Tal y como nos narra el propioPaquito D'Rivera en su autobiografía "Mi vida saxual" publicada por Seix Barral, tras pedir asilo político en la embajada americana de Madrid y pasar una temporada en la capital de España, D'Rivera se trasladó a New York el día 24 de octubre de 1980. Aún no había pasado un año cuando consiguió grabar su primer disco como lider. El trabajo en cuestión se llamó "Blowin' " y contiene algunos temas inolvidables como la impresionante versión a dúo del clásico "El día que me quieras", nada más y nada menos que con el genial pianista argentino Jorge Dalto, "Basstronaut", "Song to My Son", "Al Fin Amor" o la extenuante y latinísima "On Green Dolphin Street". Pero hoy hemos decidido resaltar una preciosa pieza llamada "Monga".
"Monga" es, para nosotros los gatos, una de las primeras grandes composiciones del maestro cubano. Una irresistible mezcla de jazz, bossanova y bolero que Paquito dedicó a su primera mujer poco después de haberse visto obligado a dejarla en la isla junto a su hijo Franco. El tema debería estar revestido de tragedia pero si algo consiguen los genios es transformar en arte el dolor. Y si de algo no nos cabe duda es que Paquito D'Rivera es uno de los grandes.
Esperamos que os guste.
Encontraréis link en comentarios.
Ficha Técnica
Nombre: Monga Compuesta por: Paquito D'Rivera Incluída en el disco: Paquito Blowin' Editado en el año: 1981 Credits: Paquito D'Rivera (sax), Jorge Dalto (Fender Piano), Rusell Blake (Fender Bass), Ignacio Berroa (drums, percusion), Daniel Ponce (bongos), Mario Rivera (Flute), Jerry González (percusión)
Leandro 'Gato' Barbieri es, probablemente, el segundo artista de jazz argentino más conocido, únicamente superado por Lalo Schifrin. Su historia se ha escrito como un va y viene constante entre su tierra, Argentina, y su patria adoptiva, E.E.U.U.. Su carrera ha sufrido algo parecido ya que comenzó tocando ritmos latinos tradicionales, pero pronto descubrió el jazz y durante los años 60 se interesó por su faceta más vanguardista grabando algunos trabajos como su "Obsession" de 1967 en la linea más free. A principios de los 70, predominó en su música la fusion del jazz y la música latina. Pero a mediados de esa misma década firmó com A&M Records, la discográfica de Herb Alpert, y su música dió un nuevo giro orientándose hacia el smooth jazz e incluso algo de pop. Pero lo cierto es que la calidad y el sonido cálido y absolutamente inconfundible de este extraordinario saxofonista ha dejado una fuerte huella y su influencia en las nuevas generaciones no ha parado de crecer en los últimos años.
Barbieri nació en la provincia argentina de Rosario un 28 de noviembre de 1932. Aunque en su familia hubieron bastantes músicos, no se interesó por ningún instrumento hasta los 12 años, momento en el que escuchó por primera vez "Now's the Time" de Charlie Parker. El tema le impresionó tanto que inmediatamente decidió aprender a tocar el clarinete.
En 1947 su familia se traslada a Buenos Aires donde sigue con sus estudios de música y poco después comienza a tocar el saxo alto y se une a la banda del gran Lalo Schifrin . Fué esta experiencia la que le permitiría alcanzar el nivel necesario para dar el salto y montar su propia banda ya a finales de los años 50.
En 1962 se traslada a vivir a Roma con su mujer, italiana de nacimiento. Al año siguiente se va a Paris, donde conoce a Don Cherry y muy pronto se incorpora a su banda. Son los años más salvajes de Barbieri, cosa que se puede constatar tan sólo con la audición de su sólo en el tema "Hotel Oberture" incluído en "Escalator Over the Hill" (1971) , grabación de otra artista inclasificable, la pianista californiana Carla Bley.
Pero la música de Barbieri estaba a punto de dar un giro importante ya que fué en ese momento cuando abandono el jazz más vanguardista para centrarse en el latin jazz más experimental. En ese periodo encontramos grabaciones como su directo El Pampero o los cuatro discos a modo de capítulos dedicados a Latinoamérica, a saber, "Chapter One: Latin America" (1973), "Chapter Two: Hasta Siempre" (1973) , "Chapter Three: Viva Emiliano Zapata" (1974) y "Chapter Four: Alive in New York" (1975). Sin embargo fue la sensual banda sonora original de la controvertida película de Bernardo Bertolucci "Last Tango in Paris" (1972) lo que le daría un reconocimiento internacional convirtiéndolo en una auténtica estrella y permitiéndole actuar en festivales de jazz como Montreux, Newport o Bologna.
En 1976 la música de Gato Barbieri experimentaría un nuevo cambio coincidiendo con la publicación de "Caliente". El disco, producido por Herb Alpert para su discográfica A&M, incluye un elenco de lujo con músicos de la talla de Randy Brecker, Eric Gale, Harry Lookofsky, Ralph McDonald, Lenny White o David Spinozza. "Caliente" contiene una conocidísima versión de uno de los grandes éxitos del guitarrista mejicano Carlos Santana, "Europa", que podéis ver a continuación. Acompañando a Barbieri y Santana podemos reconocer al extraordinario bateria canadiense Graham Lear, quién acababa de participar en las grandes primeras grabaciones de Gino Vannelli antes de incorporarse a la banda de Carlos Santana en el año 1977.
A partir de ahí Barbieri se dedicó a los ritmos más comerciales con algunos trabajos que no se encuentran entre los mejor del artista pero que aquí no vamos a criticar. Muy pocos en la historia del jazz han llevado a esta música a niveles de riesgo y experimentación tan altos y prueba de ello es aquella serie de trabajos que con el nombre de "Latinoamérica"dedicara a su amada tierra al inicio de los 70s. El primero de ellos, "Chapter One: Latin América" es el que hemos decidido compartir hoy con todos vosotros. Será el primero de cuatro post dedicados a esta serie de grabaciones de Barbieri que vamos a ir publicando de forma sucesiva con la sana intención de rescatarlos de esa cosa tan desagradable que se llama "out of print" y que las condena de forma obligatoria al olvido.
"Latinoamérica" y "I Want You" (está última contenida en "Caliente") interpretadas por la banda de Barbieri en Montreaux en el año 1984.
En "Chapter One" la característica voz del saxofonista y la música nos van narrando un presunto viaje por la América Latina en el cual Barbieri va recogiendo a músicos de todas las tierras por las que va pasando. De esta forma nos pretende explicar la impresionante variedad de la música y del folklore latino. Con un tono claramente didáctico, Gato incluso se permite mostrarnos uno por uno como suenan los instrumentos que va introduciendo para que nos familiaricemos con su nombres. Al final del disco, Barbieri"llega a Rio de Janeiro" y nos presenta su siguiente trabajo, "Chapter Two" del que nos encargaremos más adelante.
A vecés adorable, otras dificil de digerir pero siempre muy excitante, "Chapter One: Latin America" es un trabajo que se encuentra siempre al límite, utilizando elementos del free jazz que Gato había practicado pocos años atrás y fundiéndolos con ritmos brasileños, argentinos, bolivianos o peruanos, consiguiendo como resultado un larga duración que nos parece unos de los grandes discos de fusion de todos los tiempos además de una obra de obligada audición, especialmente para los amantes de la música latina y del jazz que dispongan de un par de buenos oidos sin complejos, como dirían nuestros amigos de La Quinta Disminuída.
Esperamos que os guste aunque en este caso no os culparemos si no fuera así. Este es un trabajo realmente complejo que se ha de observar a vista de pájaro y ubicar en el momento histórico del cual forma parte. Creo que sólo de esta forma se puede llegar a extraer conclusiones razonables. Esperamos vuestros comentarios en el mismo lugar donde encontraréis el enlace.
TRACKS (Todos compuestos por Gato Barbieri)
1-Encuentros 2-India 3-La China Leoncia Arreo La Correntinada Trajo Entre La Muchachada La Flor De La Juventud 4-Nunca Mas 5-To Be Continued
Nacido en Nueva York, Bill O'Connell estudió música clásica en el Oberlin Conservatory of Music. Muy joven comenzó a tocar en orquestas de latin jazz cosa que marcaría de forma decisiva su delicado toque pianistico. En 1977, se une a la banda de Mongo Santamaría, con quien pasa alrededor de 2 años tocando y componiendo. Poco más tarde comienza a colaborar con algunos de los grandes nombres del jazz como Chet Baker y la leyenda Sonny Rollins, con quien recorre los Estados Unidos y Europa. En 1982, se une al flautista de jazz latinoDave Valentin. Rapidamente se hacen amigos y comienzan una relación que perdurará hasta la actualidad. Con Valentin, O'Connell hara diversas giras internacionales siempre con resultados exitosos.
O'Connell es un compositor con mucho talento.Intimista, original, intensamente melódico y lleno de pasión, en su haber podemos encontrar temas que han formado parte de grabaciones de artistas del nivel de Mongo Santamaría, Emily Remler, Charles Fambrough, o el citado Dave Valentín, que ha incluído alguna composición del pianista en todas sus grabaciones. De hecho O'Connell es el responsable de una de las canciones más solicitadas del repertorio de Valentín, "Oasis", grabada por la GRP Allstars.
Con los años, O'Connell ha demostrado su versatilidad con muchos otros artistas de jazz como Gato Barbieri, la Fort Apache Band de Jerry González, además de con los cantantes Jon Lucien, Kenny Rankin y Astrud Gilberto. Sus seis grabaciones en solitario, “Searching” con la discográfica Inner City, “Love for Sale” con Pony Canyon, “Signature, featuring Bill O’Connell” con Blue Moon, “Lost Voices” con CTI y “Black Sand” (2001) y “Latin Jazz Fantasy” (2004) con Random Chance han recibido excelentes críticas en todo el mundo, aunque hay que decir que el reconocimiento por parte del público es realmente escaso. Creemos que es una injusticia y nos hemos propuesto poner remedio. Es por ello que hoy hemos decidido compartir unos de sus primeros trabajos en solitario, el muy interesante Lost Voices, su único disco con CTI, grabado en el año 1993.
Imágenes de la banda de Gato Barbieri en el Festival de Montreux del año 1984 con O'Connell en su formación. Impresionante !. Interpretan "Fiesta", incluída en "Caliente" del año 1976.
"Lost Voices" es un excelente trabajo en el cual Bill O'Connell hace un recorrido por la música que realmente le interesa. Desde los ritmos afrocubanos hasta el calypso, pasando por la samba, la bossa nova y el pop, aquí ejemplificado con una extraordinaria versión de "Good Enough", un tema del repertorio de una de las artistas más valiosas del género, la gran vocalista Anita Baker. La otra versión que contiene Lost Voices es la de un conocido tema de Jobim, Chega de Saudade, que los habituales de este tejado conocen bien y que nos permite evaluar el profundo conocimiento que tiene el pianista sobre los ritmos procedentes de Brasil.
A parte del precioso y sugerente sonido de su piano, lleno de notas agudas que encajan a la perfección con el espíritu de la grabación, O'Connell nos obsequia con 6 composiciones originales entre las que nos apetece destacar el tema que da nombre al trabajo "Lost Voices", las impresionantes "Sand Stones" y "Costa Verde" donde nos deja real medida de su habilidad técnica y la delicada "Sophie Rose", una preciosa balada a ritmo de bossa dedicada a su hija. Cierra el disco una jazzera aportación de su amigo y colaborador habitual, el bajista Charles Fambrough, como no, presente en la sesión.
Con sinceridad os decimos que a veces nos cuesta mucho entender el modo de funcionamiento de las discográficas y el porqué en algunos casos deciden lanzar al estrellato a músicos mediocres y en otros esconder en un cajón a brillantes instrumentistas y compositores. A lo mejor el problema es que creen escasa la formación musical del potencial público. Pero eso no nos preocupa aquí. Lo único que pretendemos es dejar constancia de que O'Connell tiene varios extraordinarios trabajos y el que os presentamos hoy es uno de los mejores.
Bill O'Connell, desde su último trabajo Triple Play, junto a Valentin y Flores.
Su último proyecto se llama Triple Play fue grabado el día 9 de julio de 2007 y editado al año siguiente. En él comparte créditos con sus amigos Dave Valentin y Richie Flores.
Esperamos que os guste.
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TRACKS
1-Lost Voices O'Connell 2-Yellowtail O'Connell 3-Good Enough Baker 4-Chega de Saudade (No More Blues) Jobim 5-Costa Verde O'Connell 6-Sidestep O'Connell 7-Sand Stones O'Connell 8-Sophie Rose O'Connell 9-In Time Fambrough
CREDITS
Bill O'Connell Piano, Synthesizer Ricky Sebastian Drums Charles Fambrough Bass Milton Cardona Percussion Jay Rowe Piano, Synthesizer Bashiri Johnson Percussion Creed Taylor Producer
Filó Machado empezó tocando temas compuestos por gente como Djavan, Aldir Blanc, Sérgio Natureza, Taiguara Judith de Souza, Sergio Ricardo y Fátima Güedes , cosa que más tarde le dió la oportunidad de presentarse en los Festivales de Jazz de Córcega y Uzeste en Francia, y a hacer de telonero de Nina Simone en el Festival de Jazz de Cannes. En 1995 participa como músico y compositor en el magnífico album de la flautista y saxofonista canadiense Jane Bunnett, junto a músicos de la talla de la propia Bunnett, Larry Cramer, Paquito d'Rivera, Hilario Duran o de su hermano Celso Machado. De los 10 temas que componen el trabajo, 5 están firmados por Filó Machado.
Pero fue en el año 2000 cuando los norteamericanos descubrieron su música coincidiendo con el lanzamiento de su trabajo “Cantando un Samba” (1999) grabado por la discográfica de Ohio, Malandro Records. El disco obtuvo unánimes elogios por parte de la crítica especializada de Jazz y de Word Music, en prestigiosas revistas como Dawn Beat, Jazziz, Jazz Now y Rhythm, además de constar en la lista de los 44 títulos más recomendados para participar en los premios Grammy del año 2000 en la categoría Mejor Album de Jazz Latino.
"Cantando un Samba" llevó a Filó Machado a uno de los escenarios considerados como templos mundiales de la música. Por invitación del maestro Ettore Stratta y de la productora Pat Philips, Machado compartió los escenarios del Carnegie Hall con figuras tan importantes como Gal Costa, Dori Caymmi, Toots Thielemans, César Camargo Mariano, Jane Monheit, Romero Lubambo o Paula Robinson en el espectáculo “40 Años de Bossa Nova”. Seguidamente se presentó en el Snug Harbor en New Orleans, luego en el Bird of Paradise Jazz Club en Ann Arbor , y en el Nigth Town en Cleveland. Había nacido una estrella.
Sencillo video de Machado interpretando Bocá de Leao. Difícil tema a guitarra y voz que pone de manifiesto algunas de las grandes virtudes de Filó.
De "Cantando Um Samba" hemos querido extraer tres temas, teniendo en cuenta que el trabajo fue publicado en el año 1999 y que es fácil de encontrar en el mercado. En ellos queda patente la extraordinaria latitud musical de Machado, una auténtica amalgama de ritmos apoyados por melodías que recuerdan a la mejor tradición de la samba y la bossa nova, pero también del mejor jazz y jazz vocal. Y es que dos de los grandes referentes de Machado son Tom Jobim (algo común en casi cualquier músico brasileño) y Al Jarreau, como queda claro tras escuchar la brillante y latina versión del clásico de Paul Desmond, "Take Five", que ya interpretó Jarreau en su trabajo "Look to the Rainbow"(1977) y que podéis encontrar en Música para Gatos.
Esperamos que os guste.
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TRACKS
1-Pam Pam Machado 2-Cantando Um Samba Machado 3-Take Five Desmond
Manolo Badrena nace en Santurce, Puerto Rico, en marzo de 1952. Su madre era una bailarina melómana que escuchaba una gran variedad de música mientras que su padre, que viajaba mucho por cuestiones profesionales, tenía la costumbre de comprar discos de todos los paises a los que se desplazaba. Todo ello enriqueció enormemente la cultura musical de un inquieto Manolo Badrena. Comenzó estudiando teclados, luego guitarra y, de forma eventual, bateria. Pero la percusión siempre estuvo presente en las calles de su Puerto Rico natal. Badrena pasaba horas tocando rumbas y admirando e intentando asimilar las técnicas de artistas locales como Cortijo, Canario o Modesto Cepeda y de otros percusionistas cubanos o dominicanos. Poco después asistió a diversos clinics con músicos como Walfredo Reyes o Joe Morello.
Manolo Badrena junto a Weather Report en el histórico concierto del grupo de Zawinul en Montreux en 1976. El bateria es, como no, Alex Acuña. Interpretan Rumba Mamá, contenido en el extraordinario "Heavy Weather" (1977).
En 1974 decide trasladarse a Los Ángeles. Al poco se le presenta la oportunidad de asistir a una prueba para una grabación de Weather Report, gracias a su colega Álex Acuña que en esos momentos ya pertenecía a la banda de Zawinul. La candidatura de Badrena prospera y es el elegido para participar en el legendario "Heavy Weather" de 1977 donde introduce una composición propia, el muy étnico "Rumba Mamá", único tema grabado en directo que aparece en el trabajo. Curiosamente "Heavy Weather" será la primera grabación de Badrena. Debe ser algo así como ser futbolista y debutar en la final del Mundial, pero vistos los resultados y siguiendo con el simil, parece que Badrena marcó un par de goles.
A partir de ahí su carrera despega y durante esa época trabaja para gente como Gino Vannelli, Herp Alpert (entonces propietario de A&M Records), Joni Mitchell, George Duke, Airto Moreira o Henry Mancini. De todos ellos y de algunos más, Badrena absorve los conocimientos necesarios para publicar el que es su primer y único trabajo como bandleader, el muy interesante "Manolo", editado en el año 1979.
"Manolo" es un disco de fusion con mayúsculas, en el cual resulta sencillo encontrar influencias latinas y también de músicos muy populares en ese momento, como Flora Purim o Gino Vannelli, tan sólo por citar los más evidentes. Suaves composiciones, como la sensacional y emotiva "Canales" o la onírica "Amor Lejano" se mezclan con auténticas descargas latinas, como "The One Thing" o "Claro Que Si". Badrena incluso se atreve con la música más bailable en algunos tracks de inspiración funky, como "Got Some News" o "Fly Away", sin olvidar la música de Brasil, ejemplificada aquí con una soberbia versión de un tema emblématico de la discografía de Milton Nascimento, "Clube da Esquina". Producido por Herb Alpert y con una nómina de músicos entre los cuales destaca gente como Jaco Pastorius, Hugo y Jorge Fattoruso, Abe Laboriel y Carlos Rios, "Manolo" es una propuesta muy estimulante pero que no recibió demasiado apoyo por parte de la discográfica, cosa que le condujo a un fracaso comercial muy poco justo. Es por ello que hemos decidido dejarla en nuestro tejado, al alcance de todo aquel que se asome por aquí, sobretodo teniendo en cuenta que es prácticamente imposible comprarla, a no ser que estéis dispuestos a abonar su precio a algún coleccionista.
Tras la publicación de "Manolo", aún en el año 1979, Manolo Badrena decide trasladarse a New York con la intención de buscar nuevos retos. Pronto recibe una oferta para trabajar con el pianista Eubie Blake. Después llegarán sus colaboraciones con The Brecker Brothers, Ahmad Jamal y Eliane Elias. Durante los años 80 Manolo Badrena tocará junto a artistas de la talla de Steve Khan y Eyewitness (con Anthony Jackson y Steve Jordan), Toninho Horta, Nile Rodgers, Blondie, Talking Heads, Miami Steve, Michael Franks, Marcus Miller, Bill Evans, Debbie Harry, Tom Tom Club y Spyro Gyra para quienes escribió el éxito "Nu Sungo" además de participar en algunas de sus más memorables grabaciones. Ya en los 90 Badrena se incorpora a la formación Zawinul Syndicate en la que permanecerá hasta la reciente muerte de Joe Zawinul el pasado 11 de septiembre de 2007. Colabora también con artistas de la talla de Salif Keita, Richard Bona, Maria João, Paco Sery, Ettiene M'Bape, Zakir Hussein o Victor Bailey, bajista de Weather Report desde la trágica desaparición de Jaco Pastorius. Aparece también en grabaciones de Bill Evans (el saxofonista, no el pianista), Carla Bley, Paquito D'Rivera, Dianne Reeves o Dave Stryker Quintet. Precisamente con este último, el guitarrista Dave Stryker y con el bajista y también guitarrista Andy McKee, funda en el año 2002 la formación Trio Mundo que actualmente tiene ya 3 grabaciones en el mercado; "Carnaval" (2002), "Rides Again" (2004) y "Momentos" (2007).
Esperamos que os guste.
Encontraréis link a "Manolo" (1979) en comentarios.
TRACKS
1. The One Thing Badrena 2. Canales (Love Will Pave the Way) Badrena, Thomas 3. Got Some (News for You) Badrena 4. Clube da Esquina (The Corner) Nascimento, Lo Borges, Márcio Borges 5. Fly Away(Agueybana) Badrena 6. Claro Que Si (Yes of Course) Badrena 7. Yana Badrena 8. Amor Lejano (Distant Love) Badrena
CREDITS
Manolo Badrena Synthesizer, Percussion, Vocals Gary Buho Gazaway Trombone, Trumpet Alfredo de la Fe Violin Maria Fattoruso Guitar, Vocals Hugo Fattoruso Keyboards, Vocals Jaco Pastorius Bass Carlos Rios Guitar Abraham Laboriel Bass Jorge Fattoruso Drums, Vocals Sybil Thomas Vocals Carmen Twillie Vocals Vanette Cloud Vocals Lani Hall Vocals Herb Alpert Producer
En el año 2003 apareció en la siempre interesante escena del R&B británico un disco de una cantante absolutamente desconocida. Se trataba de una joven de 19 años de nombre Amy y con fama de ser un tanto especial. El disco tenía un título poco comercial, como lo son todos aquellos nombres de discos o películas que hacen referencia a alguien absolutamente desconocido. Era un trabajo plagado de diversas influencias, desde el rock a la bossanova, pero mayormente centrado en R&B y el Hip Hop americano de los años 90. Eso que ahora se empeñan en llamar neo-soul. El disco recibió un alud de buenas críticas y fue firme candidato a multitud de premios. Estamos hablando de "Frank" (2003) de la polémica cantante Amy Winehouse.
"Know You Now", otro excelente y sencillo tema contenido en "Frank" de la "polémica" Amy.
"Frank" es, en mi opinión, uno de los mejores discos de, digamos neo-soul, producido en esta primera década del siglo XXI, aunque a veces resulte antipopular atribuir méritos artísticos a alguien que, además de joven, lleva una vida desordenada. Sinceramente me importa un pimiento lo que haga Mrs. Winehouse en su vida privada pero lo que queda muy claro tras escuchar su trabajo es que esta inglesa bajita, de origen judío y tan dada a las turbulencias emocionales tiene un talento indiscutible. De los 18 temas que componen "Frank", 14 están firmados o cofirmados por Winehouse (lo que daría Diane Krall por tener esa capacidad) y todos ellos merecen ser escuchados con atención. Pero hoy hemos decidido quedarnos con este corte que forma una de las partes del último track del trabajo, "Amy, Amy, Amy / Outro". Creémos que se llama "Outro" pero lo cierto es que ni en el disco original ni en la Deluxe Edition aclaran nada al respecto. Ni siquiera aparece la letra en el lujoso libreto que acompaña al CD y resulta del todo imposible de encontrar en Internet, pero creémos que es una de los propuestas más interesantes de este sensacional trabajo.
Otro ejemplo de la extraordinaria latitud musical de Amy, "Take the Box".
Sencillo, profundo, lleno de dolor, directo al corazón y a la glándula lacrimal del oyente, "Outro" me parece uno de los temas más interesantes que se han grabado en los últimos años, a pesar de los tabloides y de la opinión de algunos críticos, tan preocupados por la habilidad técnica de los músicos como incapaces de reconocer el talento.
Esperamos que os guste.
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Ficha Técnica
Nombre: "Outro" Compuesto por: Amy Winehouse Incluído en el disco: Frank Editado en el año: 2003 Discográfica: Universal Island Records
Tom Jobim es, sin duda, uno de los compositores más interesantes e influyentes del pasado siglo XX y es también un nombre conocido y reconocido por cualquier aficionado de la música que se precie. Sin embargo con Jobim pasa lo mismo que con otros grandes músicos prácticamente de todos los ámbitos sonoros posibles y es que en la gran mayoría de los casos su nombre supera en popularidad a gran parte de su producción musical.
Para ilustrarlo vamos a utilizar un ejemplo accesible. Todo el mundo sabe quién es o tiene alguna referencia de Stevie Wonder, un hombre con 50 años de carrera a sus espaldas. Pero cuales son los temas del genial artista que realmente conoce el público? La gran mayoría de personas a las que me he permitido preguntar me han hablado de la canción del teléfono (la tremenda I Just Call to Say I Love You, sin duda una de sus peores propuestas) o “Don’t Drive Drunk” que se hizo popular en España en los años 80s cuando la dirección general de tráfico decidió hacer una campaña en contra de los accidentes utilizando la imagen de Wonder y este tema, extraído de la BSO de la película “La Mujer de Rojo”. Alguna más? Si, quizás “We’re the World” en la que participó pero que no pertenece a su repertorio. La gente de una cierta edad recuerda también “You Are the Sunshine of my Life” y unos pocos “Isn’t She Lovely” a la que se refieren como la canción que comienza con un niño llorando.
Algo similar pasa con Jobim, aunque el repertorio es, contra todo pronóstico, mayor. La Chica de Ipanema, Corcovado y Desafinado se llevan la palma a la que les sigue un buen número de temas como Wave, Aguas de Março, Samba de Uma Nota So, Triste, Insensatez, Agua de Beber o Inutil Paisagem. Si pretendes salirte de estos 10 o 20 temas estás perdido a no ser que des con un auténtico conocedor de la música del maestro brasileño.
Sólo para poneros en situación me ha parecido oportuno incluir esta excelente versión de Aguas de Março. La Diosa Elis y el Maestro Soberano Jobim frente a frente. Poco más se puede pedir.
Lo cierto es que Jobim, como Wonder, han sido dos compositores enormemente fructíferos y además lo suficientemente populares como para que se conserve de ellos una gran herencia en forma de grabaciones. Vamos a ocuparnos de ello y por tanto hemos creído oportuno compartir con vosotros una selección de temas de Tom Jobim que no aparecen en ninguna de sus frecuentes recopilaciones y que son realmente difíciles de escuchar en las ondas, pero que en algunos casos tienen tanta o más calidad musical que aquellos por los cuales son recordados. Ironías de la vida a las que vamos a intentar poner un cierto remedio. También hemos procurado dejar constancia sonora de todas las influencias que tuvo el maestro y que le condujeron a inventarse la bossa nova a finales de los años 50. Escucharéis armonías que os recordarán al jazz practicado por gente como Dick Farney, Frank Sinatra o al recientemente desaparecido Johnny Alf, otras a la samba cançao que predominó en Brasil durante los años de su adolescencia y también algo de clásica, con claras reminiscencias de Chopin y Debussy.
Reconocemos que es una difícil misión para una pandilla de gatos melómanos y desamparados pero queremos intentarlo. Podrás comprobar si hemos tenido éxito en unos pocos clicks.
Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.
TRACKS
1-Tereza My Love 2-The Red Blouse 3-Angela 4-Sue Ann 5-Remember 6-Surfboard 7-Tide 8-Andorinha 9-Marina 10-Caribe 11-Nuvens Douradas 12-Antigua 13-Estrada Do Sol 14-Vocé Vai Ver 15-Two Kites 16-Valsa do Porto das Caixas
Discos contemplados en esta recopilación:"The Wonderful World of Antonio Carlos Jobim" (1965), "Wave" (1967),"Tide" (1970), "Stone Flower" (1970), "Matita Pere" (1973), "Urubu" (1976),"Terra Brasilis" (1980) y "Antonio Brasileiro" (1995).
