Joyce, la gran dama de la música brasileña

Joyce es una de las grandes, dentro de la música brasileña. Vocalista excepcional, guitarrista, compositora, letrista, periodista, escritora y muchas cosas más, esta polifacética artista ha conseguido llevar a cabo una envidiable carrera plagada de grandes grabaciones.

Joyce nació muy cerca de la playa de Copacabana, al sur de Rio de Janeiro el día 31 de enero de 1948. Sus padres se separaron antes de que ella naciera y fue registrada por su madre, Zemir, como hija de su primer matrimonio. Zemir, funcionaria pública, cuidó sola de ella y de dos hijos más.

Joyce aprende a tocar la guitarra a los 14 años, observando a su hermanastro Newton, 13 años mayor que ella. Un par de “desconocidos” de nombre Roberto Menescal y Eumir Deodato (que en esos años tocaba el acordeón) eran buenos amigos de Newton. De hecho, por casa de la pequeña Joyce pasaba de forma habitual gente como Leny Andrade, los hermanos Castro-Neves y los antes mencionados, Menescal y Deodato. Ella se limitaba a mirar y a abrir bien los oídos.

En 1964, con 16 años de edad, hace su primera grabación en estudio, “Sambacana”, invitada por Roberto Menescal. La música seguía siendo para ella un sueño distante.

A los 18 años inicia por primera vez estudios de música y al año siguiente comienza la carrera de periodismo llegando a trabajar para O Jornal do Brasil. Ese mismo año clasifica la canción “Me disseram” para el Segundo Festival Internacional da Cançao de Rio. La letra, que incluye el verso “ja me disseram que meu homem nao me ama” (me dijeron que mi hombre no me quiere) causo gran revuelo en Brasil tan sólo por que estaba escrita en 1ª persona del femenino. Algunos periodistas calificaron la letra de “vulgar e inmoral”, acusándola de feminista (concepto que luego comentó la propia Joyce que ni siquiera conocía en aquel momento). Recordemos que Brasil estaba sumergida en una terrible dictadura. Algunos músicos, como Nelson Motta o Fernando Lobo apoyaron a la joven artista brasileña.

En 1968 graba su primer trabajo con el nombre de “Joyce”. El disco estaba compuesto por 11 temas; 5 suyos y 6 más de gente entonces desconocida. Eran Paulino da Viola, Marcos Valle, Francis Hime, Caetano Veloso, Jards Macalé, Toninho Horta y Ronaldo Bastos. Casi nada.

Al año siguiente graba su segundo trabajo producido por Nelson Motta, con arreglos de Luis Eça, titulado “Encontro Marcado” y hace su primera gira fuera de Brasil. Con el grupo Sagrada Familia de Luiz Eça, grabaría un nuevo trabajo en 1970 y ese mismo año lanzaría un doble compacto con el grupo A Tribu, formado por ella, además de Toninho Horta, Novelli, Nana Vasconcelos y Nelson Angelo, con quien se casaría meses después.

Entre 1971 y 1975 sólo un trabajo. La artista se dedica a su familia y tiene dos hijas, Clara y Ana, cuyos nombres daría origen a uno de sus temas más famosos, “Clareana”.

En 1975 Joyce se separa de Nelson Angelo y es invitada por Vinicius de Moraes para substituit a Toquinho. Al año siguiente graba en Italia el trabajo “Passarinho Urbano” donde interpreta temas de nuevos artistas censurados por la dictadura militar, entre ellos Chico Buarque, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Edu Lobo, Maurício Tapajós o el mismo Vinicius. En 1977 Joyce conoce a Tutti Moreno en New York con quien se casaría, tras 24 años de convivencia, en el año 2001. De su unión nacería, en 1980, la tercera hija de Joyce, Mariana. Justo ese año despega definitivamente la carrera de esta polifacética artista, con el lanzamiento del excelente trabajo “Feminina”. El disco contiene temas memorables como el que da título al disco o el mencionado "Clareana" además de la conmovedora "Essa Mulher", o "Aldeia de Ogum". Este último tema fue

redescubierto 12 años más tarde por algunos DJ’s de Londres que convertirían a Joyce en una gran estrella en UK. Cabe recordar que fue la primera artista brasileña invitada en un festival de acid jazz donde la acogió un caluroso público de más de 2000 personas.

Las siguientes grabaciones de la artista merecen, al igual que la mencionada “Feminina”, un lugar de honor en la discografía de cualquier amante de la música de Brasil. “Agua e Luz” (1981) contiene el éxito "Monsieur Binot". La carrera internacional de Joyce comienza a funcionar y ella dedica el resto de la década a grabar algunos trabajos en forma de homenaje a alguno de los grandes de la música de Brasil, como los dedicados a Tom Jobim y Vinicius de Moraes además de “Tardes Cariocas” (1984) y “Saudade de Futuro” (1985). Cierra los 80 con el excelente directo “Joyce ao vivo” (1989).

En 1990 graba “Music Inside” y al año siguiente, “Linguas e amores” colaborando en un tema con el legendario Jon Hendricks ( el tema: "Taxi Driver", muy recomendable).

En 1996 tras varios homenajes, recopilaciones y directos, saca al mercado un nuevo disco con temas originales. Su nombre es “Ilha Brasil” y no defrauda a nadie. El trabajo contiene varios grandes temas entre los que destacan "Havana-me" y "Oasis". Dos años después, un encendido homenaje a Elis Regina con el título de “Astronauta”. Conmovedora la versión del tema de Ary Barroso, "Na Batucada da Vida".

En 1997, explotando su faceta de periodista, escribe el libro “Fotografiando Hadas con mi Rolley Flex”, una excelente radiografía de la música brasileña cuyo título se inspira en la letra del clásico “Desafinado” del maestro Antonio Carlos Jobim. Con “Hard Bossa” (1999) consigue otro trabajo redondo, conteniendo temas como "Criança", "London Samba", "Novelo" o "Vatapá".

En el nuevo siglo, quinta década de carrera de la artista, Joyce ha hecho varios discos con temas originales, como “Gafieira Moderna” (2001), “Banda Maluca” (2004) (rebautizado en UK como “Just a Little Bit Crazy”) o el más reciente “Rio Bahia” con Dory Caymmi, aunque en mi opinión los resultados a nivel creativo no han sido tan brillantes como anteriores trabajos. Para acabar, en el año 2007 compartió su primer disco con su marido Tutty Moreno, titulado "Samba Jazz", editado en Japón.

En el año 2008 realizó su primer DVD en directo titulado “Ao Vivo”.

Joyce es, en mi opinión, una de las grandes de Brasil. A diferencia de otras vocalistas, Joyce compone muchos de los mejores temas de su discografía. Es una estrella en países como Gran Bretaña o Japón y muy conocida en otros como Francia, Bélgica o Alemania. Recuerdo haber estado en un concierto suyo en Barcelona en el año 1995. Me enteré de forma casual, ya que la promoción fue nula. Fue un concierto memorable, pero no éramos más de 200 personas.

Una pena.

Jazzy

Graham Lear, un gran bateria con impresionantes grabaciones.

Graham Lear es, sin duda, uno de los grandes baterias de los años 70 y 80. Nacido en UK y críado en Canadá, Lear es un bateria versátil como pocos, capaz de adaptarse a diferentes estilos musicales, del jazz al rock, pasando por latin, funk, soul o lo que se le ponga por delante.

Probablemente fué ese detalle, junto con su depurada técnica personal, lo que convenció a la estrella canadiense, Gino Vannelli, para incorporarlo en su formación. Lear participó en la mayoría de las mejores grabaciones de Vannelli. La primera de ellas fué "Powerful People" (1974) a la que le seguirían "Storm at Sunup" (1975) y "The Gist of the Gemini" (1976).

En esas fechas fué contratado por el guitarista mejicano Carlos Santana con el cual participaría en conciertos y grabaciones entre 1977 y 1995. Entre sus colaboraciones podemos destacar su contribución en "Moonflower" (1977), "Zebop!" (1981) o "Viva Santana!" (1988).

Cabe destacar que temas como "Where Am I Going" contenido en "Storm at Sunup" de Vannelli o su sólo en "Head, Hands and Feet" de "Moonflower" de Santana han sido integramente transcritos por la revista Modern Drummer, para la cual Lear concedió una entrevista en su primer número en el año 1982. Además Lear tuvo el honor de ver como la leyenda de la bateria Buddy Rich hacía un cover de su brillante interpretación del tema "Storm at Sunup" que da nombre al ya mencionado trabajo de Vannelli del año 1975. Desgraciadamente no he tenido la oportunidad de oir la interpretación de Rich, pero os recomiendo encarecidamente que escucheis la de Graham Lear. Alucinante.

Al acabar su periodo con Santana, Lear volvería a sus orígenes colaborando de nuevo con Gino Vannelli en un par de excelentes trabajos. El primero de ellos, probablemente el mejor trabajo de Vannelli desde "Nightwalker" (1981), se titula "Yonder Tree" (1995) y contiene alguna memorable interpretación de Lear. El segundo y hasta la fecha último trabajo con el vocalista canadiense se llama "Slow Love" (1998) y también contiene algún track a mencionar, como "Alive by Science". En este trabajo comparte créditos con el bateria y percusionista David Garibaldi.

Además de lo comentado, Graham Lear ha participado en otras grabaciones no tan destacables de músicos como el irregular pianista Tom Grant ("Instinct" de 1995) y con la banda de rock REO Speedwagon.

Actuamente Graham Lear emplea parte de su tiempo grabando y tocando en el area de Porland (Oregon) con artistas locales como Patrick Lamb Band, Whirled Jazz, Randy Porter, Gary Small Band, Johnny Martin, Sambrasil, Ramsey Embick, Kita Montgomery, Andre Kitaev, Bobby Torres, Latin Persuasion y Rich Cooper Big Band entre otros, además de practicar el noble arte de la docencia. También está participando en giras internacionales con el conocido cantante canadiense, Paul Anka.

Jazzy

"New York Date". Un excelente trabajo de Debbie Cameron, una vocalista con una carrera singular.

Debbie Cameron nació en Miami el 14 de septiembre de 1958. Americana originaria de las Bahamas, ha tenido una carrera bastante singular. De hecho, empezó un poco tarde, al cumplir los 18 años de edad. En ese momento obtuvo el Premio al Estudiante más prometedor ("Most Promising Student") en la Escuela de Música de la Universidad de Miami.

En 1978 se muda a Dinamarca, donde vivia su madre y poco más tarde, en 1981, representa a Dinamarca en el Festival de Eurovision formando un dúo con el músico danés, Tommy Seebach. La canción, titulada "Kroler eller ej" es un fantástico ejemplo de tema hortera y eurovisivo, practicamente risible. Lo cierto es que viendo la actuación de Debbie y sus compañeros nadie podría haber predecido que esta mujer podía ser una vocalista interesante. Pero como a veces pasa en este divertido mundo, Cameron decidió contradecir toda previsión y en el año 2002 sacó un excelente trabajo que vale la pena rescatar. Su nombre es "New York Date".

El album es su cuarto trabajo como lider pero es el primero que Cameron ha grabado en su pais natal, E.E.U.U.

En "New York Date", la mayoría de los temas son standards de jazz, salvo dos excepciones; la primera de ellas es el interesante "Searching". El segundo, un homenaje a Theolonius Monk con el descriptivo título "I Love Monk", ambas de Debbie Cameron. Ciertamente las composiciones de Cameron, aunque tienen un interés, no son lo mejor del disco.

Este trabajo es un sincero y rendido homenaje a la música que, parece, interesa a la vocalista. Puro jazz, ejecutado por una buena banda de músicos y grabado prácticamente en directo, sin ningún tipo de artificios técnicos lo cual, en las fechas que corren, es de agradecer. Al oirlo uno se hace la idea de lo dificil que debió resultar para ella disfrutar con algunas de las cosas que había grabado tiempo atrás y que probablemente no le ayudaron demasiado en su carrera.

Cierra los ojos y conecta tu reproductor. Si añades un poquito de humo creerás estar en un club de jazz. Y cuando el disco se acabe, te preguntarás que diablos ha estado haciendo Debbie durante todos estos años.

Destacar las versiones de los clásicos "You go to my head" y de "Night and day". Sencillamente deliciosas.

TRACKS

1 Social Call Williams

2 Watch What Happens LeGrande
3 Searching Cameron

4 Donna Lee Cornfield, Parker
5 You Go to My Head Coots

6 Shiny Stockings Foster, Hendricks

7 The Island Jobim, Lins, Martin
8 I Love Monk Cameron
9 Night and Day Porter
10 Confirmation Cornfield, Parker

CREDITS

Debbie Cameron - Vocal

Ben Besiakov - Piano

Harvie Swartz - Bass

Danny Gottlieb - Drums

Eric Alexander - Saxophone

Espero que os guste.

Jazzy

Semuta, una banda olvidada.

A finales de los años 70 en Gran Bretaña (de hecho prácticamente en todo el mundo) el jazz como genero había caído en desgracia. La mayoría de sellos discográficos querían producir pop o, en su defecto, rock. Se trataba de hacer dinero de la forma más rápida posible y resultaba obvio si echabas un vistazo a las listas de ventas que, si no eras George Benson o alguna honrosa excepción más, las posibilidades de llegar al gran público se reducían poderosamente. Muchos músicos y grupos no lograron grabar un solo disco, otros a duras penas conseguían hacer un trabajo y si era excelente y además tenía una buena acogida a nivel de ventas (cosa que dependía más de una buena campaña de promoción y de la suerte que de la estricta calidad musical) podían iniciar una incierta carrera.

En ese contexto, un buen aficionado al jazz llamado Howard Lambert, pasó muchas noches de concierto en concierto, observando a grupos y músicos de un Londres rebosante de talento. En 1976 decidió que si nadie preservaba esta música iba a caer irremediablemente en el olvido y con ese objetivo en mente, decidió fundar Lee Lambert Records.Su primera experiencia como productor fue con el LP titulado “British Jazz Artists - Vol. 1” que contenía grabaciones de artistas de jazz de la escena londinense como Tony Lee, Terry Smith, Martin Drew o Tony Coe. En esa época conocería a un grupo formado por músicos procedentes del Leeds College of Music. Se trataba de Semuta, un joven grupo que estaba dando mucho que hablar. Al verlos Lambert decidió, de forma inmediata, que debía producirles un disco y de esa forma nació este extraño y refrescante trabajo, a todas luces recomendable. Tan seguro estaba Lambert de que sería un éxito que incluso se atrevió a desafiar públicamente a cualquier crítico a que fuera capaz de encontrar en los alrededores de Londres a una banda tan interesante.

El núcleo duro de Semuta estaba formado por tres músicos; Ian Ballentine al vibráfono y la marimba, Alan Cook, como pianista y compositor de todos los temas y Dave Tyas a la bateria. Para la grabación se añadieron Frank Dawkins a guitarra y bajo y el cubano Sergio Castillo, a la percusión. Sólo mencionar como curiosidad que Castillo, poco después de su experiencia con Semuta, comenzó a trabajar con el rockero español, Miguel Rios, momento a partir del cual se hizo un asiduo en las giras y grabaciones de algunos de los músicos españoles más populares del momento, como Victor Manuel y Ana Belén, Rosana, Joaquin Sabina, Juan Perro, Ketama, Raimundo Amador o Miguel Bosé. Más recientemente ha producido trabajos para grupos como Estopa o Navajita Plateá. Que pequeño es el mundo.

"Semuta" by Semuta es un disco de fusión en toda la extensión de la palabra. Contiene temas de inspiración muy latina, como “Lafayette” o “No face no name”, preciosas baladas como “By no means beautiful” o el original dúo de guitarra y vibráfono “Danielle”, combinados con excelentes composiciones que se adentran en el terreno más jazzy, especialmente el singular y excitante “Blue pearl” o el magnífico “Little angels” quizás el título más inspirado de todos cuantos componen este magnífico disco.

Las críticas fueron en general muy buenas y presagiaban un buen futuro a esta joven banda inglesa, pero lo cierto es que las expectativas no se cumplieron. Ahora hará 30 años de la publicación de "Semuta" en el año 1979. Sus tres componentes son actualmente unos excelentes músicos con una gran trayectoría. Ian Ballentine y Dave Tyas tienen sus propios grupos, The Ballantine/Shaw Band y Dave Tyas Quartet respectivamente, mientras que Alan Cook destina la mayor parte de su tiempo a la formación de nuevos talentos como Director de Oxford & Cherwell Valley College.

Algunos años después Semuta se volvió a reunir para grabar un par de discos más pero el nivel artístico de estos trabajos es realmente deficiente. Sus títulos, tan poco originales como su contenido musical, son Take 1 y Take 2. La magia esta vez duró tan solo un disco, pero es un disco que vale la pena recordar.

Jazzy

Stevie Wonder. Los 70, la década prodigiosa de un genio indiscutible. 10 perlas olvidadas en las recopilaciones.

Stevie Wonder nació el 13 de mayo de 1950 en Saginaw, población del estado de Minessota en EEUU. Fue un niño prematuro y eso le marcó de por vida ya que en su necesario paso por la incubadora recibió un exceso de oxígeno que le arrebató la visión para el resto de sus días.

Pero el pequeño Stevie, nacido Steveland Hardaway Judkins estaba destinado a ser uno de los grandes músicos del siglo XX. Y lo iba a ser a pesar de todo.

Ya de muy pequeño perdió a sus padres y fue adoptado, cambiando su nombre por Steveland Morris. Empezó cantando en los coros de la iglesia y rápidamente comenzó a destacar como músico, tocando diferentes instrumentos, especialmente piano, harmónica y percusión.

A los 11años ya grabó su primer disco tras firmar contrato con la legendaria discográfica Motown, Su título fue “Tribute to Uncle Ray”, un compendio de versiones de temas del maestro Ray Charles. Más tarde firmaría un nuevo trabajo titulado “The 12 years old genious” al que le seguirían diversos trabajos con un interés bastante relativo.

En 1954 su familia se traslado a Detroit. La voz del pequeño Stevie estaba cambiando y éste decidió aprovechar el tiempo cursando estudios de piano clásico en Michigan. En 1968 grabó, con tan sólo 18 años de edad, “For once in my life”, donde ya ejerció como coproductor. Le siguió “Signed, sealed and delivered” en 1970. Su contrato, firmado 10 años atrás con Gordy, presidente de Motown estaba a punto de expirar. Y Wonder no estaba dispuesto a seguir en Motown si no disponía de todo el control creativo de su obra. A pesar de la oposición de Gordy, Stevie se salió con la suya y en 1971, justo el 13 de mayo día del 21 cumpleaños de Wonder, firmó un nuevo contrato con Motown pero en unas condiciones francamente diferentes. Comenzaba aquí la década prodigiosa de este genio indiscutible de la música popular.

En 1971 graba “Where I’m coming From”. Es este el primer disco integramente Wonder. Escribe todos los temas, incluído el exitoso “If you really love me” y toca prácticamente todos los instrumentos.

En 1972 aparece “Music of my Mind” y a finales de ese mismo año “Talking Book” que con temas como “You are the sunshine of my life” convierte a Wonder en un fenómeno social. En 1973 se presenta “Innervissions”. Ese mismo año sufre un grave accidente automovilístico cuando se dirigía a un concierto en North Carolina, cae en coma y, aunque se recupera rápida y totalmente, le queda como secuela la pérdida del olfato.

En 1975, presenta el brillante “Fulfillingness first finale” que incluye, entre otros temas, una tremenda crítica al entonces presidente americano Richard Nixon, titulada descriptivamente “You haven’t made nothing”. Pero lo mejor estaba por llegar y en 1976 Wonder presenta un disco doble titulado “Songs in the key of life”, probablemente el mejor de su carrera. Sólo comentar que en el año 2009 Wonder recibió el certificado conforme este disco había alcanzado los 10.000.000 de copias vendidas en todo el mundo pasando a formar parte de la librería del congreso de los EEUU. El disco contiene clásicos indiscutibles como “Sir Duke” en homenaje a Duke Ellington o el incontestable “Isn’t she lovely” por sólo citar un par y es, sin duda, uno de los discos que sirvieron como caldo de cultivo para el futuro nacimiento de etiquetas musicales tan importantes actualmente como por ejemplo, el Acid Jazz.

En 1979 llegaría el irregular “The Secret Life of Plants” su primer acercamiento a una Banda Sonora, en este caso de un documental que nunca llegó a realizarse. A pesar de ello, el doble disco fue platino y Wonder acumuló un nuevo éxito.

El 1980, “Hotter than July” cerraría la década prodigiosa del genio de Minnesota. Stevie Wonder dejaba de ser un músico innovador para convertirse en una gran estrella. A partir de aquí y hasta la fecha tan sólo 6 trabajos completamente nuevos. En 1982 publicaría una de sus mejores obras recopilatorias. Su título era “Original Musiquarium” y además de una buena selección de temas totalmente remasterizados, incluiría 4 composiciones nuevas entre las cuales se encuentra el bailable “Do I Do” o el interesante y melódico “Ribbon in the Sky”. Le seguiría en 1984 la BSO del divertido largometraje de Gene Wilder, “Woman in Red” que contenía uno de los temas más famosos y detestables de Wonder, el sonrojante “I Just Called to Say I Love You”. En 1985 aparecería “In The Square Circle”, sin duda el mejor disco del artista desde la anterior década. Posteriormente, en 1987 sería el turno del aburrido “Characters”. Le seguiría en 1991 “Jungle Fever”, BSO de la película dirigida por Spike Lee, amigo personal de Wonder. En 1995 el gran fracaso “Conversation Peace”, probablemente el peor de su carrera. Su último disco data de 2005. Con el almibarado nombre “A Time to Love” tampoco ofrece lo que se espera de un artista de su nivel.

Con 41 discos a sus espaldas (entre originales, directos y recopilaciones), 25 Grammys y un Oscar por el peor de sus temas, se puede decir que Wonder es un hombre con una intensa vida llena de fuertes contrastes. Durante sus casi 50 años de carrera ha hecho colaboraciones con artistas tan interesantes como Djavan (recordada su armónica en el gran tema “Luz” del artista brasileño), Will Downing (“That’s all” ), Incognito, B.B. King o Manhatan Transfer i con otros tan detestables musicalmente como Julio Iglesias, Eddie Murphy o Eurythmics. Su vida ha sido muy activa a nivel político y en defensa de los derechos de la raza negra. Ha colaborado en diversas campañas benéficas (recordamos “We are the World”) y de concienciación popular (“Ebony and Ivory” con Paul McCarney) y ha apoyado a diversos candidatos a la presidencia de los EEUU, siempre del ala demócrata. Sin ir más lejos fue muy activo en la reciente campaña para la elección de Barack Obama. Pero un genio siempre es un genio y me gustaría compartir un listado de temas nunca recopilados de Stevie Wonder pero que curiosamente condensan bastante bien la filosofía de este artista único e irrepetible. No son sus mejores temas (al menos todos ellos) pero ejemplifican bastante bien la carrera de uno de los artistas más famosos y desconocidos del panorama musical actual. Y digo desconocido porque probablemente si hiciéramos una encuesta preguntando por un sólo tema de Stevie Wonder, la respuesta mayoritaria sería “I Just Call to Say I Love You” o con suerte “You Are the Sunshine of my Life” o “Eskeletons” o puede que “Happy Birthday”. Incluso alguien diría “We’re the World”.

Es una auténtica pena.

Ahí va el listado.

1- “Power Flower” de “The Secret Life of Plants”
2- “Tuesday Heartbreak” de “Talking Book”
3- “Smile, Please” de “Fulfillingness First Finale”
4- “It Ain’t no Use” de “Fulfillingness First Finale”
5- “Bird of Beauty” de “Fulfillingness First Finale”
6- “Summer Soft” de “Songs in the Key of Life”
7- “Never in your Sun” de “In the Square Circle”
8- “With Each Beat of my Heart” de “Characters”
9- “If she breaks your Heart” de “Jungle Fever”
10- “Sweetest somebody I know” de “A Time to Love”

Espero que os guste.

Jazzy