"To the Heart" (1976) de Mark-Almond, uno de los más grandes trabajos del fusion europeo.

Dos excelentes músicos británicos de estudio, John Mark (guitar, vocals, drums) y Johnny Almond (sax, flutes, vocals, vibes y percusión) se conocieron a finales de los 60s mientras tocaban en los Bluesbreaker de John Mayall. Antes de ingresar en la banda de Mayall, Mark había coproducido junto a Mick Jagger algunos de los primeros trabajos de Marianne Faithfull. Para ella llegó a escribir algunos temas y participó activamente en sus giras. También fue un asiduo en los conciertos del cantante folk Alun Davies con quien montó una banda que se llamó Sweet Thursday. Por su parte Almond había tocado en la Zoot Money's Big Roll Band, la Alan Price Set y la Johnny Almond's Music Machine, todas ellas bandas muy poco conocidas.

Tras su experiencia en Bluesbreakers, donde grabaron dos trabajos, "Turning Point" y "Empty Rooms", ambos decidieron comenzar una nueva carrera y para ello reclutaron al bajista Rodger Sutton y al teclista Tommy Eyre. El resultado fue la primera versión de Mark-Almond, a veces también llamada Mark-Almond Band. El grupo creció, pasando a ser un septeto en el año 1973, pero poco después, dados sus pobres resultados comerciales, decidieron disolverlo. Tres años más tarde, en 1976 se volvieron a reunir para grabar To The Heart, posiblemente su mejor trabajo y el disco que hemos decidido compartir hoy con vosotros tras comprobar que encontrarlo en el mercado es una misión del todo imposible, cosa que suele pasar con muchos grandes discos grabados en los años 70s.

To the Heart nos parece una auténtica demostración de buen fusion. Contiene rock y jazz; ritmos brasileños (en New York State of Mind) y bastante folk, incluso algo de clásica (en On More for the Road), pero a pesar de acreditar tanta variedad de lenguajes musicales es un disco enormemente compacto y muy bien diseñado.

De entre todas las composiciones que integran el vinilo original nos apetece destacar New York State of Mind/Return to the City, el tema que abre la grabación, además de la mencionada On More For the Road, la curiosa Here Comes the Rain y, muy especialmente la vibrante Busy On The Line, una de las composiciones más interesantes y que mejor plasman la realidad musical de unos años en los cuales la creatividad se comía con patatas cualquier etiqueta musical que se inventaran discográficas y críticos. Puedes escuchar estos temas en el reproductor que hemos ubicado a continuación.

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Mark-Almond interpretan en directo el tema de Billy Joel que abre To the Heart, New York State of Mind. La imagen es fija pero el sonido corresponde a un concierto del año 1980.


Esperamos que os guste.

Encontraréis link a "Busy On The Line" de Mark-Almond en comentarios.

TRACKS

1-Medley: New York State of Mind/Return to the City
2-Here Comes the Rain, Parts 1&2
3-Trade Winds
4-One More for the Road
5-Busy on the Line
6-Everybody Needs a Friend

CREDITS

John Mark Vocals, Guitar
Johnny Almond All saxes, All flutes, Vibes
Tommy Eyre Keyboards
Billy Cobham Drums
Wolfganf Melz Bass
Milt Holland Percussion
Gary Barone Trumpet, Flugelhorn
Greg Bloch Violin, Electric Violin
Jack Elis Trombone

Jazzy

"Brasil Clásicos" (1973). Una revisión de los grandes clásicos de la bossa nova según el gran pianista catalán Tete Montoliu.

Info extraída de Viquipedia y Allmusicguide

Nacido invidente en el barrio de l'Eixample de Barcelona el día 28 de marzo del año 1933, Tete Montoliu Massana ha sido unos de los más extraordinarios pianistas que ha dado la música. Fue el único hijo de Vicenç Montoliu (músico titular de la orquesta del Liceo y de la Banda Municipal de Barcelona) y Àngela Massana, una enamorada del jazz y la persona que le alentó a interesarse por el piano. Comenzó sus estudios en una escuela privada para niños invidentes, donde pasó desde 1939 hasta 1944 recibiendo clases de Enric Mas. Más tarde sería alumno de Petri Palou, a quien Tete siempre consideró su principal referente.

Del 1946 al 1953 permanece en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona, donde rapidamente contacta con sus primeros compañeros, y comienza a realizar sus primeras jam sessions en Hot Club de Barcelona. Fue allí donde conoció al legendario saxofonista Don Byas, que estaba viviendo en Barcelona por un corto perídodo. Byas le introdujo en el bebop. Sin embargo, fue el vibrafonista Lionel Hampton quien lo hizo entrar plenamente en el mundo del jazz al invitarle a tocar con su big band al final de un concierto que ofreció en Barcelona en 1955. Hampton quedó tan impresionado con el estilo y la técnica de Montoliu que se lo llevó de gira además de invitarlo a grabar el legendario disco "Jazz Flamenco".
Su debut internacional se produce en el año 1958 cuando interviene en el Festival de Cannes con su trio formado, además de él, por Doug Watkins y Art Taylor.

Un emocionado Joan Manel Serrat ayuda a Montoliu a subir al escenario. Seguidamente Tete interpreta una preciosa versión instrumental de "Paraules d'Amor" de Serrat. Era el día de Sant Jordi (23 de abril) de 1996.


1961 fue un año decisivo para su carrera. Primero fue llamado para formar parte del European All Stars, que agrupaba a los mejores músicos del jazz europeo. Poco después le contrata el legendario Blue Note de Berlín para una serie de actuaciones durante las cuales compartiría escenario con estrellas de la talla de Chet Baker, Benny Bailey y Slide Hampton.
El 1963 estuvo como pianista residente en el Club Montmartre de Copenhague donde actuó con Kenny Dorham, Ben Webster, Benny Golson, Stephane Grapelli, Roland Kirk (también invidente) y Dexter Gordon. Con este último Tete Montoliu cultivó una buena amistad llegando a grabar con él diferentes trabajos, algunos de ellos tan extraordinarios como "Billie's Bounce" o "King Neptune".

Precioso aunque algo corto clip que nos muestra al cuarteto de Dexter Gordon con Tete en su formación. Interpretan "King Neptune"


El 1965 forma su primer trío con el contrabajista Eric Peter y el batería Billy Brooks con quienes actúa de forma habitual en el legendario Jamboree de Barcelona y en el Whisky Jazz de Madrid acompañado con cierta frecuencia poe el histórico saxofonista Pedro Iturralde. En esta época era habitual verle junto a músicos tan destacados como Donald Byrd, Lucky Thomson, Pony Poindexter, Art Farmer y Ornette Coleman.

En 1967 viaja a Nueva York invitado por la Cámara de Comercio, para actuar en el Village Gate y de paso grabar un disco para el sello Impulse junto a Elvin Jones y Richard Davis. Desgraciadamente el trabajo nunca llegó a publicarse.

Durante los años 70 actúa y graba por toda Europa convertido ya en una leyenda del hard bop. Será a principios de esa década cuando editará "Body and Soul" (1971), una extraordinaria colección de clásicos con un sólo tema compuesto por el pianista catalán, concretamente "Blues for Line", el título que cierra el trabajo. En "Body and Soul" Tete nos regala una impresionante selección que incluye magistrales versiones de algunos totems del jazz como el precioso "We'll Be Together Again" (de Gilbert, Nichols y Smith), "I Feel in Love Too Easily" (de Cahn) , "Body and Soul" (de Eyton, Green, Heyman y Sou), o "My Funny Valentine" (de Hart y Rodgers) por citar unos pocos.

Precioso montaje de Muntaner83A que nos muestra imágenes de Tete y sus numerosos "sidemen" mientras escuchamos una brillante versión de "On Green Dolphin Street" interpretada por Montoliu


En 1979, Tete vuelve a los Estados Unidos, donde viajara a menudo a lo largo de la siguiente década, formando trío con el bajista Horacio Fumero y el batería Peer Wyboris. Posteriormente registrará, con este mismo trío para el sello Fresh Sound Records, además de otras grabaciones con músicos tan relevantes como Charlie Mariano y Joe Monterose.

A partir de la década de los 80 realiza multitud de conciertos con Johnny Griffin, Joe Henderson, Eddie Davis, Sonny Stitt, Jerome Richardson, Dizzy Gillespie, Chick Corea, Hank Jones, Roy Hardgrove, Jesse Davis ... y muchos más. Montoliu es ya reconocido como uno de los grandes.

En el año 1996 Tete recibe uno de los muchos homenajes a su carrera con un concierto en el Teatro Monumental de Madrid en el que le acompañan Gary Bartz y Tom Harrell. En noviembre de ese mismo año sufre una súbita arritmia cardiaca que requerirá la implantación de un marcapasos. Su estado de salud empeora al serle detectado un cáncer de pulmón. Aun así, Montoliu se mantuvo firme con el compromiso que había adquirido de actuar en el 16 º Festival de Jazz Terrassa con el trío que formaban con Horacio Fumero y Peer Wyboris y al cabo de unos días en Barcelona en un concierto programado para celebrar su 64 º aniversario, el 21 de marzo de 1997 en Palau de la Música Catalana. Fue una actuación memorable en la que interpretó en solitario temas de Ellington, Coltrane, Dexter Gordon y Thelonius Monk, y que fue registrada y editada a través del sello Discmedi. Sería una de sus últimos directos. Tete Montoliu nos dejaría el día 24 de agosto de ese mismo año.

Entre las muchas distinciones que recibió podemos destacar el Premio Nacional de Música, La Creu de Sant Jordi, La Medalla al Mérito del Ayuntamiento de Barcelona y un honor que Tete valoraba mucho y que casi siempre lucía en su solapa con indisimulado orgullo: la insignia de oro y brillantes del Barça. Y es que el futbol siempre fue su segunda gran pasión. Después del jazz, claro.

Hoy nos vamos a dedicar a un larga duración grabado en el año 1973 y que resulta absolutamente imposible de encontrar en el mercado. Su título en la edición española fue "Brasil Clásicos", una bonita colección de versiones de standards de algunos importantes compositores brasileños como Tom Jobim, Vinicius De Moraes, Luis Bonfá, Ary Barroso o Baden Powell y también de otros no tan conocidos, como Alfredo Ricardo Do Nascimento.

En formación de cuarteto, Montoliu va desgranando, una a una, algunas poderosísimas composiciones entre las cuales nos apetece especialmente citar Wave, Garota Do Ipanema, Corcovado, So Danço Samba, Desafinado, Samba De Uma Nota So y Orfeo Negro, todas ellas filtradas a través de su peculiar estilo y con el magistral toque que le hizo acreedor al título de mejor pianista europeo en unos años en los que tocar jazz en España era una auténtica heroicidad.

Evocadoras imágenes de Rio adornadas con la versión que Tete hizo de Garota De Ipanema y también un poquito de su Corcovado, ambas contenidas en "Brasil Clásicos" (1973), el disco de hoy. Una excelente combinación.


Esperamos que os guste.

Encontraréis link a "Brasil Clásicos" (1971) de Tete Montoliu en comentarios.

Podéis también encontrar toda la discografía de Tete Montoliu pinchando aquí.

TRACKS

1-Desafinado, Meditación, Tristeza (Jobim, Mendonça/ Jobim, Mendonça/ Nitinho, Haroldo Lobo)
2-Mujer Hilandera, Bahía, Brasil (Alfredo Ricardo Do Nascimento; Barroso; Barroso)
3-Chica de Ipanema, Corcovado, Samba De Una Sola Nota (Jobim, Mendonça; Jobim; Jobim Mendonça)
4-Canto de Ossanha, Wave, Solo Bailo Samba (Powell, De Moraes; Jobim; Jobim, De Moraes)
5-Orfeo Negro Bonfá


CREDITS

Tete Montoliu Piano
Albert Moraleda Bajo
Miguel Ángel Lizandra Bateria
Pedro Díaz Percussion

Jazzy

"Gratitude" (1975), el primer gran directo de los legendarios Earth, Wind & Fire.

Earth, Wind & Fire fue uno de los grupos de funk nacidos a principio de los años 70. Su perfecto sonido, su trepidante ritmo y el respeto que le profesó la crítica, la convirtieron en una de las agrupaciones musicales más exitosas de la historia. Aunque lo que realmente hizo de ellos una banda única fue la filosofía que supo impregnar el bateria, compositor, cantante y líder, Maurice White.

Earth, Wind and Fire era una fusión única de energías en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, música africana y latina y algunas pinceladas de rock, todo ello sumado a la riqueza musical de la voz de Philip Bailey, con la cual la banda era capaz de sonar como el mejor de los grupos de la legendaria Motown.



Fantasy, uno de los grandes éxitos de Earth, Wind & Fire. Un auténtico clásico del funk. El clip , adornado con la a veces excesiva voz de Bailey nos permite además comprobar la legendaria habilidad de Maurice White con la bateria.





Earth, Wind & Fire aunaban la intensidad de James Brown con la capacidad para la improvisación de cualquiera de los grandes grupos de jazz fusión que en esos momentos triunfaban, como Weather Report o Return to Forever, por poner un par de ejemplos. Además, sus presentaciones en el escenario eran realmente explosivas.

El motor de la versatilidad de Earth, Wind and Fire era el mismo eclecticismo que unía a la banda. Su diversidad estaba impulsada por una creencia espiritual amplia que se manifestaba en un conjunto de pensamientos positivos. El nexo que servía de unión a todos estos elementos era la calidad compositiva de su auténtico motor, su lider Maurice White. White, además, era sólido e impredecible con los arreglos y con todo ello consiguió hacer de Earth, Wind and Fire la banda de funk más impecable de la historia. Earth, Wind & Fire fue de los primeros grupos capaces de abrazar todos los ritmos que les habían precedido y convertirlos en un espectáculo impresionante y de gran calidad, con toques horteras (hablamos de los años 70) pero con un resultado final que era la envidia de las bandas del género.

Maurice White empezó en la música a inicios de los sesenta como bateria de sesión en Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart, y Etta James. Más tarde, en 1967, se unió al Ramsey Lewis Trio donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano que luego usaría a lo largo de toda su carrera.

En 1969, dejó el grupo de Lewis y se unió al tecladista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons para juntos dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, rápidamente se convirtieron en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago. Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral. Acababa de nacer una banda absolutamente mítica.

En 1970 White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White, de reunirse con el grupo en Los Ángeles, sus integrantes incluían a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y Yackov Ben Israel en la percusión, además de los originales Whitehead y Flemons. Esta formación firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum que llevaba el nombre de la banda.

La recepción de la crítica fue cauta y positiva, sobre todo por que fue tomada con la guardia baja por lo ambicioso del proyecto. La misma recepción tuvo el segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no despegaron a pesar de la cantidad de gente que los empezaba a seguir, mayormente en las universidades.

Con al crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind and Fire en 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el saxo, Roland Bautista en la guitarra, Larry Dunn en teclados y Ralph Johnston en la percusión. Pero la incorporación más trascendente fue la del cantante Philip Bailey. Al final del 72 Laws y Bautista se habían ido y en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los dos guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind and Fire estaba completo y listo para empezar su carrera en el estrellato musical. En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky”, que si bien no fue un éxito en ventas, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente disco “Open Our Eyes” de 1974 fue su primer éxito. Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el disco tenía un estilo musical más claro y directo. “Mighty Mighty”, extraído de ese LP, se convirtió en el primer Top Ten en las listas R&B que lograría Earth Wind and Fire. Aunque las emisoras pop la hicieron a un lado por las reivindicaciones para la raza negra que contenía el tema, la influencia musical de Maurice White se hizo sentir en la radio y el álbum se convirtió en disco de oro.

En 1975 todo estaba listo para que Earth, Wind & Fire fuera una banda de éxito. El grupo se encargó de componer la banda sonora de la película “That’s the Way of the World”.

Pero White, tuvo claro que la película no funcionaría y, con buen criterio, decidió lanzar el disco antes del estreno de la misma. El film fue efectivamente un fracaso, pero el disco despegó impulsado por el tema “Shining Star” que fue número uno en las listas R&B y pop, y que además les proporcionó un Grammy. El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino.

El dinero que recibieron sirvió para que sus presentaciones en público fueran aún más espectaculares. Además se incluyó una sección de vientos más aparente con la agrupación “The Phoenix Horns”. El frenesí de sus presentaciones en vivo se registró en el doble LP “Gratitude” que llegó sin problemas al número uno de los discos más vendidos y que es el trabajo que os ofrecemos hoy.

Un LP realmente extraordinario que no te dejará indiferente.

En el año 1990 Maurice White hacía su última gira. Este clip pertenece al concierto que en esas fechas realizaron en Japón. Interpretan una de sus grandes baladas, After the Love Has Gone, incluída en "I Am" (1979).

Esperamos que os guste.

Link en comentarios.

Fuente : Radiodos

Adaptado por Jazzy para Música para Gatos.

TRACKS

1-Introduction.Medley :Africano/Power M. White, L. Dunn

2-Yearnin’ Learnin’ M. White, C. Stepney

3-Devotion M. White, P. Bailey

4-Sun Goddess M.White, J. Lind

5-Reasons Bailey, Stepney, White

6-Sing a Message to You M. White

7-Shining Star M. White, P. Bailey

8-New World Symphony M. White, V. White

9-Sunshine M. White, A. McCay, P. Bailey, L. Dunn

10-Sing a Song M. White, A. McCay

11-Gratitude M. White, V. White

12-Celebrate M. White, Stepney, P. Bailey

13-You Can’t Hide Love S. Scarborough





CREDITS





Maurice White - Drums, Timbales, Voz, Kalimba Verdine White - Bajo, Percusión, Voz Al McKay - Guitarra, Percusión Johnny Graham - Guitarra Larry Dunn - Órgano, Piano, Sintetizador Moog Philip Bailey - Percusión, Conga, Voz Ralph Johnson - Percusión, Batería Fred White - Percusión, Batería

Andrew Woolfolk - Percusión, Saxo Don Myrick - Saxo Louis Satterfield - Trombón Michael Harris - Trompeta .

Jazzy

"Promise" (1985) de Sade, el disco que puso de acuerdo a una generación.

De madre inglesa y padre nigeriano Helen Folasade Adu más conocida como Sade nació el 16 de enero de 1959 en Ibadán, una pequeña ciudad de Nigeria ubicada a 80 km de la capital Lagos. A los cuatro años sus padres se separaron y la pequeña Helen se fue con su madre a vivir a Inglaterra.



Gran amante del jazz y la bossa nova, Adu pasó su adolescencia escuchando discos de Nina Simone, Peggy Lee y Astrud Gilberto. Ella todavía no pensaba en cantar en aquella época, sino en estudiar moda en la facultad de Saint Martin, y sólo se decidió a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crearon un grupo y le propusieron ejercer de cantante de forma provisional mientras intentaban localizar a otra voz. Sus estudios de diseño le llevaron a abrir una boutique, pero su amor por la música hizo que Adu pasara su tiempo libre cantando en un grupo funky latino llamado Arriva. Con ellos Sade descubrió que le gustaba escribir letras para las canciones cosa que no dejó de hacer desde entonces. Tras un breve impass durante el cual se hicieron llamar Pride la banda adquirió el nombre definitivo de Sade, una abreviación de Folasade, el apellido real de la cantante.





En 1984 ya con el nombre definitivo la banda consigue firmar su primer contrato y al poco se convierten en la sensación de los clubs de Londres, en gran parte gracias a sus cualidades musicales pero también a la belleza de su cantante que no tardó en verse reflejada en revistas de tirada internacional como Vogue, Cosmopolitan o Times. Como sucede tan a menudo Sade (el nombre de la banda acabó siendo el de la vocalista) se transformó de la noche a la mañana en la reina del cool. Ese mismo año aparece su primer sencillo "Your love is King" que se consolida de forma inmediata como un gran éxito dentro del Top Ten.



Con la edición en 1984 de su disco de presentación "Diamond life", Sade se dirigía a una audiencia mundial. "Diamond Life" contenía sencillos de gran éxito como "Your love is King", "Smooth Operator" y "Hang on to your love", y permaneció 98 semanas en las listas británicas y 81 semanas en las listas americanas. Sade recibió el premio BPI al mejor álbum y un Grammy a la mejor nueva artista. Al año siguiente llegaría "Promise", un rico y evocador segundo álbum que cosechó éxitos como "Is It a Crime" y "The Sweetest Taboo", que ha sido uno de los temas más oídos en la historia de la radio. Al igual que su predecesor, éste también fue un éxito internacional recibiendo un disco multiplatino.



Is It A Crime, uno de los mejores y más populares temas de Sade. Incluído en Promise.





Tres años más tarde, en 1988, volvió a reunir al grupo para grabar "Stronger Than Pride", un álbum cuyo título era un juego de palabras (pride significa orgullo, pero era también el segundo nombre de la banda). El trabajo dio lugar a diversos singles, como "Paradise", "Love Is Stronger Than Pride" y "Nothing Can Come Between Us". Con él llegó también una gira por todos los continentes, incluida Europa, Australia, Japón y América.



En 1992, Sade editó "Love Deluxe", un álbum audaz y emocionalmente honesto que se ganó la aclamación comercial y de la crítica. En USA permaneció 90 semanas en las listas. El sencillo "No Ordinary Love" tuvo una notoria aparición en la película de Robert Reford, "Una Proposición Indecente".



En 1994 llegó "Best of Sade", una colección que incluía 16 de sus mejores temas. Desde entonces hasta la actualidad Sade ha puesto en el mercado dos trabajos originales más, Lovers Rock (2000) y "Soldier of Love" (2010) , y un directo producto de la gira de promoción del primero de ellos que salió a la venta con el nombre de "Lovers Live". Sade tiene el honor de ser uno de los pocos grupos que han sido capaces de vender más de 40 millones de copias, y eso con tan sólo 6 discos en el mercado. Una hazaña difícil de igualar que nos apetece destacar desde aquí, sobretodo teniendo en cuenta que su propuesta está musicalmente muy por encima de la de otros artistas con cifras de venta similares. Y para ello hemos decidido rescatar Promise, su segundo disco y, para nosotros, el mejor hasta la fecha. Además este año se ha cumplido el 25 aniversario de su grabación.



Promise es un trabajo bien hecho. Buenas y cálidas melodías interpretadas por excelentes músicos, muy por encima de la media en lo que a pop se refiere, todo ello subrayado por la excitante voz de una artista que daba un contrapunto perfecto. Música para todos los públicos pero bien trabajada y arreglada, pop sofísticado pero sin demasiados artificios y con algunos destacables y efectivos sólos que la acercan al jazz sin perder ni un ápice de comercialidad. Todo ello convirtió a Promise en un trabajo que fue capaz de poner de acuerdo a toda una generación de público y crítica.



Jezabel interpretada por Sade en un concierto celebrado en San Diego en el año 1993.





Promise fue un éxito de la mano de sus dos primeros temas, The Sweetest Taboo y Is It A Crime pero a nosotros nos apetece destacar la bonita War of the Heats, la jazzística Punch Drunk y la excitante Maureen, probablemente tres de las composiciones más desconocidas y que hemos decidido cargar en el reproductor que aparece a continuación.

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Esperamos que os guste.



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TRACKS



1-Is It a Crime Adu, Hale, Matthewman

2-The Sweetest Taboo Adu, Ditcham, Matthewman

3-War of the Hearts Adu, Matthewman

5-Jezebel Adu, Matthewman

6-Mr. Wrong Adu, Denman, Hale, Matthewman

7-Punch Drunk Hale

8-Never as Good as the First Time Adu, Matthewman

9-Fear Adu, Matthewman

10-Tar Baby Adu, Matthewman

11-Maureen Adu, Denman, Hale



CREDITS



Sade Adu Arranger, Composer, Vocals, Producer

Stuart Matthewman Guitar, Composer, Saxophone Terry Bailey Trombone, Trumpet Pete Beachill Trombone Carlos Bonnell Guitar Paul S. Denman Bass, Guitar (Bass) Martin Ditcham Percussion Dave Early Percussion, Drums

Andrew Hale Keyboards Nick Ingman Arranger Jake Jacas Vocals

Mike Pela Strings, Producer, Engineer, Mixing, Production Engineer

Jazzy

Replays: On Green Dolphin Street de Washington y Kaper interpretada por el saxofonista cubano Paquito D'Rivera

"On Green Dolphin Street" fue inicialmente compuesta como el tema principal de la película de 1947 de la MGM "Green Dolphin Street". La película estaba basada en el libro de 1944 de la novelista británica Elizabeth Goudge, "Green Dolphin Country", publicado ese mismo año en los Estados Unidos como "Green Dolphin Street".

La película, un drama épico protagonizado por Lana Turner, Van Heflin, Donna Reed, Richard Hart, y Frank Morgan y dirigida por Victor Saville no fue precisamente un éxito. En su libro, "La historia de MGM", John Douglas Eames, dice de ella: "Lo tenía todo, es decir, demasiado para una sola película: conflictos familiares, triángulo amoroso, terremoto, maremoto, patetismo y vulgaridad". Aún así ganó 2 Oscars menores; el de efectos visuales y el de sonido. Pero si por algo puede ser recordado ese título es por la canción principal de su banda sonora original que aunque en ese momento pasó totalmente desapercibida , poco después llegó a convertirse en un auténtico clásico de jazz y del latin, con más de 1000 versiones grabadas hasta la fecha.

La historia de este gran tema comienza, como ya hemos comentado, en el año 1947. En ese momento Bronislaw Kaper fue contratado para escribir la banda sonora de "Green Dolphin Street" una nueva película de los estudios MGM (Ned Washington se haría cargo de la letra). Kaper era, además de abogado, un auténtico prodigio musical en su Polonia natal. Pero en su país las oportunidades no eran muchas para alguien que pretendiera dedicarse a la música, con lo cual decidió mudarse al Berlin de los tempranos años 30. Empezó componiendo temas para algunas películas alemanas, pero en 1933 el antisemitismo en Alemania empezaba a mostrar signos preocupantes y Kaper , que era de origen judío, se vió obligado a trasladarse a París. Allí fue descubierto por Louis B. Mayer, que lo firmó con la MGM. Entre 1936 y 1940, escribió canciones para películas como "Tomorrow is another day", "Cosi Cosa" y "All God's Chillum Got Rhythm", esta última para la famosa "A Day at the Races" (Un día en las carreras) de los Hermanos Marx, pero a partir de 1940 el estudio le comenzó a encargar bandas sonoras completas. Tuvo una brillante carrera en Hollywood que abarcó más de 30 años , obteniendo una gran cantidad y variedad de títulos de todos los géneros imaginables, pero de todas ellas la más importante y trascendente fue sin duda "On Green Dolphin Street".

Desde entonces son muchos los artistas que han revisado el clásico de Washington y Kaper, comenzando por Miles Davis con su mítica banda formada por Paul Chambers, Jimmy Cob, Bill Evans, John Coltrane y Cannonball Adderley y siguiendo, entre otros, por Eric Dolphy, Jack Dejonette, Bill Evans, Stan Getz, Dexter Gordon, Lionel Hampton, Ahmad Jamal, Wes Montgomery, Joe Pass, Oscar Peterson, Bud Powell, Sonny Rollins, Archie Sheep, Sarah Vaughan, Charlie Byrd, Benny Carter, Ella Fitzgerald, Hilton Ruiz, Joe Sample o la Akoustic Band del pianista Chick Corea. Pero hoy nos vamos a quedar con la extraordinaria versión latina que dejó para la historia el brillante saxofonista cubano Paquito D'Rivera en el que fue su primer disco americano, el impresionante Blowin', grabado en el año 1981.

On Green Dolphin Street suena magnífica en la "voz" de D'Rivera hasta el punto que alguien no iniciado en el tema podría pensar que esta es una composición latina desde su misma raíz. Como habéis podido leer un poco más arriba, nada más lejos de la realidad. Además, para su elaboración D'Rivera contó con la participación de grandes músicos como Hilton Ruiz, que nos da una auténtica lección de piano, Russell Blake al bajo o Ignacio Berroa a la bateria.



Un regalo final. On Green Dolphin Street según Mr. Coltrane. Una delicia.



Esperamos que os guste.

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Si aún no estáis seguros podéis escucharla antes en el reproductor ubicado a continuación.

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Jazzy