Songbooks: Steve Gadd, una referencia para los drummers.

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Informacion extraída de Wikipedia, Drummerworld, Allmusicguide y de la página web de Gadd. Traducida y adaptada por BCNJazzyland para Música para Gatos.

Steven K. Gadd, más conocido como Steve Gadd nace el 9 de abril de 1945 en Rochester (NY). Es, probablemente uno de los baterias más importantes e influyentes que ha dado la música en los últimos 40 años. Y si hablamos de música y no de jazz es básicamente por que la latitud musical de Gadd es tan impresionante que es capaz de tocar prácticamente cualquier estilo. Steve Gadd ha grabado con Chet Baker, Herbie Mann o George Benson, pero también los ha hecho con grupos de estilos tan diferentes como los Iron Maiden, Ringo Starr , Dr. John o Simon & Garfunkel, por sólo citar unos pocos.

Gadd se crió en Irondequoit, un suburbio a las afueras de Rochester. Cuando tenía 7 años, su tio, que tocaba la bateria en la U.S. Army le animó a tomar unas cuantas lecciones. Parece ser que a Gadd se le dió bien el instrumento ya que con tan sólo 11 años pudo tocar junto al gran Dizzy Gillespie. Tras graduarse en el instituto de su barrio se fue a estudiar a la Manhattan School of Music y, dos años más tarde a la escuela de música patrocinada por la multinacional Kodak, la Eastman School of Music, en Rochester. Al acabar sus estudios comenzó a tocar de forma regular con el trompetista Chuck Mangione.



Tras esta experiencia Gadd pasó 3 años ejerciendo como bateria de la U.S. Army, aprovechando el servicio militar obligatorio. Al acabar montó su propia banda con la que actuaría en los alrededores de su ciudad natal y con quienes alcanzaría el nivel de experiencia necesaria para en 1972 formar un nuevo grupo en formación de trio con Tony Levin y Mike Holmes. Pero poco después Gadd recibió una tentadora oferta de unos de los grandes grupos del jazz fusion, nada más y nada menos que los Return to Forever del pianista Chick Corea. El propio Corea comentaría poco después: "Todo el mundo quiere tocar como Steve Gadd porque él toca de una forma perfecta. Gadd tiene una gran habilidad, es imaginativo y toca swing de una forma envidiable".



A pesar de ello, su estancia con la formación de Corea fue muy breve y entre los 70 y los 80 se dedicó a recorrer los escenarios de todo el mundo, grabando con algunos grandes músicos como Bob James, Ron Carter, Eumir Deodato, George Benson, Al Jarreau, Aretha Franklin o la Electric Rendezvous Band del guitarrista Al Di Meola. En esa década se fundamenta la leyenda de Steve Gadd como uno de los grandes músicos de estudio, con participaciones en grabaciones absolutamente memorables. Una de sus más celebradas (que incluímos en nuestro Songbook) se produjo en el año 1977 con su efectivo sólo para Steely Dan en su trabajo "Aja", concretamente en la parte final del track que da nombre al disco de Fagen y Becker. Un año antes, en 1976, Gadd junto con otros músicos de NYC (Richard Tee, Eric Gale y Cornell Dupree) fundan la banda Stuff, con quienes aparece de forma frecuente en el famoso show de la televisión americana Saturday Night Live, a menudo apoyando al vocalista Joe Cocker, cosa que le da aún más popularidad y exposición pública y que sin duda contribuye a que la influencia de Gadd fuera tan importante para las nuevas generaciones de drummers.



Aquí le vemos junto a Michel Petrucciani y Anthony Jackson en una impresionante demostración, interpretando el Take the A Train de Billy Strayhorn.





Desde entonces, además de los mencionados, Steve Gadd ha trabajado con gente del calibre de Paul McCartney, Paul Simon, Eric Clapton, James Taylor, Jim Croce, Eddie Gomez, The Manhattan Transfer, Michal Urbaniak, Steps Ahead, Manhattan Jazz Quintet, Jon Bon Jovi, Bee Gees y Michael McDonald.

Precisamente este mismo año 2009, Gadd volverá a tocar con la banda de durante 11 noches consecutivas en un escenario de leyenda, nada menos que el Eric ClaptonRoyal Albert Hall.



Somos conscientes de que Gadd tiene discografía propia, tanto con con su formación Stuff como a título personal, pero creémos sinceramente que la contribución de Gadd se fundamente en su trabajo como músico de estudio y con su participación en las giras de otros artistas. Como siempre nos gusta poner un ejemplo gráfico de aquello de lo que hablamos hemos decidido introducir esta impresionante versión de "Spain" un tema de Chick Corea interpretado por la banda del vocalista Al Jarreu en el año 1990. Está extraída del concierto celebrado en esas fechas durante el transcurso del Nothsea Jazz Festival. A nosostros nos pone los pelos de punata este sólo de Gadd. Nos encantaría saber vuestra opinión al respecto.







Para acabar os dejamos un regalito. Os gusta la bateria? No os perdais el clip que viene a continuación. 3 de los baterias más impresionantes de los últimos 40 años, nada más y nada menos que Gadd, Vinnie Coliauta y Dave Weckl. Abrochense los cinturones que despegamos en un click.

TRACKS



1-Nite Sprite. Desde "The Leprechaun" (1975) de Chick Corea.



2-Aja. Uno de los sólos más conocidos de Gadd. Desde el trabajo de igual nombre de los Steely Dan, grabado en el año 1977.



3-A Robinsong. Extraída de "Burchfield Nines" el tercer trabajo del vocalista de California, Michael Franks.



4-Young and Fine. Extraña y fascinante composición de Joe Zawinul, extraída del "Mr. Gone" de los Weather Report, trabajo que data del año 1978.



5-Sun Runner. Tema de Bob James incluído en su trabajo de 1978, "Touchdown".



6-Ruby. Tema que da nombre al trabajo "Ruby, Ruby"(1978) del saxo argentino Gato Barbieri. Podéis encontrar el disco completo en Música para Gatos.



7-Soulful Strut. Agradable composición de Record y Sanders incluída en el disco doble de George Benson, "Livin' inside your Love" del año 1979.



8-Run for Cover. Gran tema de Marcus Miller extraído del "Voyeur" de David Sanborn. Podéis encontrar el trabajo completo en Música para Gatos.



9-Spain. Excelente tema compuesto por Chick Corea, contenido en el This Time (1980) de Al Jarreau.



10-Roof Garden. De nuevo Al Jarreau en un cañero tema funky incluído en su gran trabajo "Breakin' Away" del año 1981. "Breakin' Away" significó la consolidación definitiva de la carrera del vocalista de Milwakee.



11-Be Mine (Tonight). Del "Come Mornin'" (1981) de Grover Washington Jr. extraemos este tema. Curiosamente la voz la pone otro gran bateria, Grady Tate. Podéis encontrar el trabajo completo en Música para Gatos.



12-Conversations. Del "City Kids" (1983) de Spyro Gyra escogemos este enérgico tema compuesto por el teclista de la banda, Tom Schuman.



13-It's You. Para acabar nos quedamos con esta canción compuesta por el saxofonista David Sanborn. Extraída del "Double Vision" (1986) , trabajo realizado conjuntamente con el teclista Bob James.

Esperamos que os guste.



Jazzy

"Femenina" (1980) de Joyce Moreno

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Extracto de la información publicada anteriormente en Música para Gatos, en el post Joyce, la gran dama de la música brasileña.

Joyce Moreno es una de las grandes, dentro de la música brasileña. Vocalista excepcional, guitarrista, compositora, letrista, periodista, escritora y muchas cosas más, esta polifacética artista ha conseguido llevar a cabo una envidiable carrera plagada de grandes grabaciones.

Joyce nació muy cerca de la playa de Copacabana, al sur de Rio de Janeiro el día 31 de enero de 1948. Sus padres se separaron antes de que ella naciera y fue registrada por su madre, Zemir, como hija de su primer matrimonio. Zemir, funcionaria pública, cuidó sola de ella y de dos hijos más.

Joyce aprende a tocar la guitarra a los 14 años, observando a su hermanastro Newton, 13 años mayor que ella. Un par de “desconocidos” de nombre Roberto Menescal y Eumir Deodato (que en esos años tocaba el acordeón) eran buenos amigos de Newton. De hecho, por casa de la pequeña Joyce pasaba de forma habitual gente como Leny Andrade, los hermanos Castro-Neves y los antes mencionados, Menescal y Deodato. Ella se limitaba a mirar y a abrir bien los oídos.



En 1964, con 16 años de edad, hace su primera grabación en estudio, “Sambacana”, invitada por Roberto Menescal. La música seguía siendo para ella un sueño distante.

A los 18 años inicia por primera vez estudios de música y al año siguiente comienza la carrera de periodismo llegando a trabajar para O Jornal do Brasil. Ese mismo año clasifica la canción “Me disseram” para el Segundo Festival Internacional da Cançao de Rio. La letra, que incluye el verso “ja me disseram que meu homem nao me ama” (me dijeron que mi hombre no me quiere) causo gran revuelo en Brasil tan sólo por que estaba escrita en 1ª persona del femenino. Algunos periodistas calificaron la letra de “vulgar e inmoral”, acusándola de feminista (concepto que luego comentó la propia Joyce que ni siquiera conocía en aquel momento). Recordemos que Brasil estaba sumida en una terrible dictadura. Algunos músicos, como Nelson Motta o Fernando Lobo apoyaron a la joven artista brasileña.



En 1968 graba su primer trabajo con el nombre de “Joyce”. El disco estaba compuesto por 11 temas; 5 suyos y 6 más de gente entonces desconocida. Eran Paulino da Viola, Marcos Valle, Francis Hime, Caetano Veloso, Jards Macalé, Toninho Horta y Ronaldo Bastos. Casi nada.

Al año siguiente graba su segundo trabajo producido por Nelson Motta, con arreglos de Luis Eça, titulado “Encontro Marcado” y hace su primera gira fuera de Brasil. Con el grupo Sagrada Familia de Luiz Eça, grabaría un nuevo trabajo en 1970 y ese mismo año lanzaría un doble compacto con el grupo A Tribu, formado por ella, además de Toninho Horta, Novelli, Nana Vasconcelos y Nelson Angelo, con quien se casaría meses después.



Entre 1971 y 1975 sólo un trabajo. La artista se dedica a su familia y tiene dos hijas, Clara y Ana, cuyos nombres daría origen a uno de sus temas más famosos, “Clareana”.

En 1975 Joyce se separa de Nelson Angelo y es invitada por Vinicius de Moraes para substituit a Toquinho. Al año siguiente graba en Italia el trabajo donde interpreta temas de nuevos artistas censurados por la dictadura militar, entre ellos “Passarinho Urbano”Chico Buarque, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Edu Lobo, Maurício Tapajós o el mismo Vinicius. En 1977 Joyce conoce a Tutti Moreno en New York con quien se casaría, tras 24 años de convivencia, en el año 2001. De su unión nacería, en 1980, la tercera hija de Joyce, Mariana.







Justo ese año despega definitivamente la carrera de esta polifacética artista, con el lanzamiento del excelente trabajo “Feminina”, el disco que hemos decidido ofreceros hoy. "Feminina" contiene temas memorables como el que da título al disco, "Feminina" o el mencionado "Clareana" además de la conmovedora "Essa Mulher", o "Aldeia de Ogum". Este último tema fue redescubierto 12 años más tarde por algunos DJ’s de Londres que convertirían a Joyce en una gran estrella en UK. Cabe recordar que fue la primera artista brasileña invitada en un festival de acid jazz donde la acogió un caluroso público de más de 2000 personas.





Aquí os dejo una muestra de su innegable talento, la canción que da título a este trabajo, "Feminina".



Una extraordinaria grabación, de principio a fin, que no os podéis perder.

TRACKS



1-Feminina Joyce

2-Mistérios Joyce/Mauricio Maestro

3-Clareana Joyce

4-Banana Joyce

5-Revendo Amigos Joyce

6-Essa Mulher Joyce/Ana Terra

7-Coraçao de Criança Joyce/Fernando Leporace

8-Da Cor Brasileira Joyce / Ana Terra

9-Aldeia de Ogum Joyce

10-Compor Joyce

CREDITS



Joyce Guitarra, Voz, Arreglos

Fernando Leporace Flauta

Fernando Maestro Flauta

Helio Delmiro Guitarra

Tuti Moreno Bateria, Percusión

Mauro Senise Saxo

Gilson Peranzzeta Cuerdas, Flautas

Claudio Guimaráes

Helvius Vilela

Danilo Caymmi

Jorginho

Luzzie Bravo

Clarinha e Aninha (sus hijas)

Jazzy

"Earl Klugh" (1976) de Earl Klugh

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Earl Klugh es un excelente guitarrista acústico (aunque toca también la eléctrica) nacido en Detroit (Michigan) el 16 de septiembre del año 1953. Aunque Klugh no se considera un músico estrictamente de jazz (si más temprana referencia es el guitarrista folk Chet Atkins) lo cierto es que sus discos y los discos de gran parte de los trabajos en los que ha contribuído, se enmarcan dentro de esta categoria musical.

Earl Klugh comenzó a tocar con Yusef Lateef con tan sólo 15 años, y con 20 ya estaba grabando con George Benson los trabajos "White Rabbit" y "Bad Benson", ambos de 1973. Klugh trabó una buena amistad con Benson y colaboró con él de forma frecuente. Al año siguiente graba con Flora Purim ("Stories to Tell") y poco después con el sexteto vocal "The Dramatics". En ese momento, Earl Klugh decide que ha llegado el momento de sacar su primer larga duración como bandleader y en el año 1976 aparece su primer trabajo, el autotitulado "Earl Klugh". En "Earl Klugh" el guitarrista nos muestra su mejor versión con interesantes temas como "Vonetta" (una lección de guitarra acústica) o la muy lírica "Laughter in the Rain".







En la contraportada del disco George Benson hacía un encendido elogio del trabajo de Klugh calificándolo textualmente como "una de las más importantes voces de la guitarra". Al final firmaba con un muy expresivo "An Admirer. George Benson".



Klugh tiene actualmente casi 30 trabajos en el mercado, el último de ellos "The Spice of Life" publicado el pasado año 2008.

Esperamos que os guste esta nueva propuesta.

Nota: Sabemos que este trabajo se ha reeditado recientemente y que han sido introducidos tres nuevos temas que completan el trabajo original. Creémos que este es un buen argumento de ventas y por ello hemos decidido publicarlo como se hizo en el vinilo original del año 1976.

TRACKS



1-Las Manos De Fuego (Hands Of Fire) Grusin

2-Could It Be I'm Falling In Love Steals

3-Angelina Klugh

4-Slippin' In The Back Door Grusin, Johnson, Mason

5-Vonetta Klugh

6-Laughter In The Rain Sedaka, Cody

7-Waltz For Debby B. Evans, Lees

8-Wind And The Sea Klugh





CREDITS



Earl Klugh Electric and Acoustic Guitar

Dave Grusin Fender Rhodes, Paino, Synths and percussions

Lee Ritenour Electric Guitar

Charles Meeks Bass

Louis Johson Bass in "Hands of Fire" and "Sleepping in the Back Door"

Harvey Mason Drums, Percussion

Laudir Deoliveira Additional Percussion

Ray Pizzi Soprano Sax

Pete Christlieb Tenor Sax and Flute

Jerome Richardson Baritone Sax, Flute

Chuck Findlay Trumpet and Flugel

Oscar Brashear Trumpet and Flugel

Garnett Brown Trombone

Bernard Kundell, Marcia Van Dyke, Ralph Schaeffer, Joseph Stepansky, Kareen Jones, Alexander Murray, Thelma Beach, Kenneth Yerke, Edgar Lustgarten,Pamela Goldsmith, Myer Bello, Marie Fera, Charles Veal Jr., Daniel Schindatyov Strings

Jazzy

Funky Box 1

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Aunque es poco conocido, la palabra "funk" es definida en los diccionarios de inglés como el olor corporal que emana de las partes bajas del cuerpo durante la actividad sexual. Como es de esperar, el término en sus orígenes era constantemente calificado como una grosería o una indecencia, algo similar al origen del término jazz que se refiere al semen. Se pudiera concluir que "funk" puede entonces haberse derivado de una combinación o acrónimo de los términos ingleses "fuck" (de rápida y sencilla traducción) y "stank" (mala olor). Los músicos afro-americanos originalmente aplicaron la palabra "funk" para la música de acordes de blues con un lento y desarrollado groove, con un un ritmo insistente, precisamente inspirado por el vaivén de los cuerpos durante la relación sexual. Esta temprana y espontánea forma de tocar en sesión configuró el patrón para muchas generaciones futuras de músicos.

Los claros antecedentes al ritmo con groove que caracteriza al funk son Joseph 'Smokey' Johnson, Charles Hungry Williams de Huey Smith and The Clowns y Earl Palmer (de la banda de Dave Bartholomew y Little Richard). Fueron ellos los que dieron a esta música un sentido de sincopación y también quienes fomentaron la necesidad de intrincar redobles y dobles bombos en sus interpretaciones. Un gran avance fue el tamborileo y golpeteo de bombo radical de Smokey Johnson en "Big Chief" de Professor Longhair de 1964.



Así, los primeros claros indicios de lo que sería el funk estan en tempranos éxitos como "Trick Bag" escrito por Dave Bartholomew para Earl King en 1961 y el que compuso este último, el citado "Big Chief", además de "I've Got Money" (1962) y "Out of Sight" de 1964 compuesto por James Brown . Brown, ya a ese momento una estrella del soul, comenzó a sentir una necesidad de originalidad que lo diferenciara de los artistas de Motown, dando un cambio en los arreglos, reduciendo la complejidad de la melodia y exaltando más el aspecto rítmico en sus temas. En una entrevista hecha por el baterista e investigador musical Jim Payne, Clayton Fillyau, baterista que había tocado con Etta James y en el "I've Got Money" del mismo James Brown, reconoció abiertamente la influencia del estilo de Nueva Orleans.

"Papa's Got A Brand New Bag" lanzado en Junio de 1965 (nº 1 R&B en EEUU), en donde el bajo y el bombo de la batería marcan un contagioso ritmo mientras Jimmy Nolan hace un puente con rasgueo en las cuerdas mas agudas de su guitarra, inventando el chicken scratch un sello característico del funk, y especialmente en "Cold Sweat" de Mayo de 1967 se aprecia la confirmación de esa formula, aplicando además modismos especiales como el uso del "break" (posteriormente, piedra angular en el hip hop) y la reducción de una entera pieza musical a un simple cambio de acorde. "Cold Sweat", cuya composición le debió bastante al cool jazz del "So What?" de Miles Davis y a "Señor Blues" de Horace Silver, fue reconocida como un cambio radical en las convenciones de la música pop en el momento de su salida y es muchas veces citada como la primera canción netamente funk de la historia. Jerry Wexler de Atlantic Records comenta ; ""Cold Sweat" afectó profundamente a los músicos que conozco. Nos alucinó a todos. Ninguno manejó las formas ya probadas desde entonces". Cliff White va más allá describiéndolo como un "divorcio de las otras formas de la música popular".

El trombonista de la banda de James Brown, Fred Wesley, dijo "antes de unirme a la banda de Brown quedé muy impresionado con 'Cold Sweat'. . . Tenía un solo cambio, las palabras no parecían tan lógicas, y el puente era considerado musicalmente incorrecto. Era un mutante".



Esta revolucionaria composición alcanzó el puesto nº 1 en R&B y nº 7 en los 'Hot 100' del Billboard, confirmándose como un éxito comercial.. y un modelo a copiar. Uno de los temas del LP "Cold Sweat" (1967, King Records), llamado Funky Broadway es la primera referencia al término en un tema Rhythm and Blues/Soul y fue susceptible de alguna exitosas versión, como la realizada por Dyke & The Blazers y Wilson Pickett.



Rápidamente, surgieron en todo EEUU verdaderos esfuerzos de jóvenes músicos negros por desarrollar ritmos cimbreantes y fuertes. En la ciudad que puso la primera piedra del estilo, Nueva Orleans; la banda que fue originalmente Art Neville & The Sounds y luego la banda de estudio para Allen Toussaint en el sello Sansu, se convierten en The Meters, uno de las bandas pioneras y más influyentes en el desarrollo del funk. El disco homónimo de 1969, incluye sus éxitos Sophisticated Sissy, Look A Py Py y Cissy Strut, en donde sus músicos ( Art Neville en teclados, George Porter Jr. en bajo, Joseph Zigaboo en batería y Leo Nocentelli en guitarra) crean fuego en base a instrumentales llenos de sentimiento y de ritmo. Ese mismo año,otro artista de Nueva Orleans llamado Eddie Bo aparece en la escena funky con su "Hook & Sling part 1 & 2".

En Houston, el legendario saxofonista tejano, King Curtis, con "Memphis Soul Stew"Atlantic) presentó un tema con una tremenda sección de batería funky brindada por el legendario Bernard 'Pretty' Purdie. Tambié, en Houston, Archie Bell & The Drells, con su "Tighten Up" consiguen un éxito llegando a alcanzar el puesto nº 1 en las listas de pop y R&B del Billboard en el verano de 1968.



Mientrastanto, en Los Angeles, la banda formada en 1960 llamada Charles Wright & The Watts 103 Rhythm Band comenzó a crear originales canciones a medio camino entre el soul más duro de Otis Redding y el entonces 'nuevo estilo' de James Brown, reflejado en canciones como el famoso "Express Yourself".



Sucedia algo similar en San Francisco, donde los hermanos Stewart, el discjockey Sylvester (Sly) y Freddie, unieron sus bandas respectivas Sly & The Stoners y Freddie & The Stone Souls en una sola llamada Sly & The Family Stone. Esta es una banda tracendental en varios sentidos: fue un primer claro ejemplo de banda multiracial y ambisexual, rompiendo esquemas sociales de una época en donde aún, en Norteamérica, se luchaba por los derechos civiles de los afroamericanos, además de presentar una interesante fusión del sonido de rock psicodélico del area de San Francisco y el soul. El sencillo Everyday People de 1968, fue un éxito e hizo elevar al estrellato al grupo con un mensaje de integración, amor, comprensión. Ese éxito los hizo merecedores de actuar en el Festival de Woodstock, en Nueva York en Agosto de 1969 junto a la mayoría de los íconos del rock de la generación de las flores. Pero fue a partir de los 70 cuando esta banda comenzó a regalar aires frescos al mundo musical, primero con el single Thank You (del LP Everybody Is A Star) en donde el bajista Larry Graham se asegura su sitio en la historia del bajo eléctrico"Slap". Graham sería ampliamente imitado por todo tipo de bajistas hasta el día de hoy. El segundo avance lo dieron en el single Family Affair del LP There's A Riot Goin On.



En Detroit, se encontraba el sello que tenía los artistas de soul más exitosos de Estados Unidos (aparte de James Brown y Aretha Franklin), la Motown de Berry Gordy, quién también vio en el funk una veta que explotar para no quedarse en el pasado. Fué un joven compositor y arreglista llamado Norman Whitfield junto a Barret Strong quienes movidos más por un motivo ecónomico que por razones artísticas, deciden llevar a The Temptations a grabar en 1968 "Cloud Nine", un tema que empieza con un hipnótico riff con algo de pedal wah-wah, seguido de una apretada línea de bajo y contrapuntos. The Temptations dieron a conocer (de la mano de Whitfield y Strong) un sonido soul psicodélico con temas como "Psychedelic Shack" y "Papa was a Rolling Stone" de 1971, que tomó la efectiva técnica de Jimi Hendrix de hacer el 'chicken scratch' de Jimmy Nolen en su guitarra cerrando y abriendo su pedal wah-wah para la introducción del "Voodoo Child" del disco Electric Ladyland. Ese sonido característico fue aquí ejecutado por el guitarrista Melvin 'Wah-Wah' Watson, quien también lo capitalizó en el tema principal de la película Shaft, cantada por Isaac Hayes.



Poco más tarde, las incursiones con el sintetizador de artistas como Stevie Wonder, Herbie Hancock o George Clinton (con Bernie Worrell en el Minimoog) pusieron la semilla para que a finales de los 70 se popularizara un tipo de funk hecho sólo con instrumentación electrónica (incluida su percusión), conocido como electro funk o simplemente electro, y cuyos primeros exponentes destacados son Afrika Bambaataa, D-Train, Peech Boys, Shalamar y Midnight Star.



Luego llegarían gente como los Earth, Wind & Fire y darían el punto definitivo para la consolidación de este singular estilo musical. De ahí en adelante podemos encontrar a muchas bandas que lo incluyen en su repertorio, entre las que se encuentra gente como Michael Jackson, Chocolate Milk, Incognito, Brand New Heavies, Jamiroquai, Al Jarreau, George Benson, Spyro Gyra... la lista sería absolutamente interminable.



TRACKS



1-Girl Talk. Desde el "Significant Gaines" (1981) del teclista Greg Phillinganes.

2-Contusion. Desde el genial "Songs in the Key of Life" (1976) este sensacional y desconocido tema instrumental del gran Stevie Wonder.

3-Right Here, Right There. Desde "Where Go The Boats" (1978) del saxofonista John Handy.

4-Baby Be Mine. Tema incluído en el "Thriller" (1982) de Michael Jackson. Recientemente el productor de este trabajo, Quincy Jones, declaraba que quién a estas alturas de la vida no se hubiera enterado de que este tema encierra la misma complejidad que el "Giants Steps" de Coltrane es que no se había enterado de nada. Suscribimos totalmente la afirmación de Jones.

5-Fantasy. Uno de los temas más exitosos de los Earth, Wind & Fire, uno de los grandes grupos del funk. Tema compuesto por el vocalista Phillip Bayley incluído en el "All 'n' All" de 1977. Dedicado a mi amigo y "seguidor" Oscar González, alias el Barquero de la Albufera.

6-Jubilee. Tema muy muy funky de los Spyro Gyra. Incluído en su "Morning Dance" de 1979.

7-Happiness, Togetherness. Extraído de "Central Heating" (1978) de los Heatwave.

8-Positivity. Gran tema de los británicos Incongnito. Incluído en el "Positivity" (1993).

9-What is Slick. Un auténtico clásico, muy difícil de encontrar. Desde el "Pleasure" de la banda de igual nombre extraemos este tema de 1974.

10-Searching For A Simple Groove. Pegadizo tema de los Down to the Bone, extraído de su "Crazy Vibes and Things" del año 2002.

11-Brazillian Rhyme. Versión del clásico de Milton Nascimento popularizado por los Earth, Wind & Fire, en este caso desde la óptica del gran Marcus Miller. Desde su "Tales" del 1995.

12-Orange Moon. Hipnótico y brillante tema de la vocalista Erykah Badu. Desde "Mama's Gun" (no hay título más funky) del año 2000, uno de los grandes trabajos de este nuevo milenio.

13-Dream Come True. De los pioneros británicos del acid jazz (funky, sólo eso), los Brand New Heavies, escogemos este cañero tema. Desde su primer trabajo "Brand New Heavies", grabado en el año 1990.

14-Space Cowboy. Otros ingleses, nada más y nada menos que Jamiroquai, nos ofrecen este tema. Desde su "The Return of the Space Cowboy" de 1994.

15-Voodoo What You Do. Cerramos con uno de los maestros, el gran Johnny Guitar Watson, de quien escogemos este vitamínico tema. Desde "The Family Clone" de 1981.







Para acabar (perdonad si el post es demasiado extenso) os dejo está magnífica versión en directo de "In the Stone", tema que abre la grabación "I Am" (1978) de los megafunkys Earth, Wind & Fire.









Esperamos que os guste esta nueva propuesta.



Información extraída de Wikipedia. Adaptada por BCN Jazzyland para Música para Gatos.





Jazzy

Songbooks: "Anthony Jackson"

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Anthony Jackson (nacido el 23 de junio de 1952) es un extraordinario bajista estadounidense. De hecho se le considera uno de los bajistas más importantes de la historia, ya que fué capaz de ampliar los límites técnicos e idiomáticos del instrumento, siendo clave en la legitimación de su uso en círculos jazzísticos, todo ello teniendo en cuenta que su carrera no se ha desarrollado sólo en el jazz, sino en todos los campos musicales posibles, desde el rock (habitual en las formaciones de Paul Simon) hasta el pop más comercial, incluyendo colaboraciones con gente como Alejandro Sanz en su muy popular "No es lo mismo".

Comenzó estudiando piano pero pronto se pasó a la guitarra, llegando incluso a recibir clases del gran Pat Martino y finalmente, influenciado por el legendario bajista de la Motown James Jamerson, adoptó el bajo eléctrico como su instrumento definitivo.



A los 18 años empezó a trabajar como bajista de sesión, contando ya por entonces con una gran demanda. De hecho Anthony Jackson jamás publicaría un disco como bandleader, cosa que no le impidió ser uno de los músicos de sesión más solicitados en una plaza tan exclusiva como es New York.



Anthony Jackson posee un estilo muy personal que puede atribuirse parcialmente a sus principales influencias musicales encarnadas en las figuras de sus tres músicos fetiches, el ya mencionado James Jamerson, Jack Casady, del grupo Jefferson Airplane, y el clásico compositor francés Olivier Messiaen. Si bien resulta sencillo percibir la influencia ejercida por Jamerson, no parece tan obvia su relación con Casady o Messiaen. A este respecto, Jackson, en una entrevista en la revista Bass Player realizada en 1990, afirmaba lo siguiente;



“Casady, a quien escuché por primera vez en el disco de 1966 "Surrealistic Pillow" de Jefferson Airplane, tenía un sonido grande, rico, metálico y muy grueso, y una curiosa manera de tocar, guitarrística, que me atrajo inmediatamente. Cuando le vi en directo, me impactó su dignidad y seriedad.”.

Casady tocaba con púa, técnica que siempre ha formado parte del repertorio de Jackson.



“Fue el sonido de Casady lo que me llevó a explorar las posibilidades expresivas de usar la púa. Hasta hoy en día, cuando la uso junto a un flanger, la influencia de Casady emerge y puede ser claramente detectada por cualquier aficionado.”



Con respecto a la música de Olivier Messiaen, Jackson asegura que "cambió mi vida de forma irrevocable y para siempre". Fue la suite para órgano “La Nativité du Seigneur” del compositor francés la que tanto impresionó a Jackson, quien no dudó en adaptar al bajo algunas de las técnicas utilizadas por Messiaen.







Anthony Jackson (bass), Robben Ford (guitar), Jimmy McGriff (organ), Bernard Purdie (drums), Phil Woods (alto), Bob Berg (tenor) y Art Farmer (trumpet). El tema es: "Friday Night At The Cadillac Club", escrito por Bob Berg.





Anthony Jackson fue el inventor de lo que se ha dado en llamar «bajo de seis cuerdas», un bajo afinado en si-mi-la-re-sol-do. Su idea, que él bautizó como "guitarra contrabajo", se adelantó a cualquier bajo estándar de seis cuerdas en más de veinte años. Jackson explica que el hecho de añadirle más cuerdas al bajo tuvo su origen en la necesidad de ampliar la tesitura del instrumento, y en su frustración con la pérdida de sonido y de notas agudas que experimentaba si rebajaba la afinación de las cuatro cuerdas. Aunque Jackson tuvo la idea años antes, y empezó a encargar a varios luthiers bajos de seis cuerdas desde 1974, no fue hasta 1981 cuando comenzó a tocar exclusivamente con el instrumento que él había creado. Su primer seis cuerdas lo construyó Carl Thompson en 1975, y posteriormente utilizó bajos construidos por Fodera.



A juzgar por numerosos créditos en los discos, en los que el instrumento que toca Jackson aparece referido como "guitarra contrabajo", en oposición a simplemente "bajo" o "bajo eléctrico". Jackson parece seguir queriendo subrayar la importancia de la relación entre el bajo y la guitarra, aunque sin negar que el rol actual de su instrumento es diferente de el de una guitarra tradicional. Según Jackson, "el bajo eléctrico fue hecho con características del contrabajo por razones de marketing, aunque en realidad es una guitarra"



Anthony Jackson ha trabajado con un sinfín de músicos, entre ellos: Michel Camilo ("Rendez Vous", "Triangulo", "Thru My Eyes", "One More Once", "Vocal RendezVous"), Chick Corea ("Leprechaun"), Steely Dan ("Gaucho"), Donald Fagen ("Nightfly"), Al Di Meola ("Casino", "Elegant Gypsy", "Electric Rendezvous", "Tour De Force", "Splendido Hotel", "Kiss My Axe", "Flesh on Flesh"), Roberta Flack, Steve Gadd, Chaka Khan , Steve Khan, Pat Metheny ("Secret Story"), Michel Petrucciani ("Playground", "Both Worlds", "Trio In Tokyo"), Lee Ritenour ("World Of Brazil", "OverTime"), Hiromi Uehara ("Another Mind", "Brain"), David Sanborn ("Heart to Heart"), Paquito D'Rivera ("Why Not?"), Will Downing ("Love is the Place to Be"), Al Jarreau ("L is for Lover"), Jorge Dalto ("Listen up", "Rendezvous", "New York Nightline") George Benson ("In Your Eyes", "20/20").... la lista sería realmente interminable ya Jackson que es uno de los bajistas de estudio más prolíficos junto con otros nombres como Marcus Miller, Will Lee o Nathan East.



Un músico esencial que debes conocer.



TRACKS



1-Being with You. Extraído de "In your Eyes" de George Benson.

2-Why not!. Extraído del "One More Once" de Michel Camilo.

3-Glamour Profession. Extraído del "Gaucho" de Steely Dan.

4-You Are My Heaven. Extraído de "Roberta Flack featuring Donny Hathaway" de Roberta Flack.

5-Nothing Has Ever Felt Like This. Duo vocal entre Will Downing y Rachel Ferrell, extraído del "Love is the Place to Be" de Will Downing.

6-Heba. Extraído del "Heart to Heart" de David Sanborn.

7-Nite Sprite. Extraído de "The Leprechaun" de Chick Corea and Return to Forever.

8-It's Being You. Extraído del "Rhythm of Love" de Anita Baker.

9-New Day. Extraído del "20-20" de George Benson.

10-Speak Low. Extraída del "Passion and Fire" de Gato Barbieri.

11-Encanto Meu. Extraído del "Bela Vista" de Tania Maria.

12-My Rival. Extraído de "Gaucho" de Steely Dan.





Un regalito para acabar. Nada más y nada menos que Michel Camilo Trio en el North Sea Jazz Festival . Anthony Jackson al bajo y Horacio "El Negro" Hernandez a la bateria interpretando "And Sammy Walked In". Esperamos que os guste.













Fuente: Wikipedia.

Adaptado y revisado por BCNJazzyland para Música para Gatos



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