"Butterfly Dreams" (1973) de Flora Purim.

Influenciada tanto por la música tradicional de Brasil como por el arte vocal de algunas de las grandes del jazz americano como Ella Fitzerald o Sarah Vaughman, Flora Purim es sin duda una de las cantantes más exitosas e influyentes de los años 70.

Nace el 6 de marzo de 1942 en Rio de Janeiro. Su padre era un emigrante ruso aficionado a tocar el violín mientras que su madre, brasileña, era una excelente pianista.

A finales de los años 60, Flora Purim se casa con el batería y percusionista Airto Moreira y juntos deciden abandonar Brasil, que en esos momentos estaba sufriendo los excesos de la dictadura militar, para recalar en New York. Para entonces Flora Purim ya dominaba la guitarra, el piano, y la percusión y poseía un rango vocal y un personal estilo que la hacía diferente del resto de vocalistas.

Una jovencísima Flora Purim acompañando a Stan Getz, Stanley Cowell, Miroslav Vitous y Jack Dejohnette. Imágenes grabadas en Paris en 1969.

Duke Pearson fue el primer músico estadounidense en invitar a Flora a cantar junto a él. Poco después la contrataría Bill Evans quién, además, le daría la oportunidad de experimentar. Era el inicio de los años 7o y en New York se estaba cociendo un nuevo estilo musical del cual tanto Purim como su marido Airto Moreira serían protagonistas. El jazz más eléctrico (a vecés llamado jazz-rock, otras, más acertadamente fusion o new jazz) estaba haciendo su aparición.

En 1972 Flora y Airto participan en la grabación de los dos primeros trabajos de un nuevo grupo de nombre "Chick Corea & Return to Forever". "Return to Forever" (1972) (aunque editado más tarde) y "Light as a Feather" de ese mismo año representarían la confirmación de un nuevo concepto musical iniciado por el innovador Miles Davis con quién Airto había tocado dos años antes. Flora contribuiría a las grabaciones de forma activa con su voz y poniendo letra al tema de Stanley Clarke "Light as a Feather" que daba título al disco. El resultado ya es historia.

Desde entonces las carreras de Flora y Airto no pararon de crecer. Flora Purim comenzó a grabar como lider en el año 1973 con su "Butterfly Dreams" y ya no pararía hasta la actualidad, además de colaborar en conciertos y grabaciones con gente del nivel de Eumir Deodato, Carlos Santana, George Duke, Michael Franks o Dizzy Gillespie. Airto contribuiría a la formación de una nueva banda que se llamaría Weather Report y se convertiría en uno de los baterias más admirados del jazz contemporáneo.

"Dindi" de Jobim interpretada por Purim e incluída en "Butterfly Dreams". El autor del video ilustra la música con preciosas y evocadoras imágenes.

El disco que os ofrecemos hoy tiene el gran valor histórico de ser el primer trabajo en solitario de Purim, "Butterfly Dreams", grabado en el año 1973.
8 temas en total que incluyen 5 composiciones con la intervención directa del bajista Stanley Clarke, el precioso "Dindi" del maestro Antonio Carlos Jobim, "Moon Dreams" de Egberto Gismonti y el "Love Reborn" de George Duke y Purim, que luego aparecería en el brillante "Brazillian Love Affair", editado por el teclista en el año 1979 y que también podéis encontrar en Música para Gatos.

Lo cierto es algunos de los temas del album parecen directamente extraídos de los dos primeros trabajos de Return to Forever, cosa absolutamente normal si tenemos en cuenta que una gran parte de los músicos que participaron en esta sesión salían directamente de aquellas grabaciones de los discos del grupo de Corea, como Moreira, Clarke o la propia Purim. Para complertar la nómina se añadieron algunos ilustres como el saxofonista Joe Henderson, el teclista George Duke o el guitarrista David Amaro.

Probablemente "Butterfly Dreams" no es el mejor trabajo de Purim pero creémos que es un disco consistente y que tuvo su influencia en un momento en el que el panorama musical estaba evolucionando a velocidad de vértigo.

Para acabar comentar que a poco nos nos esforcemos este es un trabajo que deja a las claras la enorme influencia que tuvieron Airto Moreira y Flora Purim en la formación de Return to Forever y, por extensión, en el nuevo jazz que nacía a principios de los años 70.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

Un regalito para acabar. Medley de Antonio Carlos Jobim interpretado por Flora Purim, Airto Moreira, Lee Ritenour, David Sanborn, Eliane Elias, Paulinho Braga, Oscar Castro Neves, Nana Vasconcelos y más. Garota de Ipanema, Aqua de Beber, Desafinado, Aguas de Março y algunas notas de Samba D'Una Nota So. Un merecido homenaje al maestro.

TRACKS

1-Dr. Jive (Pt. 1) Clarke
2-Butterfly Dreams Clarke, Potter
3-Dindi Jobim
4-Summer Night Dubin
5-Love Reborn Duke, Purim
6-Moon Dreams Gismonti
7-Dr. Jive, (Pt. 2) Clarke
8-Light as a Feather Clarke, Purim

CREDITS

Flora Purim Vocals
Airto Moreira Percussion, Drums
David Amaro Guitar (Acoustic), Guitar, Guitar (Electric)
Stanley Clarke Bass, Arranger, Bass (Electric), Bass (Acoustic)
George Duke Synthesizer, Piano, Piano (Electric), Clavinet
Joe Henderson Flute, Sax (Tenor)
Ernie Hood Zither
Vinícius de Moraes Lyricist

Jazzy

"Both Worlds" (1998) de Michel Petrucciani.

Michel Petrucciani fue un extraordinario pianista de jazz nacido el 28 de diciembre de 1962 en Orange, Francia.
Provenía de una familía italo-francesa con un gran bagaje musical. Su padre, Tony, tocaba la guitarra, su hermano Luis era bajista y su otro hermano, Philippe, era guitarrista también. Michel nació con osteogénesis imperfecta, una enfermedad genética que provoca una excesiva frágilidad en los huesos, cosa que fue determinante en su aspecto físico y su baja estatura, que alcanzaba apenas un metro. Fue un niño frágil, a menudo afectado por dolencias pulmonares que serían, a la postre, las que le costarían la vida.

Cuando era un niño, su padre y su hermano acostumbraban a llevárselo a los conciertos que hacían, más que nada por que no podían estar lejos de él dada su absoluta dependencia física. El pequeño Michel se limitaba a mirar, escuchar y aprender.

Pronto se convirtió en un entusiasta de Duke Ellington y su única ambición desde entonces fue ser pianista como su ídolo.
Aunque se formó en el ámbito de la música clásica, siempre se mostró principalmente interesado por el jazz, dando su primer concierto como profesional a los 13 años. En este punto de su vida, era todavía bastante frágil, y tuvo que ser llevado hasta el piano. Su tamaño era tan reducido que necesitaba ayudas para alcanzar los pedales, pero sus manos eran suficientemente grandes para hacer realidad su sueño. A los 15 años tuvo la oportunidad de tocar con Kenny Clarke y Clark Terry y a los 17 ya realizó su primera grabación. Fue en 1981, con 19 años de edad, cuando apareció en el mercado su primer trabajo como leader, "Date with Me".

"Tone Poem" con su amigo Charles Lloyd (tenor sax), Cecil McBee (bass)y Jack DeJohnette (drums). Precioso.


En 1982, se mudó a los EE.UU. donde conoció a un hombre que sería clave en su carrera, el saxofonista de jazz Charles Lloyd quién le ánimo y le ayudó, cautivado por su impresionante técnica. El día 22 de febrero de 1982 lo cambiaría todo. Esa noche se estaba rodando One Night with Blue Note, una película dedicada al jazz, dirigida por John Jopson, en la que aparecían algunas de las más importantes leyendas vivas que habían desfilado por el sello Blue Note. De repente subió al escenario Charles Lloyd con Petrucciani en brazos y lo sentó en una silla ubicada delante del piano. Fue uno de los puntos álgidos de la que sería una de las más grandes noches de la historia del jazz. Jopson confesaría después que la imagen de Lloyd con Michel le conmovió hasta las lágrimas. Imaginamos que el piano de Petrucciani acabó en pocos segundos con su llanto.

Su estilo, a medio camino entre el lirismo de Bill Evans y la precisión milimétrica de Keith Jarret y, por que no decirlo, su fragilidad, cautivaron de forma inmediata al público norteamericano y su carrera despegó iniciando una trayectoria frenética de grabaciones y conciertos (casi 25 discos entre originales y directos) que se truncaría de golpe el día 6 de enero de 1999. Michel Petrucciani moría en New York por las complicaciones que se generaron tras una infección pulmonar. Tenía sólo 36 años pero había dejado una profunda huella en el mundo del jazz que ya nadie podrá borrar, ni siquiera aquellos que tanto le criticaron cuando en sus dos últimas grabaciones decidió dar un pequeño giro hacía lo que ellos denominan "comercialidad".

"Beautiful Love" en un poco usual dúo con el guitarrista Jim Hall.


El 12 de febrero de 2009, diez años después de su muerte, el canal de música francesa Mezzo transmitió un evento especial para rendir homenaje a Petrucciani.

Como particular y humilde homenaje a este extraordinario pianista hemos decidido compartir hoy la que fue su última grabación original, "Both Worlds", editada en el año 1998. 9 temas originales de Petrucciani, quién esta acompañado por un grupo estelar de músicos entre los que se encuentran Steve Gadd, Anthony Jackson o Bob Brookmeyer.

Descanse en paz Michel Petrucciani.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-35 Seconds of Music and More
2-Brazilian Like
3-Training
4-Colors
5-Petite Louise
6-Chloé Meets Gershwin
7-Chimes
8-Guadeloupe
9-On Top of the Roof

CREDITS

Michel Petrucciani Piano Anthony Jackson Bass Steve Gadd Drums Flavio Boltro Trumpet Bob Brookmeyer Trombone, Arranger Stefano di Battista All Saxophones

Jazzy

"Reed Seed" (1978) de Grover Washington Jr.

Grover Washington Jr. nació en Buffalo (NY) el 12 de diciembre de 1943. Su madre era corista en una iglesia mientras que su padre era saxofonista y coleccionista de discos de jazz. La música en su casa estaba por todas partes y el pequeño Grover creció mientras escuchaba a maestros como Benny Goodman o Fletcher Henderson. Con ocho años comenzó a tocar un pequeño saxofón que le regalo su padre y eso le permitió empezar a conocer a la comunidad de músicos de su Buffalo natal. El propio Washington confesaba en una entrevista que le realizó la Enciclopedía de Pop, Rock & Soul, "Nuestra familia viene de un 'gheto' pero a pesar de eso y de la dura climatología en Buffalo se respiraba una impresionante atmósfera creativa".

Fue poco después cuando empezó a tocar en una banda de rhythm & blues. "Tocaba cada noche hasta las tres de la madrugada y a las ocho menos cuarto de la mañana comenzaba las clases de música en el conservatorio. Fue una étapa en la que aprendí mucho, pero resultó agotador". Al acabar sus estudios, Washington abandonó Buffalo y tocó por un corto período con un grupo llamado Four Clefs hasta incorporarse a la Armada Americana en 1965 justo en el momento en el que estallaba el conflicto con Vietnam. Fue allí donde conoció a otro de los pioneros de la fusión jazzística, el extraordinario batería Billy Cobham. Cuando Washington ya se había hecho a la idea de le enviarían al sudeste asiático ganó un premio tocando con la 19th Army Band y ese detallé permitió que fuera destinado a New Jersey donde se las arregló para seguir construyendo su carrera musical. En 1967, recién casado y acabado su compromiso con la patria Washington empezó a trabajar para un distribuidor de discos de Philadelphia a la par que ganaba reconocimiento por su habilidad con el saxo barítono.

Fue en 1971 cuando recibió la llamada del fundador de CTI Records, el productor Creed Taylor para una substitución de última hora. Creed tenía que cubrir la ausencia de Hank Crawford para una grabación. Washington impresionó tanto a Taylor que este decidió producir su primera trabajo, nada menos que el aclamado "Inner City Blues". El disco vendió cientos de miles de copias y contribuyó de forma esencial a la aparición de la nueva etiqueta fusion-jazz. Washington aún recuerda como trabajando en la distribuidora de discos tuvo que descargar cajas con centenares de copias de su primer trabajo.

El sofisticado sonido desarrollado por Grover a principios de los 70 y el éxito de sus tres siguientes trabajos "All the king's horses" (1972) , "Soul Box" (1973) y especialmente "Mister Magic"(1974) le convirtieron en una estrella, empezando entonces a compartir sesiones de trabajo con gente como Bob James, Randy Weston, Eric Gale o Dave Grusin.

En sus siguientes grabaciones Washington empezó a experimentar con instrumentos y sonidos que normalmente no están muy presentes en las grabaciones de jazz. De ese período es el disco que os ofrecemos hoy, el interesante "Reed Seed" editado en 1978.

"Reed Seed" fue el último trabajo que Grover Washingtong, Jr. grabó con Kudu / Motown. El saxofonista había estado experimentando con el funk, desde 1971 en su "Inner City Blues", perfeccionándolo más tarde con "Mister Magic" y "Feels So Good". Ya se encontraba preparando su desembarco en la radiofórmula, que comenzaría a estallar al año siguiente con su discreto "Skylarkin'" y que tendría su punto más álgido en 1980 con el superventas "Winelight". Pero "Reed Seed" es un excelente trabajo que incluye piezas tan interesantes como "Santa Cruzin" o "Do Dat", ambas compuestas por teclista John Blake, o la fantástica versión del bonito"Just the Way You Are" de Billy Joel. Además aporta la curiosidad de las interpretaciones de Blake con el violín eléctrico, un detalle que se volvió a repetir al año siguiente con otro buen trabajo, "Paradise" que, como "Reed Seed", se encuentra entre las grabaciones malditas de este excepcional músico injustamente vapuleado por los críticos de jazz más conservadores, que jamás aceptaron que Grover pretendiera simultanear sus grabaciones de jazz con otras dirigidas a audiencias mayores. Y es que al entorno del jazz siempre le ha resultado difícil aceptar los cambios, algo impropio en una música que tiene la principal virtud de transformarse y reinventarse de forma constante.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS
1-Do Dat Blake
2-Step N' Thru Steacker
3-Reed Seed (Trio Tune) Washington
4-Maracas Beach Simmonds
5-Santa Cruzin Blake, Simmons,Brown, Gibbs
6-Just the Way You Are Joel
7-Loran's Dance Washington

CREDITS

Grover Washington, Jr. All Saxes and Flute, Producer John Blake Synths, Violin, Keyboards, Vocals Tyrone Brown Bass Millard Vinson Drums Leonard "Doc" Gibbs Percusión, Vocals James 'Sid' Simmons Piano, Piano (Electric), Clavinet Richard Lee Steacker Electric Guitar, Vocals Lita Boggs, Rita Boggs, Jeanine Otis John Blake Jr. Vocals

Jazzy

Caleidoscopio: "Chega De Saudade" (1957) de Antonio Carlos Jobim.

Aún a riesgo de que sufrais un empacho de bossa nova hemos decidido que valía la pena dedicar un nuevo Caleidoscopio a uno de los temas más importantes e influyentes del pasado siglo XX, nada menos que "Chega De Saudade" originalmente compuesta por Antonio Carlos Jobim alrededor de 1957, modificada por la batida de guitarra inventada por Joao Gilberto y con letra del poeta Vinicius De Moraes.

Podéis leer la letra a continuación para poneros en situación. Comentar que la mujer de Vinicius siempre consideró ridículo, facilón y de escaso nivel poético eso de rimar "pececitos" con "besitos". Probablemente tenía razón pero Vinicius siempre la defendió alegando que había sido la letra que más le había costado escribir. Además, se ajusta a la perfección a aquella famosa frase del poeta cuando alguien le preguntoó que como definiría a la bossanova y De Moraes se limitó a responder, "la bossa nova es un poquito de alegría y un poquito de tristeza". Posiblemente la bossa nova sea "saudade" de Brasil elevada a tal exponente que la pueden sentir aquellos que ni siquiera han pisado el territorio brasileño.



A finales de los 50s Antonio Carlos Jobim ya era director artístico de Odeon, la discográfica brasileña por excelencia, además de colaborador habitual de Vinicius al que había conocido durante la composición de la Sinfonia de Rio de Janeiro. Joao Gilberto llevaba años desaparecido de Rio ya que la música que le obsesionaba no conseguía servirle de sustento. Tras un largo viaje a ninguna parte decidió volver a Rio donde había sido profesional años atrás. Pero Joao era una persona poco responsable y algo inestable y no había dejado demasiada huella anque si había coincidido con Jobim en los conciertos que se ofrecían en el Hotel Plaza años atras. Gilberto disponía de dos temas que iba repitiendo ante todo aquel que le quisiera escuchar y que incorporaban esa batida tan característica de la bossa nova pero que aún resultaba difícil de entender para la gente, más habituada a la samba-cançao y a la música procedente de los Estados Unidos. Hay que añadir que la guitarra, en esos años, no era un instrumento habitual en las grabaciones de jazz y que los jovenes brasileños tenían la costumbre de aprender el acordeón. Así comenzaron nombres luego tan importantes como Joao Donato o Eumir Deodato por sólo citar un par.

Un buen día Joao, que como siempre estaba pasando una mala racha económica decidió presentarse en casa de Tom Jobim y guitarra en mano interpretarle de tirón aquellas dos composiciones, Bim Bom y Hô-bá-lá-lá. Tom no pareció prestar gran atención a los temas en si, pero se mostró estufacto por dos razones. La primera de ellas es que Jobim no conocía la habilidad de Joaozinho como guitarrista sino que le consideraba un buen cantante que había oído en alguna ocasión no recordaba bien con quién. La segunda y fundamental fue aquella extraña batida de guitarra. Rapidamente pensó en un tema que había compuesto tiempo atrás y que conservaba guardado en un cajón. Ese tema era Chega De Saudade.



La primera vez que se grabó fue en el año 1958, en un disco de la vocalista Elisete Cardoso titulado "Cançao de Amor Demais". El trabajo incluía dos cortes, Chega de Saudade y Outra Vez que incorporaban la batida de guitarra característica interpretada por Joao Gilberto, quien también habría querido poner la voz aunque al final la discográfica decidió escoger a Elisete que era una cantante de éxito en Brasil antes que optar por la opción de un entonces perfecto desconocido como él. Parece ser que Gilberto incluso intentó dar indicaciones a Cardoso sobre cual era la mejor manera de abordar el tema pero lo cierto es que la cantante debió pensar que quién diablos era ese tipo extraño que pretendía enseñarle a ella, que era una profesional reconocida. Y al parecer Elisete debió hacer exactamente lo contrario de lo que le indicó Joao ya que su interpretación es, digamos, muy poco adecuada. Para ser rigurosos debemos decir que Outra Vez, se acercaba bastante más al concepto actual de la bossa nova de lo que en esa grabación lo hacía Chega De Saudade.



El disco salió al mercado y pasó bastante desapercibido. Pero Joao no paró hasta que consiguió que Jobim le produjera uno con su nombre y que incluyera Chega de Saudade como tema principal. Lo consiguió al año siguiente. La versión que suena en el reproductor que viene a continuación no es la original de Gilberto del año 1959 (que hemos incluído en el fichero adjunto), sino una interpretación en directo realizada años después pero que mantiene intacto la voz y el espíritu de su primera incursión en el tema.



Chega De Saudade, con Gilberto, sonaba mucho mejor y poco a poco, primero en Sao Paulo y más tarde en Rio, se convirtió en un éxito que consagró a Joao, Tom y Vinicius, además de iniciar uno de los movimientos musicales más importantes del la historia reciente.

A partir de entonces el tema ha sido interpretado hasta la saciedad por la gran mayoría de músicos brasileños y por algunos de los más grandes maestros del jazz. La fiebre de la bossa nova se extendió como la pólvora en todo el mundo y actualmente me resulta difícil dar un nombre de músico de jazz que no haya usado alguno de sus poderosos ingredientes en sus trabajos. Primero fueron Paul Winter, Stan Getz, Herbie Mann, Sarah Vaugham, Ella Fitzerald, Frank Sinatra o Cannonball Adderley y luego George Duke, Al Jarreau, George Benson , Paquito D'Rivera, Chick Corea, Hendrik Meurkens, Earth Wind & Fire,.. la lista sería realmente interminable.

Os hemos preparado dos reproductores en los que podréis escuchar las versiones realizadas a partir de 1959 y que tanto ayudaron a consagrar un tema que por su importancia debería estar presente en la discografía de cualquier amante de la buena música en general.
Esperamos que os guste. En el apartado de comentarios encontraréis un link a un fichero que contiene la versión de Cardoso de 1958 y la de Gilberto de 1959, además de las de Antonio Carlos Jobim, Eliane Elias, Toninho Horta, Paquito D'Rivera y Joe Henderson.

Reproductor: El Jazz y "Chega de Saudade".



Reproductor: "Chega de Saudade" en Brasil.




Jazzy

"Light As A Feather" (1972) de Return to Forever.

Return to Forever fue un a banda de jazz fusión fundada y liderada por el pianista y teclista Chick Corea. Junto con Weather Report y Mahavishnu Orchestra, Return to Forever es a menudo citado como uno de los grupos fundamentales del movimiento jazz-fusión en la década de los 70s. Muchos importantes músicos pasaron por la banda. Gente como Stanley Clarke, Flora Purim, Airto Moreira o Al Di Meola se dieron a conocer por primera vez a través de los álbumes y conciertos de Return to Forever.

Después de tocar con Miles Davis en álbumes como In a Silent Way o Bitches Brew, Corea forma , a principios de los 70s, un banda de jazz de vanguardia llamada "Circle" junto con Dave Holland, Anthony Braxton y Barry Altschul. Sin embargo, en 1972, tras convertirse en discípulo de la Iglesia de la Cienciología, Corea decide que el tipo de música de Circle es demasiado minoritario y, con la ambición de trasladar sus ideales a un grupo más amplio de gente decide crear una banda "algo más popular". Así nace la primera formación de Return to Forever compuesta , además de Corea, por la vocalista brasileña Flora Purim, el marido de esta y excepcional bateria y percusionista Airto Moreira, el saxofonista y flautista Joe Farrell y un joven y prometedor bajista que atendía al nombre de Stanley Clarke. Corea componía la gran mayoría de los temas y las letras, que a menudo contenían temas relativos a la Cienciología, eran obra de Neville Potter, amigo personal de Corea. Flora Purim se encargaba de darle un cierto aire comercial mientras que Farrell, Clarke y Moreira disfrutaban de lo lindo con la libertad creativa que les ofrecía esa nueva música que estaba naciendo. De esta forma grabaron sus dos primeros trabajos, ambos de 1972. El primero de ellos fue el autodenominado "Return to Forever" (1972) que ya contenía algunos temas que serán clásicos de Corea como Crystal Silence o Sometime Ago-La Fiesta. Pero ese no fue el primer trabajo de Return to Forever que apareció en el mercado ya que "Light As A Feather" (grabado algo después) fue editado unos meses antes. Lo cierto es que este es un disco muy interesante, en el cual podemos apreciar las habilidades de un grupo de creativos músicos en estado de gracia.

"Hymn of the Seventh Galaxy". Imágenes del Festival de Jazz Montreux del pasado 2008.


Después del segundo álbum, Farrell, Purim y Moreira dejan el grupo para formar su propia banda, y se unen el guitarrista Bill Connors, el bateria Steve Gadd y el percusionista Mingo Lewis con la intención de grabar su tercer larga duración que se llamaría "Hymn of the Seventh Galaxy". Parece ser que Gadd nunca estuvo dispuesto a abandonar su trabajo como músico de estudio en beneficio de las giras del grupo de Corea y él y Lewis fueron substituídos por Lenny White, que había tocado con Corea en la banda de Miles Davis. El resultado aparece en el mercado en 1973 y es, según la crítica, uno de los grandes trabajos del jazz fusion de los 70s. Curiosamente el album también fue grabado con Gadd y Lewis pero al salir estos de la banda el proceso se repitió con White y nunca se supo nada más de la grabación inicial que permanece en el olvido. En esta tercera grabación la banda abandonó sus influencias latinas y brasileñas que aportaban Airto y Purim para centrarse en el nuevo fenómeno conocido como jazz-rock, siendo mucho más cercanos a la Mahavishnu Orchestra o Weather Report, grupos que en ese momento se encontraban en su máximo apogeo. Lo cierto es que la apuesta les salió bien desde el punto de vista comercial ya que este fue, hasta la fecha, el trabajo más vendido de Return to Forever.

Su siguiente álbum, también en la linea del jazz rock, "Where Have I Known You Before" (1974) siguió la linea de su predecesor. El estilo de Clarke ya era más maduro y centrado en el bajo eléctrico en detrimento del acústico. Después de este trabajo Bill Connors decidió abandonar la banda para iniciar una carrera en solitario y fue reemplazado primero por Earl Klugh y después por el prometedor Al Di Meola, que en esos momentos era un joven de 19 años pero que ya había participado en la grabación del disco, convenciendo a Corea con su virtuosismo.

Su siguiente álbum, "No Mystery" (1975), fue grabado con la misma formación que su predecesor, pero el estilo de su música había vuelto a cambiar, incluyendo algo de funk y un corte con una fuerte influencia de la música clásica española. Para este trabajo todos los miembros de Return to Forever contribuyeron al menos con una composición consiguiendo de esta forma un disco difícil de clasificar. El resultado fue un nuevo éxito además de hacerse acreedores de un Grammy a la mejor grabación de jazz.

Corea, Di Meola, Clarke y White interpretando "The Romantic Warrior".


El último trabajo de Return to Forever con esa formación de músicos sería Romantic Warrior editado en el año 1976. El álbum se convirtió, como de costumbre, en el más vendido de todos los álbumes de la banda de Corea, llegando a alcanzar un disco de oro. En él continuaron con su experimentación pero a Corea le pareció que la formula estaba comenzando a dar signos de agotamiento y a pesar de que fue tentado con un contrato con CBS por valor de varios millones de dolares decidió cambiar el grupo una vez más y precindir, para sorpresa de todos, de Lenny White y Al Di Meola.

La última encarnación de Return to Forever, "Musicmagic" (1977), incluía de nuevo una voz femenina, concretamente la de la esposa de Corea, Gayle Moran, quién además tocaba teclados; una poderosa sección de vientos formada por el reincorporado Joe Farrell, Jim Pugh, John Thomas y James Tinsley, además de Gerry Brown a la bateria, Clarke al bajo y el propio Corea. Pero algo había cambiado y Corea decidió abandonar la criatura que había creado pocos años atrás. Los motivos que se esgrimen para ello son variados pero parece ser que el más importante fue que Chick Corea no aceptó que Clarke decidiera salir de la Iglesia de la Cienciología, a la que había ingresado al entrar en la banda por influencia directa del pianista. Años después, Al Di Meola fue preguntado sobre las complicaciones que se estaban produciendo para conseguir la reunificación temporal de Return to Forever con Corea, Clarke, Di Meola y Lenny White. Di Meola dijo; "creo que tenemos un problema con la Iglesia de la Cienciología, desde que Stanley se decidió a abandonarla. Parece que eso no le ha sentado muy bien a Chick".

Corea, Di Meola, Clarke y White interpretando "The Magician".

Todo y así, en 1983 regresaron por un breve periodo a los escenarios, pero no grabaron ningún álbum.
15 años después, en el 2008, The Return to Forever de Corea, Clarke, White y Di Meola se reunieron para una gira internacional que comenzó en EEUU y que siguió por Europa durante el año 2009 cosa que aprovecharon para re-editar una remasterización de cuatro de sus trabajos: "Hymn of the Seventh Galaxy", "Where Have I Known You Before", "No Mystery" y "Romantic Warrior". Desgraciadamente olvidaron las dos primeras y es por ello que nos hemos decidido a compartir con vosotros una de ellas, concretamente "Ligh As A Feather" de 1972, que contiene uno de los temas más emblemáticos de Chick Corea, "Spain".

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-You're Everything Corea
2-Light as a Feather Corea
3-Captain Marvel Corea
4-500 Miles High Corea
5-Children's Song Corea
6-Spain Corea, Rodrigo


CREDITS

Chick Corea keyboards Flora Purim vocals Joe Farrell saxophone Stanley Clarke bass Airto Moreira drums,percussion

Discografía de Return to Forever;

Return to Forever (1972)
Light as a Feather (1972)
Hymn of the Seventh Galaxy (1973)
Where Have I Known You Before (1974)
No Mystery (1975)
Romantic Warrior (1976)
Musicmagic (1977)



Jazzy

"Havana Nocturna" (1999) de Hilario Durán.

Hilario Durán (Hilario Luis Durán Torres) nace en La Habana, Cuba en el año 1953. Al igual que otros músicos cubanos, nace en el seno de una familia musical y crece rodeado de una inmensa variedad de influencias. La abuela de Hilario tocaba la guitarra, su madre realizó estudios de piano y su padre, el señor Hilario Durán, tocaba guitarra y fue cantante en sus años mozos. La casa de los Durán contaba con una vasta colección de todo tipo de música que incluía clásica, jazz y música popular. Cuando tenía solo 8 años, comenzó a tocar el piano de oído, sentándose por largas horas como si este fuera un juguete.

A finales de los años sesenta, Omara Portuondo se trasladó a vivir cerca de la casa de Hilario Durán y un día al pasar y escucharlo en su habitual práctica de piano, se detuvo y días mas tarde, visitó su casa para regalarle la que fuera la primera copia de la partitura del tema “Debí Llorar” compuesta por Giraldo Piloto y Alberto Vera. Hilario estaba obsesionado con el piano e inmerso totalmente en el trabajo de artistas como Errol Garner, Roy Eldridge, Harry James, Jachaturian, Tchaikovsky, Gershwin, Ernesto Lecuona, Bola de Nieve, Vicentico Valdés, Adolfo Guzmán y Frank Emilio Flynn, escuchando, aprendiendo, imitando y tratando de reproducir toda la música que le gustaba. Es en esta etapa cuando comienza a recibir junto a su hermana, clases privadas de piano con diferentes profesores, entre ellos, Caridad Mezquida, la tía del gran guitarrista cubano Leo Brower.

En 1968, comenzó sus estudios de música en el Conservatorio Amadeo Roldan y por las tardes continuaba sus clases con la profesora Andrea Mesa. Al año siguiente es aceptado en el Conservatorio a tiempo completo teniendo como profesor al siempre recordado Oscar Lorié. Durante este período se convirtió en un adicto del jazz escuchando discos de Stan Kenton, Dizzy Gillespie, Charles Lloyd, Keith Jarrett, Chucho Valdés y escuchando también discos de Europa del Este, artistas de Rusia, Checoslovaquia, Alemania y Polonia. En este tiempo era muy difícil encontrar en Cuba discos de jazz americano, por lo que Hilario se reunía con sus amigos más cercanos a escuchar toda esta música por la onda corta de radio.

En 1970 comenzó su Servicio Militar Obligatorio tocando clarinete en la Banda del Estado Mayor del Ejército. Esto le dio la oportunidad de trabajar con músicos como Jorge Reyes, Elpidio Chapotin, Carlos del Puerto e Ignacio Berroa entre otros. En el año 1973, comienza a trabajar como músico profesional con “Los Papa Cun‐Cun” sustituyendo al gran pianista Freddy González de la Maza.

A mediados de los años setenta, su carrera toma una nueva e importante dirección cuando Chucho Valdés decide formar su legendario grupo Irakere y le llama para que lo reemplace en la Orquesta Cubana de Música Moderna. A partir de este momento dirigido por German Piferrer, comienza a descubrir nuevos territorios en la música, introduciéndole en el intrincado mundo de las orquestas de Big Band. Con la Orquesta Cubana de Música Moderna, Hilario aprendió y trabajó con grandes músicos entre ellos Guillermo Barreto, El Chino Lam, Braulio Hernández, Adalberto Lara “Trompetica” y el Güajiro Mirabal, entre otros. Esta orquesta le brindó la oportunidad de viajar y trabajar en festivales y eventos en Europa del Este y en toda Cuba.
La Orquesta Cubana de Música Moderna le proporcionó también la oportunidad de aprender orquestación, al trabajar con las partituras y arreglos musicales de músicos de la talla de Rafael Somavilla, Armando Romeo y German Piferrer, entre otros.Formó también parte de la Orquesta “Todos Estrellas” acompañando a Oscar D’Leon, en el Festival de Varadero. Trabajó en los Estudios de grabaciones de la EGREM, inicialmente como pianista y más tarde como arreglista, compositor y director con artistas como Omara Portuondo, Miriam Ramos, Amaury Pérez, Donato Poveda, Silvio Rodríguez y Beatriz Márquez, solo por mencionar algunos.

En el año 1981, Arturo Sandoval crea su banda e invita a Hilario para formar parte de esta como pianista, arreglista y además compartir la dirección musical de la misma, brindándole la posibilidad de continuar desarrollandose y a su vez trabajar en diversos festivales alrededor del mundo. Junto a Arturo Sandoval, Durán compartió escenarios con Dizzy Gillespie y poco después haría lo propio con Michel Legrand.

En 1987, Hilario Durán realiza, aún con Sandoval, su primer viaje a Canadá presentándose en el Teatro Spectrum como parte del Festival Internacional de Jazz de Montreal.

En el año 1990, para sorpresa de todos, Arturo Sandoval se establece en Estados Unidos. En ese momento Durán decide continuar un nuevo trabajo musical junto a los integrantes de la banda que quedaron en Cuba. Con este grupo, llamado Perspectiva realiza presentaciones en Europa y América del Sur. Con Perspectiva, Durán grabó dos importantes discos en los estudios EGREM, titulados “Tiembla Tierra” y “Buscando Cuerdas”. En esta etapa Hilario Durán también realiza trabajos de colaboración con Chucho Valdes, quien le solicita para trabajar en arreglos musicales para el renombrado Irakere.

El año 1990 marca para Hilario una década de grandes cambios en su vida. El gran baterista Guillermo Barreto, con quien tuvo la oportunidad de trabajar durante varios años en la Orquesta Cubana de Música Moderna, le presenta a la afamada flautista y saxofonista Jane Bunnett quién le invita a participar en su siguiente trabajo, “Spirits of Havana” junto a Gonzalo Rubalcaba, Frank Emilio Flynn, Yoruba Andabo y la cantante Merceditas Valdes obteniendo un premio Juno. En el año 1994, Durán es nuevamente invitado a Toronto por Bunnett con el fin de realizar la grabación del extraordinario disco “Rendezvous Brasil Cuba” con Carlitos del Puerto Jr. y junto a los conocidos hermanos del Brasil , Filó y Celso Machado.

Con Jane Bunnett y Frank Emilio en una extraordinaria interpretación que se produjo en 1997 en el marco del Montreal International Jazz Festival.




Hilario continúa trabajando junto a Jane Bunnett y Spirits of Havana como pianista, arreglista y director musical realizando presentaciones en diferentes festivales en Norte América y Europa por alrededor de tres años. Poco después Jane Bunnett y su esposo, el trompetista Larry Cramer, producen para Hilario Durán tres discos con la firma discográfica Justin Time, a saber: “Francisco’s Song” (1996), “Killer Tumbao” (1997) y “Habana Nocturna” (1999), el trabajo que hemos decidido compartir hoy.


Contando con invitados como Jane Bunnett, Horacio “El Negro” Hernández y Roberto Occhipinti, "Habana Nocturna" es un disco extraordinario en el cual quedan patentes todas las habilidades de Hilario Durán y del extraordinario grupo de músicos que le acompañan. Una colección de 6 temas clásicos como U.M.M.G. de Billy Strayhorn, Drume Negrita de Ernesto Granet o Harlem Nocturne, además de 3 composiciones de originales de Durán; "Esto Si Tiene Que Ver", "Moonface (Havana Nocturna)" y "Lada 78" dedicada a un coche de la marca rusa que heredó de Arturo Sandoval, presumiblemente cuando este abandonó Cuba.

Desde entonces ha editado 3 trabajos más, "New Danzón" (2004), "Encuentro en La Habana" (2005) y "From the Heart" (2006), este último dedicado a los grandes maestros cubanos que le han influenciado durante su ya dilatada carrera, como Rafael Somavilla, Adolfo Guzmán, German Piferrer o Ernesto Lekuona. "From the Heart" obtuvo un premio Juno y fue nominado a los Grammy como mejor grabación de jazz.

"New Danzon", el tema que da título a su trabajo de 2004.


Actualmente Hilario Durán es un reconocido pianista establecido en Toronto junto a su mujer y su hija Yailen que también es pianista, compositora y cantante.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1. U.M.M.G. - Upper Manhattan Medical Group Strayhorn
2. Autumn Nocturne Gannon/Myrow
3. Drume Negrita Grenet
4. Harlem Nocturne Hagan/Rogers
5. Esto Sí Tiene Que Ver (You Must See This) Durán
6. Moonface (Habana Nocturna) Durán
7. Lada 78 Durán
8. Song For Argentina Bunnett
9. Like Someone I Love Burke

CREDITS

Hilario Durán piano Jane Bunnett flute and soprano saxophone Marie Bérard violin Larry Cramer trumpet Steve Dann viola David Heatherington cello Horacio "El Negro" Hernández drums Hugh Marsh violin Roberto Occhipinti acoustic bass Rodolfo Valdés Terry congas

Jazzy