"Chapter Two: Hasta Siempre" (1973) de Gato Barbieri.

Leandro 'Gato' Barbieri es, probablemente, el segundo artista de jazz argentino más conocido, únicamente superado por Lalo Schifrin. Su historia se ha escrito como un va y viene constante entre su tierra, Argentina, y su patria adoptiva, E.E.U.U.. Su carrera ha sufrido algo parecido ya que comenzó tocando ritmos latinos tradicionales, pero pronto descubrió el jazz y durante los años 60 se interesó por su faceta más vanguardista grabando algunos trabajos como su "Obsession" de 1967 en la linea más free. A principios de los 70, predominó en su música la fusion del jazz y la música latina. Pero a mediados de esa misma década firmó com A&M Records, la discográfica de Herb Alpert, y su música dió un nuevo giro orientándose hacia el smooth jazz e incluso algo de pop. Pero lo cierto es que la calidad y el sonido cálido y absolutamente inconfundible de este extraordinario saxofonista ha dejado una fuerte huella y su influencia en las nuevas generaciones no ha parado de crecer en los últimos años.

Agorasoumusica nos ofrece este video musical de Encontros, el tema que abre Chapter Two, además de explicarnos algunos detalles e imágenes de la carrera de Gato.


Hace algunos días iniciamos la publicación de su serie sobre Latinoamérica que Barbieri grabara a principios de los 70s, un trabajo compuesto por cuatro discos independientes. Ya dimos cuenta del primero de ellos, Chapter One, que podéis encontrar en el siguiente link.

Chapter One: Latinoamérica

Hoy nos vamos a dedicar al segundo, "Chapter Two: Hasta Siempre".
El disco comienza cuando Barbieri llega (en su supuesto viaje por la América Latina) a Rio de Janeiro. Como narra el propio Gato al final de su Chapter One, al alcanzar tierra carioca contrata a unos cuantos músicos del país con quienes introduce su primer tema "Encontros. Part One", agregando uno a uno todos los elementos necesarios para conformar una bateria de escola de samba; surdo grande, surdo pequeño, pandeiro, cuica, agogo y tamborim y luego bajo, cavaquinho y bateria. Sobre esta base con aires netamente brasileños, Barbieri comienza a navegar, obteniendo un resultado en nuestra opinión aún más estimulante que el conseguido con su brillante Chapter One, aunque desgraciadamente la crítica lo entendió exactamente al revés.
"Chapter Two: Hasta Siempre" es un trabajo de fusion absolutamente puro. Barbieri se muestra salvaje y didáctico a la vez y sus músicos responden a la perfección generando increíbles texturas de lenta asimilación pero que provocan en el oyente una larga y placentera digestión.

Un disco absolutamente himnótico que os recomendamos si no tenéis un día perezoso.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Encontros, Pt. 1 Barbieri
2-Encontros, Pt. 3 Barbieri
3-Latino America Barbieri
4-Marissea Barbieri
5-Para Nosotros Barbieri
6-Juana Azurduy Ramirez

CREDITS

Gato Barbieri Flute, Sax (Tenor), Vocals, Wind, Narrator
Paulinho Braga Drums Adalberto Cevasco Bass (Electric) Mayuto Correa Conga, Triangle Domingo Cura Bongos, Bombo Daudeth de Azevedo Cavaco Helio Delmiro Guitar Jim Hughart Bass (Electric) Pocho Lapouble Drums Ricardo Lew Guitar (Electric) Raul Mercado Quena Amadeo Monges Arpa India Novelli Bass (Electric) Jorge Padin Percussion Quelo Palacios Guitar (Classical) Antonio Pantoja Percussion, Quena, Erkencho, Sikus El Zurdo Roitzner Percussion, Drums

Jazzy

Funky Box 2: Cuando el sexo se convirtió en música. Breve historia del funk.

Aunque es poco conocido, la palabra "funk" es definida en los diccionarios de inglés como el olor corporal que emana de las partes bajas del cuerpo durante la actividad sexual. Como es de esperar, el término en sus orígenes era constantemente calificado como una grosería o una indecencia, algo similar al origen del término jazz que se refiere al semen. Se pudiera concluir que "funk" puede entonces haberse derivado de una combinación o acrónimo de los términos ingleses "fuck" (de rápida y sencilla traducción) y "stank" (mala olor). Los músicos afro-americanos originalmente aplicaron la palabra "funk" para la música de acordes de blues con un lento y desarrollado groove, con un un ritmo insistente, precisamente inspirado por el vaivén de los cuerpos durante la relación sexual. Esta temprana y espontánea forma de tocar configuró el patrón para muchas generaciones futuras de músicos.

Los claros antecedentes al ritmo con groove que caracteriza al funk son Joseph 'Smokey' Johnson, Charles Hungry Williams de Huey Smith and The Clowns y Earl Palmer (de la banda de Dave Bartholomew y Little Richard). Fueron ellos los que dieron a esta música un sentido de sincopación y también quienes fomentaron la necesidad de intrincar redobles y dobles bombos en sus interpretaciones. Un gran avance fue el tamborileo y golpeteo de bombo de Smokey Johnson en "Big Chief" de Professor Longhair de 1964.



Así, los primeros claros indicios de lo que sería el funk estan en tempranos éxitos como "Trick Bag" escrito por Dave Bartholomew para Earl King en 1961 y el que compuso este último, el citado "Big Chief", además de "I've Got Money" (1962) y "Out of Sight" de 1964 ambos compuestos por James Brown. Brown, ya en ese momento una estrella del soul, comenzó a sentir una necesidad de originalidad que lo diferenciara de los artistas de Motown, dando un cambio en los arreglos, reduciendo la complejidad de la melodía y exaltando más el aspecto rítmico en sus temas. En una entrevista hecha por el baterista e investigador musical Jim Payne, Clayton Fillyau, quien había tocado con Etta James y en el "I've Got Money" del mismo James Brown, reconoció abiertamente la influencia del estilo de Nueva Orleans.



En "Papa's Got A Brand New Bag" lanzado en junio de 1965 (nº 1 R&B en EEUU), podemos oir como el bajo y el bombo marcan un contagioso ritmo mientras Jimmy Nolan hace un puente con rasgueo en las cuerdas mas agudas de su guitarra, inventando el chicken scratch un sello característico del funk, y especialmente en "Cold Sweat" de mayo de 1967 se aprecia la confirmación de esa fórmula, aplicando además modismos especiales como el uso del "break" (posteriormente, piedra angular en el hip hop) y la reducción de una pieza musical completa a un simple cambio de acorde.




"Cold Sweat", cuya composición le debió bastante al cool jazz de "So What?" de Miles Davis y a "Señor Blues" de Horace Silver, fue reconocida como un cambio radical en las convenciones de la música pop en el momento de su salida y es muchas veces citada como la primera canción netamente funk de la historia. Jerry Wexler de Atlantic Records comentó ; ""Cold Sweat" afectó profundamente a los músicos que conozco. Nos alucinó a todos. Ninguno manejó las formas ya probadas desde entonces". Cliff White va más allá describiéndolo como un "divorcio de las otras formas de la música popular".
El trombonista de la banda de James Brown, Fred Wesley, dijo "antes de unirme a la banda de Brown quedé muy impresionado con 'Cold Sweat'. . . Tenía un solo cambio, las palabras no parecían tan lógicas, y el puente era considerado musicalmente incorrecto. Era un mutante".

Esta revolucionaria composición alcanzó el puesto nº 1 en R&B y nº 7 en los 'Hot 100' del Billboard, confirmándose como un éxito comercial... y como un modelo a copiar. Uno de los temas del LP "Cold Sweat" (1967, King Records), llamado Funky Broadway es la primera referencia al término en un tema Rhythm and Blues/Soul y fue susceptible de alguna exitosas versión, como la realizada por Dyke & The Blazers y Wilson Pickett.



Rápidamente surgieron en todo EEUU verdaderos esfuerzos de jóvenes músicos negros por desarrollar ritmos cimbreantes y fuertes. En la ciudad que puso la primera piedra del estilo, Nueva Orleans, la banda que fue originalmente Art Neville & The Sounds y la banda de estudio para Allen Toussaint en el sello Sansu, se convierten en The Meters, uno de los grupos pioneros y más influyentes en el desarrollo del funk. El disco homónimo de 1969, incluye sus éxitos Sophisticated Sissy, Look A Py Py y Cissy Strut, en donde sus músicos (Art Neville en teclados, George Porter Jr. en bajo, Joseph Zigaboo en batería y Leo Nocentelli en guitarra) crean fuego en base a instrumentales llenos de sentimiento y de ritmo.



Ese mismo año,otro artista de Nueva Orleans llamado Eddie Bo aparece en la escena funky con su "Hook & Sling part 1 & 2".
En Houston, el legendario saxofonista tejano, King Curtis presentó un tema con una tremenda sección de batería funky brindada por el legendario Bernard 'Pretty' Purdie. También en Houston, Archie Bell & The Drells, con su "Tighten Up" consiguen un éxito llegando a alcanzar el puesto nº 1 en las listas de pop y R&B del Billboard en el verano de 1968.

Mientrastanto, en Los Angeles, la banda formada en 1960 llamada Charles Wright & The Watts 103 Rhythm Band comenzó a crear originales canciones a medio camino entre el soul más duro de Otis Redding y el entonces 'nuevo estilo' de James Brown, reflejado en canciones como el famoso "Express Yourself".

Sucedia algo similar en San Francisco, donde los hermanos Stewart, el discjockey Sylvester (Sly) y Freddie, unieron sus bandas respectivas Sly & The Stoners y Freddie & The Stone Souls en una sola llamada Sly & The Family Stone. Esta es una banda tracendental en varios sentidos: fue un primer claro ejemplo de banda multiracial y ambisexual, rompiendo esquemas sociales de una época en donde aún, en Norteamérica, se luchaba por los derechos civiles de los afroamericanos, además de presentar una interesante fusión del sonido de rock psicodélico del area de San Francisco y el soul. El sencillo Everyday People de 1968, fue un éxito e hizo elevar al estrellato al grupo con un mensaje de integración, amor, comprensión. Ese éxito los hizo merecedores de actuar en el Festival de Woodstock, en Nueva York en agosto de 1969 junto a la mayoría de los íconos del rock de la generación de las flores. Pero fue a partir de los 70 cuando esta banda comenzó a regalar aires frescos al mundo musical, primero con el single Thank You (del LP Everybody Is A Star) en donde el bajista Larry Graham se asegura su sitio en la historia del bajo eléctrico "Slap". Graham sería ampliamente imitado por todo tipo de bajistas hasta el día de hoy. El segundo avance lo dieron en el single Family Affair del LP There's A Riot Goin On.

Aqui podéis escuchar el clásico Than You de Sly and the Family Stones.


En Detroit, se encontraba el sello que tenía los artistas de soul más exitosos de Estados Unidos (aparte de James Brown y Aretha Franklin), la Motown de Berry Gordy, quién también vio en el funk una veta que explotar para no quedarse en el pasado. Fué un joven compositor y arreglista llamado Norman Whitfield junto a Barret Strong quienes movidos más por un motivo ecónomico que por razones artísticas, deciden llevar a The Temptations a grabar en 1968 "Cloud Nine", un tema que empieza con un hipnótico riff con algo de pedal wah-wah, seguido de una apretada línea de bajo y contrapuntos. The Temptations dieron a conocer (de la mano de Whitfield y Strong) un sonido soul psicodélico con temas como "Psychedelic Shack" y "Papa was a Rolling Stone" de 1971, que tomó la efectiva técnica de Jimi Hendrix de hacer el 'chicken scratch' de Jimmy Nolen en su guitarra cerrando y abriendo su pedal wah-wah para la introducción del "Voodoo Child" del disco Electric Ladyland. Ese sonido característico fue aquí ejecutado por el guitarrista Melvin 'Wah-Wah' Watson, quien también lo capitalizó en el tema principal de la película Shaft, cantada por Isaac Hayes.

Un auténtico clásico del funk de los 70s, "Shaft" cantada por Isaak Hayes.


Poco más tarde, las incursiones con el sintetizador de artistas como Stevie Wonder, Herbie Hancock o George Clinton (con Bernie Worrell en el Minimoog) pusieron la semilla para que a finales de los 70 se popularizara un tipo de funk hecho sólo con instrumentación electrónica (incluida su percusión), conocido como electro funk o simplemente electro, y cuyos primeros exponentes destacados son Afrika Bambaataa, D-Train, Peech Boys, Shalamar y Midnight Star.

Earth, Wind & Fire convierten un clásico del rock, "Got to Get You into my Life" de Beatles en un tema puramente funky. Lo extraemos de la película musical "Sargent Peppers".


Luego llegarían gente como Johnny Guitar Watson o los Earth, Wind & Fire y darían el punto definitivo para la consolidación de este singular estilo musical. De ahí en adelante podemos encontrar a muchas bandas que lo incluyen en su repertorio, entre las que se encuentra gente como Michael Jackson, Chocolate Milk, Heatwave, Incognito, Brand New Heavies, Jamiroquai, Al Jarreau, George Benson, Spyro Gyra... la lista sería absolutamente interminable.



Hoy hemos decidido ofreceros una cuidada selección de temas de inconfundible sabor funk, centrándonos en aquellos que a partir de los 70s cultivaron dicho estilo. Desde los Earth, Wind & Fire hasta Jamiroquai, desde el funk más puro hasta aquello que se ha dado en llamar acid-jazz y que no es más que la lógica evolución de un género que nació a principios de los 60s y que medio siglo después sigue estando de plena actualidad, aunque la industria se empeñe en cambiarle su original nombre.

La lista que os hemos confeccionado es muy variada ya que lo que pretendemos es dar una visión general de un estilo que con el paso de los años ha demostrado tener una decisiva influencia sobre la música popular.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Funky Tamborim de Tania Maria.
2-Happy Song de Ronnie Foster
3-It's a Shame de Paul Jackson Jr.
4-Standing in the Light de Level 42
5-Double Orange Juice de Mezzoforte
6-Nikki's Groove de Marcus Miller
7-Getting in the Way de Jill Scott
8-Rhythm of Life de James Mason
9-If I Like It I Do It de Jamiroquai.
10-Sexta-Fiera Carioca de Banda Black Rio
11-One More Rythm de James Ingram
12-Dance of the Screamers de Ian Dury
13-Sugar Loaf Mountain de George Duke
14-Operator de Inner Shade
15-Reality de The Brand New Heavies
16-Everyday de Incognito
17-Clean Sweep de Bobby Broom
18-Imagination de Al Jarreau
19-And Love Goes On de Earth, Wind & Fire

Jazzy

Box: Bajo la influencia de Stevie Wonder

Si existe algún artista que haya conseguido aunar calidad, popularidad e innovación ese es, sin duda, Stevie Wonder. Todos hemos oido alguna vez algún tema de este singular artista y muchos de los más interesantes grupos desde principios de los años 70s han bebido de sus inagotables fuentes, desde George Benson hasta Jamiroquai, quienes comenzaron haciendo covers de temas clásicos de Wonder. Y no nos resulta extraño ya que el músico tiene la singular habilidad de crear preciosas melodías y acompañarlar con un envoltorio a veces sencillo, otras complejísimo, pero siempre efectivo, obteniendo resultados tan espectaculares como los conseguidos en sus trabajos grabados durante su década prodigiosa, los años 70s.

Steveland Hardaway Judkins, más conocido por todos con el nombre de Stevie Wonder nació el 13 de mayo de 1950 en Saginaw, población del estado de Minessota en EEUU. Fue un niño prematuro y eso le marcó de por vida ya que en su necesario paso por la incubadora recibió un exceso de oxígeno que le arrebató la visión para el resto de sus días. Pero Stevie estaba destinado a ser uno de los grandes músicos del siglo XX. Ya de muy pequeño perdió a sus padres y fue adoptado, cambiando su nombre por Steveland Morris. Sus inicios, como el de muchos otros grandes artistas de su generación, fue cantando en los coros de la iglesia donde rápidamente comenzó a destacar como músico, tocando diferentes instrumentos, especialmente el piano, la armónica y la percusión.

A los 11 años ya grabó su primer disco tras firmar contrato con la legendaria discográfica Motown. Su título fue “Tribute to Uncle Ray”, un compendio de versiones de temas del maestro Ray Charles. Más tarde firmaría un nuevo trabajo titulado “The 12 Years Old Genious” al que le otros con un interés bastante relativo.



En 1954 su familia se traslado a Detroit. La voz del pequeño Stevie estaba cambiando y éste decidió aprovechar el tiempo cursando estudios de piano clásico en Michigan. En 1968 grabó, con tan sólo 18 años de edad, “For Once In My Life”, donde ya ejerce como coproductor. Le siguió “Signed, Sealed and Delivered” de 1970. Su contrato, firmado 10 años atrás con Gordy, presidente de Motown estaba a punto de expirar. Y Wonder no estaba dispuesto a seguir en Motown si no disponía de todo el control creativo de su obra. A pesar de la oposición de Gordy, Stevie se salió con la suya y en 1971, justo el 13 de mayo, día de su 21 aniversario firmó un nuevo contrato con Motown pero en unas condiciones francamente diferentes. Comenzaba aquí la década prodigiosa de este genio indiscutible de la música popular.

En 1971 graba “Where I’m coming From”. Es este el primer disco integramente Wonder. Escribe todos los temas, incluído el exitoso “If You Really Love Me” y toca prácticamente todos los instrumentos.

En 1972 aparece el precioso “Music Of My Mind” y a finales de ese mismo año “Talking Book” que con temas como “You Are the Sunshine of my Life” convierte a Wonder en un fenómeno social. En 1973 se presenta “Innervissions”. Ese mismo año sufre un grave accidente automovilístico cuando se dirigía a un concierto en North Carolina, cae en coma y, aunque se recupera rápida y totalmente, pero le queda como secuela la pérdida del olfato.



En 1975, presenta el brillante “Fulfillingness First Finale” que incluye, entre otros temas, una tremenda crítica al entonces presidente americano Richard Nixon, titulada descriptivamente “You Haven’t Made Nothing”. Pero lo mejor estaba por llegar y en 1976 presenta un disco doble titulado “Songs in the Key of Life”, probablemente el mejor de su carrera. Sólo comentar que en el año 2009 Wonder recibió el certificado conforme este disco había alcanzado los 10.000.000 de copias vendidas en todo el mundo pasando a formar parte de la librería del congreso de los EEUU. El disco contiene clásicos indiscutibles como “Sir Duke” en homenaje a Duke Ellington o el incontestable “Isn’t She Lovely” por sólo citar un par y es, sin duda, uno de los discos que sirvieron como caldo de cultivo para el futuro nacimiento de etiquetas musicales tan importantes actualmente como por ejemplo, el acid jazz. Que se lo pregunten al amigo Jey Key, lider de Jamiroquai.

En 1979 llegaría el irregular “The Secret Life of Plants” su primer acercamiento a una Banda Sonora, en este caso de un documental que nunca llegó a realizarse. A pesar de ello, el doble disco fue platino y Wonder acumuló un nuevo éxito. Al año siguiente llega “Hotter Than July” con el cual completaba su gran década. Stevie Wonder dejaba de ser un músico innovador para convertirse en una gran estrella. A partir de aquí y hasta la fecha tan sólo 6 trabajos completamente nuevos. En 1982 publicaría una de sus mejores obras recopilatorias. Su título era “Original Musiquarium” y además de una buena selección de temas totalmente remasterizados, incluiría 4 composiciones nuevas entre las cuales se encuentra el bailable “Do I Do” o el interesante y melódico “Ribbon in the Sky”. Le seguiría en 1984 la BSO del divertido largometraje protagonizado por Gene Wilder y Kelly LeBrock, “Woman in Red” que contenía uno de los temas más famosos y detestables de Wonder, el sonrojante “I Just Called to Say I Love You”. En 1985 aparecería “In The Square Circle”, sin duda el mejor disco del artista desde la anterior década. Posteriormente, en 1987 sería el turno del aburrido “Characters”. Le seguiría en 1991 “Jungle Fever”, BSO de la película dirigida por Spike Lee, amigo personal de Wonder. En 1995 el gran fracaso “Conversation Peace”, probablemente el peor de su carrera. Su último disco data de 2005. Con el almibarado nombre “A Time to Love” tampoco ofrece lo que se espera de un artista de su nivel.

Refrescante videoclip de "Do I Do" con la participación especial de Dizzy Gillespie.Este tema está incluído en su doble disco recopilatorio "Original Musiquarium".


Con 41 discos a sus espaldas (entre originales, directos y recopilaciones), 25 Grammys y un Oscar por el peor de sus temas, se puede decir que Wonder es un hombre con una intensa vida llena de fuertes contrastes. Durante sus casi 50 años de carrera ha hecho colaboraciones con artistas tan interesantes como Djavan (recordada su armónica en el gran tema “Luz” del artista brasileño), Will Downing (“That’s all” ), Incognito, B.B. King o Manhatan Transfer y con otros tan detestables musicalmente como Julio Iglesias, Eddie Murphy o Eurythmics. Su vida ha sido muy activa a nivel político y en defensa de los derechos de la raza negra. Ha colaborado en diversas campañas benéficas (recordamos “We are the World”) y de concienciación popular (“Ebony and Ivory” con Paul McCarney) y ha apoyado a diversos candidatos a la presidencia de los EEUU, siempre del ala demócrata. Sin ir más lejos fue muy activo en la reciente campaña para la elección de Barack Obama.

Pero volviendo a la idea que encabeza este artículo sobre la influencia decisiva que Wonder ha tenido sobre la música popular, os hemos preparado una box en la cual podréis escuchar una selección de temas de Wonder que algunos grandes artistas han decidido incluir en sus grabaciones. Creemos que vale la pena hacer este ejercicio ya que Wonder es, a pesar de su enorme popularidad, uno de los artistas más desconocidos para el gran público. Si queréis comprobarlo os recomiendo hagáis una pequeña encuesta pidiendo a vuestros amigos que os digan un sólo tema de Stevie Wonder. Es probable que la respuesta mayoritaria sea “I Just Call to Say I Love You” o con suerte “You Are the Sunshine of my Life” o “Eskeletons” o puede que “Happy Birthday”. Incluso alguien diría “We’re the World”. Una auténtica pena para un hombre que es ya una leyenda indiscutible de la música.

Dentro de unos días, concretamente el 13 de mayo, Stevie Wonder cumplirá 60 años. Los gatitos de este tejado hemos decidido hoy hacerle este modesto homenaje.

Esperamos que os guste.

Encontraréis links en comentarios.

TRACKS

1-Girl Talk. Interpretada por Greg Phillinganes desde su trabajo de debut como lider, "Significant Gaines" grabado en 1981.

2-Tuesday Heartbreak. Extraída de "Cheshire Cat" (1975) del teclista Ronnie Foster.

3-You Are My Heaven. Precioso tema de Wonder grabado por Roberta Flack en colaboración con Donny Hathaway en el año 1979.

4-Until You Come Back to Me. Uno de los temas más grabados de Wonder, en este caso por la cantante británica de origen polaco Basia, quien había sido miembro fundador de los exitosos Matt Bianco a principios de los 80s. El tema está contenido en "London, Warsaw, New York", grabado por la vocalista en el año 1989.

5-Ngiculela-Es Una Historia-I'm Singing. Gato Barbieri nos regala una potente versión de este precioso tema. Incluído en "Ruby, Ruby", grabado por Barbieri en 1977.

6-Bird of Beauthy. La vocalista californiana Marilyn Scott nos ofrece esta deliciosa versión que cuenta con los arreglos de Dori Caymmi, toda una leyenda en Brasil. Desde su interesante "Take Me With You" (1996).

7-Too High. El guitarrista Norman Brown, un hombre que demasiado frecuentemente nos recuerda a George Benson, aporta una cuidada réplica del conocidísimo tema. Desde "Just Between Us" (1992).

8 y 9-Don't You Worry About a Thing. Hemos escogido dos posibilidades para este latino tema de Wonder. La primera nos llega desde Caracas, con la banda Martes 8:30. La segunda está arreglada por Jean Paul Maunick para su Incognito.

10-You Will Know. Un magnífico guitarrista le toma el pulso a esta composición tipicamente Wonderiana. Se trata de Russell Malone. Lo sacamos de "Look Who Is Here" (2000).

11-12-I Can't Help It. Dos diferentes visiones, la primera de Michael Jackson desde uno de sus mejores trabajos, "Off de Wall" (1979). La segunda es del saxofonista Grover Washington Jr y fue incluída en su "Skylarkin'" (1980).

13-We All Remember Wes. A principios de los 70s George Benson compuso un tema en honor de su ídolo, Wes Montgomery que se llamaba "I Remember Wes". Al poco Wonder le hizo llegar este tema a Benson recordándole que no sólo el guitarrista echaba de menos a Wes, sino todo el mundo de la música. Benson incluyó el tema de Wonder en su historico "Weekend in L.A.", grabado en directo en el año 1978.

14-Finally. Tema que cierra uno de los mejores trabajos de la vocalista Diane Schuur, "Friends for Schuur", grabado en el año 2000. Wonder no sólo le compuso el tema sino que además le acompañó en la grabación.

15-Superwoman. Cerramos con este extraordinario tema en versión de Ronnie Foster. Desde su "Sweet Revival" de 1973.



Jazzy

"El Comandante" (1994) del gran Mario Rivera.

"A Través del tiempo he mantenido una relación muy especial con los dominicanos; he visitado muchas veces su país y uno de mis amigos favoritos es un loco arrebatado llamado Mario Rivera, quien además de tocar muy bien todos los saxofónes y la flauta, es una especie de gurú de los músicos latinos de Nueva York. Dicen que el músico que no ha ido a casa de Mario no ha estado realmente en esta ciudad. Vive en un apartamento de tres dormitorios en la 96 y Amstersam, en Manhattan, donde hay todo tipo de instrumentos y un equipo de audio (encendido) en cada pieza, tocando los más diversos estilos musicales, desde Stan Kenton a Tito Rodriguez, pasando por Ornette Coleman, Juan Luis Guerra, Piazzola, Jacques Ibert, La Patrulla 15, Irakere y Antonio Carlos Jobim. A Mario lo que le gusta es tocar su tenor, alto, soprano, barítono, melódica, vibráfono, bongó, fagot, flauta, piano, piccolo, flauta alto, trompeta o tambora junto con los discos que suenan en cada habitación. Lo malo es que sus horas más inspiradas son las madrugadas, lo que no hace precisamente las delicias de sus vecinos; y como viaja con bena parte de su arsenal, lo mismo hace en habitaciones de hotel de calquier lugar del globo. Pero la verdad es que las contrariedades de los vecinos de Mario no le quitan su mérito, y como bien me dijo Slide Hampton después de una de esas noches que siempre se convierten en amaneceres : 'Nunca conocí a nadie con tanto amor y dedicación a la música como tú amigo Mario Rivera'". Estas palabras están extraídas del libro "Mi Vida Saxual", la biografía oficial escrita por el saxofonista y clarinetista cubano Paquito D'Rivera, amigo personal de Mario Rivera.

Entrevista a Mario Rivera efectuada por el Canal Latino. En ella Rivera nos enseña su apartamento y nos explica su concepción del jazz, con la que coincidimos plenamente.

Nacido el día 22 de julio 1939 en Santo Domingo, República Dominicana, Mario Rivera se traslada a Nueva York en el año 1961. Durante su brillante carrera, de casi 50 años, participó en multitud de proyectos con grupos como Descarga Boricua, Alex Díaz & The Be Bop Boogaloo Kings, Jerry Gonzalez & Fort Apache Band, Kip Hanrahan, Israel Kantor, Héctor Lavoe, The Brian Lynch, Joe Quijano, Eddie Palmieri, Joey Pastrana, Joe Quijano y su Conjunto o Louie Ramirez. Sus más importantes asociaciones musicales incluyen además artistas del nivel de Tito Rodríguez, la Orquesta de Machito, Paquito D'Rivera, Sonny Stitt, Tipica 73, El Octeto George Coleman, Dizzy Gillespie, Slide Hampton Jazz Masters, Giovanni Hidalgo, La Orquesta de Chico O'Farill y sobretodo, las diversas formaciones de Tito Puente, con quien trabajó durante décadas.

Mario Rivera y su banda interpretan "Todavia" un precioso tema compuesto por el músico e incluído en "El Comandante". Este video es parte de un concierto en Berna que podéis encontrar en Youtube, dividido en 10 partes diferentes, En ellas podemos ver a Rivera tocando saxo, flauta, vibráfono, cantando y lo que se le ponga por delante. Una auténtica demostración.

Mario Rivera fue uno de los acompañantes más solicitados en el negocio del jazz y la música latina, pero a pesar de haber aparecido en cientos de grabaciones (o quizás por esa misma razón), Rivera registró sólo un disco como líder, el impresionante "El Comandante", cuyo título alude al sobrenombre por el cual el saxofonista es bien conocido. El disco es una extraordinaria colección de ritmos procedentes de todos los rincones de sudámerica, desde el merengue de su tierra natal hasta la música de Brasil, pasando obviamente por el jazz más latino del cual Rivera es uno de sus exponentes más ilustres. Fue grabado entre el 6 y 7 de diciembre de 1993 y lanzado al mercado por la discográfica Groovin' High al año siguiente. El grupo que participó en esta grabación estuvo compuesto por el saxofonista George Coleman; el desaparecido pianista puertorriqueño Hilton Ruiz; Ed Cherry en la guitarra; Walter Booker y John Benitez al bajo; Ignacio Berroa y Phoenix Rivera a la bateria (este último también en paino); José Alex Díaz a las congas y guiro; Rey Díaz a la tambora y Isidro Bobadillo en el sheqere y percusión dominicana, entre otros. Su hijo y baterista Phoenix Rivera fue el director musical de este proyecto que tiene por única pega el hecho de ser el único ejemplo que se puede encontrar de la música de este gran multi instrumentista. Una auténtica gozada que consigue que la tecla de avance de tu reproductor se convierta en un elemento prescindible. Si te gusta el jazz latino vas a disfrutar como un niño pequeño, tal y como él hacía construyendo su música. "En mi caso, el día se convierte en noche y la noche se convierte en día. No hay vehículos en la calle, no hay sirenas en la noche. No hay nada que pueda bloquear la inspiración. Mi casa es como un laboratorio musical en el cual tengo que aprender a tocar instrumentos. Me paso todo mi tiempo libre en casa, practicando como un loco. Esta es la razón por la que domino 24 tipos diferentes. Cuando se trata de música, uno debe ser siempre un activo militante. La música exige toda tu atención y dedicación. Si un músico no está dispuesto a asumir ese compromiso, acabará flotando en un mar , junto con los otros personajes mediocres y ociosos ", decía Rivera.

Otro corte del concierto en Berna al que aludíamos en el video anterior. Un extraordinario tema que además nos enseña la maestría en la guira de Ray 'El Chino' Diaz. Vale la pena dedicarle unos minutos, gozarás, hermano latino.


Desgraciadamente Mario Rivera nos abandonó en agosto del 2007 tras luchar sin suerte contra un cáncer linfático. Eran la 8 A.M. en Nueva York cuando eso sucedió, una hora a la que Rivera gustaba de tocar su arsenal de instrumentos en su apartamento de Manhattan. Estamos seguros que hasta sus sufridos vecinos le echan a faltar.

Descanse en paz "El Comandante" Mario Rivera.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Amigos Juntos Rivera
2-Frank's Tune Strozier
3-La Puerta Demetrio
4-Tanga Gillespie
5-Pretty Blues Coleman
6-Afternoon in Paris Lewis
7-Todavía Rivera
8-Have You Met Miss Jones? Hart, Rodgers
9-En la Obscuridad Solano

CREDITS

Mario Rivera Trumpet, Flute (Alto), Sax (Alto), Sax (Soprano), Sax (Tenor), Tamboura John Benítez Bass Ignacio Berroa Drums Isidro Bobadillo Percussion, Shekere Walter Booker Bass Ed Cherry Guitar, Mixing, Session Coordinator George Coleman Sax (Tenor) Jose Alexis Diaz Cheng, Guira Phoenix Rivera Piano, Director, Drums, Mixing Rey Diaz Tamboura Hilton Ruiz Piano

Jazzy

Canciones para Gatos: "Cherizar" de Gino Vannelli.

Eran los primeros 70s. En aquellos momentos, los hermanos Gino y Joe Vannelli intentaban sin demasiado éxito hacer una primera grabación. Un buen día, hartos del rechazo que habían sufrido por parte de todas las compañías discográficas con las que habían estado en contacto, Gino, guitarra en mano, decidió esperar al reputado productor y trompetista Herp Alpert en el parking de la discográfica A&M Records, de la que era propietario. Parece ser que Alpert , al verlo, comprendió que Vannelli iba a tocar aunque se hundiera el mundo y asistió con una sonrisa en los labios al improvisado concierto. Cuando Vannelli dejó de tocar, Alpert se acercó y le dijo "Muy bien chico, vas a grabar, y yo voy a producir tu primer disco". En aquellos momentos Herp Alpert triumfaba con su Tijuana Brass Band y había ganado mucho dinero produciendo a Sergio Mendes & Brasil 66. Resulta pues evidente su influencia en el primer trabajo de Vannelli, "Crazy Life" (1973), repleto de ritmos brasileños.

La canción que dá título al disco es una preciosa balada con aires de bossanova llamada Crazy Life, la única pieza aún presente en el repertorio actual de Vannelli y un tema que ha sido interpretado en la mayoría de los conciertos del vocalista de Montreal.



Pero en ese mismo trabajo hay otra composición muy similar en cuanto a concepción y que siempre nos ha fascinado en este tejado. Nos referimos a "Cherizar", compuesta también por Vannelli y que comparte el mismo universo musical que su exitosa compañera, pero que no ha tenido tanta suerte. Juzgad vosotros mismos.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

Ficha Técnica

Título: Cherizar
Artista: Gino Vannelli
Compuesta por: Gino Vannelli
Incluída en el trabajo: Crazy Life
Año de grabación: 1973
Discográfica: A&M Records

Credits: No disponibles ni en el vinilo original ni en la reedición en CD. Por cierto, tanto uno como otro formato son absolutamente imposibles de encontrar en el mercado.

Jazzy