse de pleno a la guitarra como su principal instrumento. Bullock ingresa en la escuela de música de la Universidad de Miami; será allí donde coincida con músicos de la talla del guitarrista Pat Metheny o del bajista Jaco Pastorius.
A finales de la década de los 70´s abandera la formación musical 24th Street Band, banda constituida por el bajista Will Lee, el pianista Clifford Carter, el batería Steve Jordan y el percusionista Sammy Figueroa. La formación se separa en el año 1981 y deja tres producciones discográficas publicadas y editadas por el sello discográfico Nippon Columbia Records; “24th Street Band” editado en 1.979, en el año 1.980 se publica “Share Your Dreams” y el tercer y último álbum publicado en vivo y titulado “Bokutachi“. Su primer trabajo discográfico en solitario lo edita en el año 1.982 bajo el titulo de “First Class Vagabond“, álbum que fue exclusivamente distribuido en el mercado japonés por el sello discográfico JVC Records, editándose posteriormente en formato CD en el sello discográfico Polygram Records.
Poco más tarde, durante uno de los conciertos que celebró en NYC junto a la vocalista Phyllis Hyman conoce al saxofonista David Sanborn con el que compartirá varios discos además de infinidad de giras a lo largo y ancho del mundo.
Tuve la oportunidad de asistir a uno de los conciertos que el grupo de Sanborn celebró en Barcelona a mediados de los años 80. Lo cierto es que fue memorable ya que el grupo contaba además de con Bullock y Sanborn, con músicos de la talla del bajista Marcus Miller. Recuerdo a Bullock tocando su guitarra y corriendo alrededor del recinto del Pueblo Español de Barcelona. Recorrió todo el perímetro del local (alrededor de 400m) bailando, tocando y sonriendo cuando podía a todos aquellos que le salían al paso. Os adjunto dos clips de temas tocados los conciertos de esa misma gira. El primero de ellos es "Smile" contenido en el disco en directo "Straight to the Heart" (1982) de Sanborn. El segundo se llama "Hideaway" y contiene increíbles sólos de Bullock, Sanborn y de Tom Barney, bajista durante esa etapa substituyó al habitual Marcus Miller. Juzgar vosotros.








Además de los mencionados,, Bullock ha tocado con músicos de la categoría de Miles Davis, Chaka Khan, Paul Simon, The Brecker Brothers, Sting, Bob James, Kenny Loggins, James Brown, Billy Joel, James Taylor, Spyro Gyra, Eric Clapton, Al Green, Burt Bacharach o Roberta Flack, por citar sólo unos pocos. Ha participado como guitarrista en el programa televisivo The Late Night With David Letterman y también formando parte de la formación musical del programa The Saturday Night Live. Ha sido, con David Sanborn, director musical del programa The Night Music Show.


El funeral en memoria de Hiram Bullock fue celebrado el pasado día 5 de Agosto a las 18.00 horas en el SGI Buddhist Cultural Center en el 7 East 15th Street, en la ciudad de New York.
Descanse en paz.


Discografía de Hiram Bullock



1.982. FIRST CLASS VAGABOND. Polygram Records.

1.986. FROM ALL SIDES. Atlantic Records.

1.987. GIVE IT WHAT U GOT. Atlantic Records.

1.992. WAY KOOL. Atlantic Records.

1.994. WORLD OF COLLISION. Big World Music.

1.995. LIVE AT MANNY´S CAR WASH. Big World Music.

1.997. LATE NIGHT TALK. Venus Records.

1.997. CARRASCO. Fantasy Records.

1.999. COLOR ME (version japonesa). JVC Records.

2.001. COLOR ME. ESC Records.

2.002. BEST GROOVE SELECTION. Atlantic Records.

2.002. REAL GROOVE SELECTION. Atlantic Records.

2.003. TRY LIVIN´IT. ESC Records.

2.005. TOO FUNKY 2 IGNORE. BHM Productions.


Jazzy

domingo, 7 de junio de 2009

Del gran Spyro Gyra al grupo de Jay, Tom y Julio.



















Spyro Gyra en la actualidad




En el año 1975 la escena musical de Buffalo, localidad cercana a New York, estaba rebosante de creatividad. Grupos de todos los estilos musicales posibles se daban cita en los diversos locales nocturnos de la ciudad. Por aquellos entonces, dos viejos amigos , el saxofonista de Brooklin, Jay Beckenstein y el teclista Jeremy Wall, también de NYC pero que acababa de llegar de Los Ángeles, se reencontraron y decidieron montar una banda. Como no tenían repertorio se dedicaron a tocar versiones de clásicos de R&B hasta que un buen día, improvisando sobre bases rítmicas de grupos como “Weather Report”, “Earth, Wind & Fire” o “Marvin Gaye”, empezaron a crear un especial sonido que iba a ser el inicio de una revolución musical. Su secreto era la mezcla sin concesiones de todos los estilos musicales posibles, aunando una gran riqueza rítmica con un excelente sentido de la melodía y la armonía, algo de lo cual adolecían en aquel momento la mayoría de grupos de fusión, que se conformaban con experimentar y mezclar ritmos eludiendo melodía en beneficio de solos de gran calidad técnica pero frecuentemente carentes de alma.cEse nuevo y especial sonido reportó a la banda una gran notoriedad a nivel local. Una noche antes de su primer concierto en un local de Buffalo de nombre Jack Daniels, el dueño del local preguntó a Beckenstein cual era el nombre de la banda y este, recordando las clases de biología que había recibido en la escuela, le dijo “llámalo Spirogyra. Spirogyra es un alga marina de color verde intenso (cosa que probablemente inspiró las portadas de algunos de sus primeros trabajos). Pero la persona no lo transcribió correctamente y Spyro Gyra fue finalmente el nombre que utilizaría a banda hasta la actualidad.
En 1976 Jay Beckenstein se asoció con el bateria Richard Calandra y fundaron Amherst Records. Alquilaron un pequeño local, un mezclador de 16 pistas y con eso y pocos recursos más, editaron, dos años más tarde, 500 copias de “Spyro Gyra”, su primer LP. El mismo Beckenstein se encargó de repartirlas con su vehículo por todas las tiendas de discos cercanas. De repente se produjo el milagro y la pieza de apertura, “Shaker Song” se convirtió en un éxito en las radios locales.






Con tan rudimentaria producción “Spyro Gyra” vendería 70.000 copias de su primer trabajo. En esta primera grabación ya participarían algunos músicos que iban a ser importantes en el devenir futuro del grupo; el joven y excelente teclista Tom Schumann, y David Samuels, virtuoso del vibráfono y la marimba.


En 1979 llegaría su primera gran producción. Se llamaría “Morning Dance” (1979) y contendría algunas de las mejores y más originales piezas de la banda, como el propio “Morning Dance” que sería un gran éxito, “Song for Lorraine”, una mezcla irresistible de jazz y ritmos latinos o “Little Linda”, con idénticos ingredientes. La preciosa balada “It Doesn’t Matter” del guitarrista Chet Catallo (en mi opinión uno de los que más contribuyeron en la creación del sonido Spyro Gyra, a pesar de su corta trayectoria) pone, junto con “Rasul”, la nota melódica de la grabación. El éxito “Heliopolis”, la interesante “Jubilee”, “Starbust” y, la pieza más floja del disco, “End of Romanticism” completan este impresionante segundo trabajo del grupo. “Morning Dance” fue un gran éxito y vendió más de 1 millón de copias. En la grabación participaron músicos de la talla de Michael Brecker (saxo tenor), Randy Brecker (trompeta), Will Lee (bajo) o el percusionista Gerardo Velez que había tocado con gente como Jimmy Hendrix (en Woodstock fue su primer concierto) o el grupo de funk, Chic.


“Morning Dance” (1979) sería para Spyro Gyra una impresionante plataforma de despegue. El grupo empezaría ese mismo año a hacer giras internacionales y prácticamente no pararía hasta la actualidad a pesar de los muchos cambios que ha sufrido la formación desde el año de su creación.








En 1980 dos nuevas grabaciones serían presentadas por el grupo. Primero le llegó el turno al espléndido “Catching the Sun” que sería disco de oro y llegaría al número uno en las listas de la revista americana Billboard, incluyendo temas tan interesantes como “Lovin’ You (Interlude)/Lovin’ You” (también de Chet Catallo), “Catching The Sun”, “Percolator” y “Here Again” de Beckenstein o “Safari” y la bonita balada “Autumn for our Love” de Jeremy Wall. Contenía también la primera composición del teclista Tom Schuman, “Laser Material”. A finales de ese mismo año se presentaba el cuarto trabajo del grupo, “Carnaval” para el cual, además de la base habitual de músicos, utilizaron a gente tan importante como el guitarrista Hiram Bullock y el teclista Rob Mounsey. “Freetime” (1981) , “Incognito” (1982) y “City Kids” (1983) cerrarían un septeto de grabaciones inovidables. “Incognito” es el mejor de estos tres discos e incluye unos créditos que difícilmente se podrían igualar en la actualidad. Una sección de vientos que podría hacer palidecer a cualquier productor de la época (Jerry Hey -trompeta y flugelhorn ,Gary Grant -trompeta y flugelhorn, Tom Scott -saxófonos y flauta, Larry Williams -saxófonos y flauta y Bill Reichenbach -trombón. Una sección de cuerdas compuesta por una decena de músicos encabezados por el gran Harry Lookofsky, además de los colaboradores habituales de la banda y otros músicos del enorme nivel de Steve Gadd (bateria), Marcus Miller (bajo), Manolo Badrena (percusión) y Jorge Dalto y Richard Tee (teclados). Incluso contenía una colaboración de Toots Thielemans en el tema “Stripes” de Beckenstein. Realmente impresionante.






Pero lo cierto es que el grupo experimento un cambio importante a partir de “City Kids” y sus siguientes trabajos empezaron a perder de forma progresiva el sello que durante las anteriores grabaciones les había caracterizado. Gente como Chet Catallo, Eli Konikoff, John Tropea, Jim Kurzdorfer o Rubens Bassini habían desaparecido de los créditos.


Jeremy Wall había abandonado la banda varios años atrás y Richard Calandra fallecería poco después de esta grabación. Del núcleo duro del grupo, sólo Jay Beckenstein siguió. Y quizás en ese momento dejaron de ser Spyro Gyra para pasar a ser la banda de Jay, Tom y Julio. Un excelente doble disco en directo, “Acces to all Areas” (1986) cerró una carrera de 8 años con 8 excelentes trabajos y más de 500 conciertos en directo. Quedaba mucho por venir. De hecho el grupo ha producido 22 trabajos más desde ese año, pero, en mi opinión, lo mejor ya quedaba atrás. Spyro Gyra seguiría haciendo grabaciones de gran nivel técnico, siempre con excelentes músicos, pero lamentablemente no tan imaginativos como sus primeros 8 extraordinarios trabajos.


Jazzy

lunes, 1 de junio de 2009

Minnie Riperton, una voz inolvidable.











La trágica muerte en 1979 de la vocalista de 31 años, Minnie Riperton, silenció para siempre una de las voces más impresionantes del soul. Ripperton nació con un gran don; su voz tenía un rango cercano a las 5 octavas y media. Para que nos hagamos una ligera idea de lo que esto significa comentar que gente como Al Jarreau o Bobby MCFerrin, auténticos malabaristas de la voz, apenas alcanzan las 3 octavas y media.
Minnie Riperton nació en Chicago el día 8 de noviembre de 1947. Estudió música, arte dramático y danza en el Lincoln Center.
Su carrera comercial empezó en el año 1961 con sólo 14 años de edad formando parte del grupo femenino basado en su Chicago natal, “The Gems”. Tras esta experiencia comenzó a trabajar en la discográfica Chess, primero como recepcionista, más tarde colaborando en coros para gente como Fontanella Bass, The Dells o la cantante de soul Etta James además de grabar algún single como “Lonely Girl” para el cual utilizó el pseudónimo Andrea Davis.

En 1968 se convirtió en la voz de la banda de soul The Rotatory Connection y ese mismo año inició por primera vez una carrera como leader apoyada en el productor y arreglista Charles Stepnay y su marido, el compositor Richard Rudolph. El resultado fue su disco de debut “Come to my Garden” (1970). El trabajo pasó prácticamente desapercibido y Riperton y Rudolph decidieron tomarse un par de años sabáticos antes de establecerse en Los Ángeles. Allí conocería a Stevie Wonder con el cual forjaría una gran amistad. Minnie participó en su gran trabajo Fulfillingness' First Finale y fue de gira con Wonder formando parte de su famoso coro Wonderlove.

En 1974 Minnie convenció a Wonder para que le produjera un segundo trabajo. Se llamaría “Perfect Angel” y contendría el éxito más grande que Riperton conquistaría en su corta carrera, era una preciosa balada llamada “Lovin’ You”. Sinceramente dudo que haya algún aficionado medio que no haya oído este tema en alguna ocasión. Por si ese fuera el caso, os adjunto el video promocional que se grabó en ese momento.



El éxito de “Lovin’ You” convirtió a Riperton en una gran estrella aunque sus dos posteriores trabajos “Adventures in Paradise” (1975) y “Stay in Love” (1977) no conseguirían alcanzar el nivel. La voz de Riperton y su capacidad para ejecutar la técnica del silbido se estaba convirtiendo en un pequeño circo. Parecía que nadie prestaba atención a la enorme calidad de su voz y a su gran capacidad para emocionar. Su imagen frágil y sus agudos tonos acaparaban la atención del público y parecía que en cada actuación Riperton debía demostrar que era capaz de llegar a las notas más altas. Fue entonces cuando se le diagnosticó un cáncer de mama. La apariencia de Riperton dejó paso a la realidad y Minnie demostró ser una mujer de fuerte carácter. Se convirtió en portavoz de la American Society of Cancer, protagonizo anuncios informativos destinados a la prevención de la enfermedad y recibió un Society Courage Award de manos del entonces presidente americano Jimmy Carter. Minnie Riperton siguió trabajando mientras la enfermedad se lo permitió a pesar de su evidente deterioro físico.

En 1979 grabó su último disco en vida. Se llamó “Minnie”. Murió el 12 de julio de ese mis
mo año. Al año siguiente apareció un nuevo trabajo, un homenaje de sus amigos que incluía algunas tracks de voz que Riperton había grabado un año antes. El disco se llamó “Love Lives Forever” (1980) y en él colaboraron estrellas como Michael Jackson (por esas fechas estaba a punto de grabar Thriller), Stevie Wonder, Abi Laboriel (bajo), Lenny Castro (percusión), Paulinho da Costa (percusión), Harvey Mason (bateria), Greg Phillinganes (teclados), Lee Ritenour (guitarra) o Paul Jackson (guitar)….. unos créditos realmente impresionantes pero desgraciadamente Minnie ya no estaba allí. El cáncer se había llevado a una de las voces más portentosas de la historia de la música popular.

Jazzy