"The Gist of the Gemini" (1976) uno de los grandes trabajos del vocalista canadiense Gino Vannelli.

Gino Vannelli estudió teoría de la música en la McGill University, en su Montreal natal. Su padre, Russ Vannelli, era un gran aficionado al jazz y al descubrir el talento del joven Gino y también de sus hermanos Joe y Ross, decidió traspasar su afición a sus hijos. Pensó que Gino podía ser un excelente bateria y emular a su ídolo Gene Kruppa y de hecho el aprendizaje de ese instrumento tendría una importante influencia en la música de Vannelli. Pero Gino crecía en una época en la cual los Beatles arrasaban. El joven Vannelli asistía además regularmente a los conciertos de música clásica que se daban en su entorno. Por si eso fuera poco, el jazz-rock estaba empezando a tomar forma y gente como Dave Brubeck o Miles Davis ya eran considerados auténticos fenómenos sociales.

A principios de los 70 otra nueva banda que tenía como lider a un pianista aficionado a los nuevos instrumentos sintetizados que respondía al nombre de Joseph Zawinul, Weather Report, irrumpía también en un mercado musical desbordante de creatividad. Toda esta sucesión de hechos sería decisiva en la creación del estilo Vannelli.

En aquellos momentos, los hermanos Gino y Joe intentaban sin demasiado éxito hacer una primera grabación. Un buen día, hartos del rechazo que habían sufrido por parte de todas las compañías discográficas con las que habían estado en contacto, Gino, guitarra en mano, decidió esperar al reputado productor y trompetista Herp Alpert en el parking de la discográfica A&M Records, propiedad de este. Parece ser que Alpert comprendió que Vannelli iba a tocar aunque se hundiera el mundo y asistió con una sonrisa en los labios al improvisado concierto. Cuando Vannelli dejó de tocar Alpert se acercó y le dijo "Muy bien chico, vas a grabar, y yo voy a producir tu primer disco".

Bonita versión del primer clásico de Vannelli, "Crazy Life".

En aquellos momentos Herp Alpert triunfaba con su Tijuana Brass Band y había ganado mucho dinero produciendo a Sergio Mendes & Brasil 66. Resulta pues evidente la influencia de Alpert en el primer trabajo de Vannelli, "Crazy Life" (1973), repleto de ritmos brasileños. La canción que dá título al disco, una preciosa balada con aires de bossanova, es la única pieza aún presente en el repertorio actual de Vannelli y ha sido interpretada en la mayoría de los conciertos del vocalista de Montreal. Una pena ya que el disco contiene varios excelentes temas como "Cherizar", "There's no Time" o "Fling on Mine", entre otros.

El segundo trabajo de Vannelli, "Powerful People" (1974) ya nos muestra algo más de lo que será su discografía. A parte de la exitosa "People Gotta Move", que alcanzó el puesto 22 en la lista Billboard en octubre de 1974, contiene piezas memorables, como la también popular "Felicia", pero especialmente "Powerful People", "Son of A New York Gun", "Lady", "The Work Verse", "Jack Miraculous" y "Poor Happy Jimmy", un tema compuesto en homenaje a Jim Croce, músico fallecido en un accidente de avión. Para "Powerful People", Gino y Joe Vannelli se rodearon de algunos interesantes músicos de su entorno, como el gran bateria Graham Lear, quién sería poco después reclamado por Carlos Santana para su formación. Parece ser que Santana estaba muy atento ante los trabajos de Vannelli en los primeros 70 ya que sucedió lo mismo con Richard Baker, teclista que aparecería en su siguiente trabajo, el excepcional "Storm At Sunup" editado en 1975.

Magnífico clip que nos muestra algunas imágenes inéditas de Gino Vannelli. Los dos temas que escuchamos son To The War y Carnal Question, ambos incluídos en The War Suite, la cara B de The Gist of the Gemini.


Su cuarto trabajo se llamaría The Gist of the Gemini, precisamente el disco que hemos decidido acercar hoy a nuestro tejado.
La verdad es que Vannelli no lo tenía fácil. Tras tres sensacionales LP's el reto era grande y como casi siempre decidió arriesgar grabando una novedosa propuesta que se dividía en dos partes claramente diferenciadas. En la primera, la cara A del vinilo original, encontramos al Gino Vannelli que ya conocíamos. Tres temas que mezclan de forma acertada el jazz, algo de rock y un poquito de funk, a saber: Love of my Life, New Fix for 76' y Fly into this Night, este último uno de sus primeros éxitos , y dos preciosas baladas que nos permiten escuchar su excepcional habilidad como vocalista y su enorme capacidad para elaborar melodías complejas. En la cara B, Vannelli incrementa notablemente el tono épico para construir una sinfonía de indefinible clasificación musical pero de enorme calado artístico. La lamentable guerra de Vietnam acababa de finalizar y ese detalle unido al hecho de que Vannelli siempre fue un gran aficionado a la música clásica dio como resultado esta War Suite compuesta por 6 movimientos. Una obra a conmovedora, brutal y emocionante que fue, como casi siempre, literalmente masacrada por la "crítica especializada". Cierra este impresionante trabajo Summers of my Life, un tema que emocionará a todos y cada uno de los gatitos de este tejado y que podéis escuchar a continuación.



Un disco que os recomendamos de forma muy especial.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios.

TRACKS
(All songs; Music and Lyrics by Gino Vannelli)

1-Love Of My Life
2-Ugly Man
3-A New Fix For '76
4-Omens Of Love
5-Fly Into This Night
6-Prelude To The War
7-The Battle Cry
8-To The War
9-Carnal Question
10-After The Last Battle
11-To The War (Reflection)
12-Summers Of My Life

CREDITS

Gino Vannelli Vocals, composer, arranger, lyricist, producer, acoustic piano on "Ugly Man", clavinet on "To the War" and "To the War (Reflection)"

Joe Vannelli Piano, Electric Piano, Clavinet, Synths, arranger, producer
Ross Vannelli Back Vocals Graham Lear Drums John J. Mandel Percussion, Timpani Dido Percussion Jay Graydon Electric Guitar Richard Baker Organ, Syntetized Bass, Strings and Brass The John McCarthy Choir Back Vocal on "Prelude to the War".

Jazzy

Canciones para Gatos: "Be Mine (Tonight)" (1980) de Grover Washington Jr.

En el año 1982 la carrera del saxofonista Grover Washington Jr. estaba despegando de forma definitiva. Acababa de publicar "Winelight", probablemente uno de sus peores trabajos hasta la fecha, pero su colaboración con el vocalista Bill Withers había calado muy hondo entre un amplio sector del público. El disco fue platino, ganó dos Grammys y convirtió a Grover Washington Jr. en una estrella internacional y en uno de los saxofonistas más populares de la historia del jazz.

El bueno de Grover había hecho grandes trabajos hasta esa fecha y Winelight no era un mal disco al fin y al cabo, pero la crítica se olvidó de toda su trayectoria previa y decidió crucificarlo en aras de la pureza del jazz. En esas fechas el gran vocalista Al Jarreau acababa de grabar su tan impresionante como criticado "Breakin' Away"(1981), mientras que George Benson había recién editado su disco más funky "Give me the Night"(1980) y tenía en el horno una de sus apuestas más comerciales, "In Your Eyes" que saldría a la venta en el año 1983. Una estúpida asociación de ideas provocó que algún crítico con oídos de corcho se le conectara su única neurona y decidiera bautizarlos como "los tres traidores del jazz", apelativo que a pesar de acreditar su absoluto desconocimiento de esa música contribuyó a crear una cierta corriente de opinión negativa en torno a la calidad de sus propuestas. Afortunadamente el tiempo siempre pone a cada cual en el lugar que le corresponde y Jarreau, Benson y Washington son, a día de hoy, tres músicos absolutamente esenciales para explicar el desarrollo del jazz en los últimos 40 años. Del crítico en cuestión no hemos vuelto a saber nada.

Come Morning, el tema que da título al trabajo que contiene Be Mine (Tonight) interpretado con gran parte de la banda que participó en el trabajo. Sólo un cambio, Anthony Jackson por Marcus Miller. Concierto ofrecido en Pennsylvania el día 27 de junio de 1981.

Be Mine (Tonight), el tema hemos decidido acercar hoy al tejado corresponde a el disco inmediatamente anterior a Winelight, Come Morning (1980), en nuestra opinión uno de sus mejores trabajos. Compuesto por Ralph McDonald, William Salter y William Eaton, Be Mine (Tonight) cuenta con una banda excelente en la que destacan además de Grover el citado Ralph McDonald a la percusión, Steve Gadd a la bateria, Marcus Miller al bajo, Richard Tee a los teclados y Eric Gale a la guitarra y cuenta además con la participación del extraordinario bateria Grady Tate que aquí hace de vocalista, demostrando una voz tan poderosa como el toque de sus baquetas.

Esperamos que os guste.

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Ficha Técnica

Nombre: Be Mine (Tonight)
Compuesto por: Ralph McDonald, William Salter y William Eaton.
Interpretado por: Grover Washington Jr.
Extraído del disco: Come Morning
Editado en el año: 1980

Credits: Grover Washington Jr. (sax), Ralph McDonald (conga, perc), Steve Gadd (drums), Marcus Miller (bass), Richard Tee (fender rhodes), Eric Gale (guitar), Paul Griffin (keys), Grady Tate (Vocals)

Jazzy

"Toninho Horta" (1980) el segundo trabajo del extraordinario guitarrista brasileño.

Antônio Maurício Horta de Melo, más conocido en el mundo musical como Toninho Horta es, simplemente, uno de los más grandes guitarristas que ha dado la música de Brasil. Nacido en Belo Horizonte, el día 2 de diciembre de 1948, Horta es, además un excelente compositor, vocalista, arreglista y productor.

Su carrera comienza en 1967. Con 19 años de edad, participa en el "11º Festival Internacional da Canção" en el que fue finalista con dos temas "Maria Madrugada" junto a Júnia Horta, y "Nem é Carnaval" con Márcio Borges.
Su estreno en un estudio de grabación se produce en 1969, de la mano de Nivaldo Ornelas. Ese mismo año Horta toca por primera vez con Milton Nascimento.

Coincidiendo con el inicio de la década de los 70s, Toninho Horta se traslada a Rio de Janeiro pasando a formar parte del grupo A Tribu, juntamente con la cantante y también guitarrista Joyce, Nelson Angelo (entonces pareja de Joyce), Novelli y Nana Vasconcelos. El año 1973 será la fecha en la cual aparecera su primera grabación, algunas veces llamada Posiçoes y otras "Beto Guedes, Danilo Caymmi, Novelli e Toninho Horta". Fue en esa misma época cuando comenzó a tocar con Elis Regina, además de participar en las históricas grabaciones del album Clube Da Esquina de Milton Nascimento, uno de los trabajos preferidos por el guitarrista Pat Metheny, quien considera a Horta como uno de los mejores instrumentistas de la historia.

Toninho nos interpreta Manuel O Audaz, incluída en el disco que os presentamos hoy.


En lo sucesivo formó parte de las bandas de algunos grandes músicos brasileños como Edu Lobo, Gal Costa, Maria Bethânia o Nana Caymmi.
A mediados de la década de los 70s, concretamente entre junio de 1976 y septiembre de 1979 Toninho Horta graba su primer larga duración como lider junto a su Orquesta Fantasma. Se trata del indiscutible "Terra Dos Passaros", una extraordinaria colección de 10 temas , 9 de ellos compuestos o co-compuestos por el guitarrista, algunos tan emblemáticoa como "Ceu de Brasilia", "Pedra Da Lua", "Falso Ingles", "Beijo Partido" o la impresionante "Aquelas Coisas Todas", que durante más de 20 años ha servido de sintonía para uno de los mejores programas musicales de la historia de la radio española, "Cuando los Elefantes Sueñan con la Música", un espacio dedicado a la música de Brasil presentado por el respetado crítico musical Carlos Galilea.

"Terras Dos Pássaros" es una auténtica obra maestra que combina de forma acertada el jazz, la samba, la bossa nova, gotitas de rock y el jazz fusion de los años 70s, consiguiendo un sonido impecable que sería imitado por músicos de todo el mundo, algunos de ellos, como Metheny, confesos admiradores de este brillante intrumentista que además de las guitarras y de sus ajustados vocales, se permite hacer sus pinitos con el piano eléctrico y el bajo.

Después de "Terra Dos Pasaros" aparecería el autodenominado "Toninho Horta" (1980), el disco que hemos decidido acercaros hoy a nuestro tejado.

"Toninho Horta" es una nueva demostración de la capacidad de este instrumentista. Como en su anterior disco, se permite transitar por la música del Brasil y rutas anexas, lease jazz, funk o fusion, de nuevo con extraordinarios resultados. Además, en el trabajo participan algunos grandes maestros como Wagner Tiso, Raúl de Souza o su amigo, el también guitarrista Pat Metheny, que interviene en dos de los cortes, "Prato Feito" y "Bons Amigos". Si bien "Toninho Horta" no llega al nivel de su precedente "Terra Dos Passaros" nos parece un trabajo de un nivel excelente, aunque lamentablemente los pobres resultados comerciales que cosechó provocaron que su siguiente incursión tardara prácticamente una década en llegar.

Esos 8 años de silencio (como lider, no como sesionista) dieron como resultado "Diamonds Land" (1988), que se traduciría en un inesperado éxito que le abriría definitivamente las puertas del mercado norteamericano. Al año siguiente Horta fijaba su residencia en la capital mundial de la música, la ciudad de New York, donde coincidiría en grabaciones y escenarios con talentos de la talla de Sergio Mendes, Gil Evans, Flora Purim, Astrud Gilberto, Naná Vasconcelos, Paquito De Rivera, Airto Moreira, Wayne Shorter, Eliane Elias, Herbie Hancock, Keith Jarret, George Benson... la lista sería interminable.

En la actualidad Toninho Horta tiene más de veinte trabajos en el mercado, algunos de ellos tan potentes como "Moonstone" (1989), "Durango Kid I y II" (1993-1995), "Foot On the Road" (1994), "Sem Vocé" (1995) en colaboración con su amiga Joyce o su personal homenaje al maestro Tom Jobim llamado "From Ton To Tom", editado en el año 2000. Su último larga duración se llama "Tonight" y fue grabado junto a Tom Lellis en el año 2008.

En Brasil Toninho Horta ha trabajado para prácticamente todas las estrellas del firmamento de la bossa nova y la MPB. La lista incluye al maestro Tom Jobim, la diosa Elis Regina, Gal Costa, Milton Nascimento, Maria Bethânia, Jane Duboc, Caetano Veloso, MPB4, Simone, Leny Andrade, João Bosco, Hermeto Pascoal, Beto Guedes, Lô Borges, Wagner Tiso, Nivaldo Ornelas, Edu Lobo, Boca Livre, Alaíde Costa, Nana Caymmi, Dori Caymmi, Dominguinhos, Nico Assumpçao, Paulo Moura, Nelson Ayres, Márcio Montarroyos, Joyce, Luis Alves, Raul de Souza, Leila Pinheiro, Paulo Braga, Yuri Popoff, Emílio Santiago, Robertinho Silva, Pery Ribeiro, Luiz Eça, André Dequech, Halley Flamarion, Aécio Flavio, Marlene, Rafael Rabello, Sebastião Tapajós, Eduardo Conde, Jacques Morelembaum, Nelson Angelo, Esdras Ferreira "Neném", Mauro Senise, Léo Gandelman, Armando Marçal, Djalma Correa, Chiquito Braga, Fafá de Belém, Tavinho Moura, Fernando Brant, Ronaldo Bastos, Lena Horta, Márcio Borges, Toquinho, Ney Matogrosso, Gilson Peranzzetta, Juarez Moreira, Quarteto em Cy y muchos, muchos más.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Aqui, Oh! Horta, Brant
2-Saguin Horta
3-Voo Dos Urubus Horta
4-Caso Antigo Horta, Bastos, Brant
5-Prato Feito Horta,
6-Era Só Começo Nosso Fim Antunes, Popoff
7-Minha Casa Horta
8-Bons Amigos Horta, Bastos
9-Vento Horta
10-Manuel O Audaz Horta, Brant

CREDITS

Toninho Horta Guitar, Vocals, Composer
Luis Alves Drums Fernando Brant Composer Raul De Souza Trombone
Wagner Tiso, José Roberto Bertrami Keys Jamil Joanes Bass
Ronaldo Bastos Composer Lo Borges Guitar, Vocals Paulo Braga Drums
Andre Dequech Piano, Arranger Gordinho Percussion Paulo Guimaraes Flute
Lena Horta Vocals Pat Metheny Electric Guitar Nivaldo Ornelas Sax, Flute
Iuri Popoff Composer Roberto Ribeiro Roberto Silva Drums

Jazzy

"A Brazilian Love Affair" (1979), el mejor trabajo del teclista y vocalista George Duke.

George Duke empezó a estudiar piano cuando tenía 7 años. También tocó el trombón y el cello. Más tarde se trasladó a San Francisco para estudiar en el Conservatorio de Música de dicha localidad. Un día su madre le llevó a un concierto de Duke Ellington. El propio Duke recuerda la experiencia:

"Me veo mirando a ese tipo en el centro del escenario tocando su piano. Eso tuvo un profundo efecto en mi. No sé si fue la música o el propio Ellington. El recuerdo de ese hombre allí arriba, creando sonidos de todo tipo. Pude identificarme con eso. Y le dije a mi madre, yo puedo y quiero hacer eso. Entonces ella me compró un piano y empecé a trabajar".

A partir de ese momento la dedicación de Duke a su piano fue absoluta.

Al principio de su carrera, Duke tocó con algunos de sus amigos, como el vocalista Al Jarreau, los saxofonista Dexter Gordon y Sonny Rollins, el violinista francés Jean Luc Ponty o Frank Zappa, lo cual nos da una idea aproximada de la gran latitud musical de este artista.

En 1971 Duke se enroló en la banda del legendario Cannonball Adderley. Adderley, que era un gran amante de la samba, se convirtió en su mentor.

"Fue increíble trabajar con Cannonball. Yo le llamaba Papá. Sólo con sentarte a su lado y oír como hablaba de gente como Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald o Miles Davis... era sensacional. Era como un libro de historia andante. Traté de aprender de él tanto como pude y le echo mucho de menos"."Era el hombre más duro para el que he tocado jamás, por la forma en que él oía las melodías. En una ocasión le dije que no sabía como se podía tocar para él. Y yo puedo tocar para cualquiera. Pero Adderley era muy duro. Él me miraba y decía; tú sólo usa tus orejas. Él hizo que mirara en mi interior y me dijera; se supone que eres creativo, no?. Pues a crear!." , dice Duke.

Y Duke se puso a crear. Este es el tema que da título al disco que os presentamos hoy. Nos gusta bastante más el video adjuntado en el link bajo estas imágenes. Desgraciadamente la inserción del video está desactivada y sólo os podemos dar la dirección para que lo veáis.

A Brazilian Love Affair feat. Stanley Clarke.



George Duke tiene una extraordinaria habilidad para hacer discos entre si totalmente distintos. En su discografía podemos escuchar trabajos orientados hacia el jazz, el funk, el soul o como en el caso que nos ocupa, la música brasileña. Le hemos visto en colaboraciones con el gran bateria Billy Cobham o con el increíble bajista Stanley Clarke. Ha producido trabajos de todo tipo, desde los clásicos de Miles Davis, "Tutú" y "Amanda" hasta el famosísimo "We're the World" (que mucha gente atribuye erróneamente a Michael Jackson).

Puedes también encontrar su nombre en los títulos de crédito de películas y de series de TV.

En el año 1979, Duke decidió que había llegado el momento de hacer un disco de música brasileña. "Yo siempre he adorado esa música desde que un día, en 1965, escuche a Sergio Mendes con su Brasil 65 y 66. Eventualmente iba a Brasil con Cannonball Adderley. Un día conocí a Milton Nascimento y me compré todos los discos brasileños que fui capaz de encontrar. Me enamoré del país y de su música y me prometí que un día volvería para grabar mi propio disco. Mi intención era hacer una mezcla entre músicos brasileños y americanos. Estaba convencido que el resultado de la mezcla podía ser muy interesante".

Duke había previamente editado dos discos de funky que le habían funcionado bien ("Reach for it" (1977) y "Don't let go" (1978) ) y decidió proponer a su discográfica Epic un nuevo trabajo que nada tuviera que ver con los anteriores. Afortunadamente Epic apoyó la propuesta de Duke y se marchó con su banda a Brasil. Y el resultado fue, en mi opinión, el mejor trabajo de Duke: "A Brazilian love affair".

Sugar Loaf Mountain, incluída en A Brazilian Love Affair.

"A Brazilian Love Affair" (su título ya dice bastante) consta de 10 temas, 8 de ellos compuestos por George Duke y los 2 restantes, "Ao qui va nascer" (uno de las canciones favoritas de Duke) y "Cravo e canela", por Milton Nascimento. Un trabajo que da cabida al inmenso potencial artístico de Duke, con momentos para todo. El larga duración está inspirado en la música de Brasil, pero Duke utiliza toda su artillería para construir una magnífica colección de temas, algunos bailables, otros relajados e introspectivos, todos ellos geniales. Una auténtica demostración de lo que debe ser el fusion de calidad.



Te recomendamos encarecidamente que repases los títulos de crédito. Cortan la respiración.



Esperamos que os guste.



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TRACKS

1- Brazilian love affair (Duke)

2- Summer Breezin' (Duke)

3- Cravo e Canela (Nascimento)

4- Alone 6AM (Duke)

5- Brazilian sugar (Duke)

6- Sugar loaf mountain (Duke)

7- Love Reborn (Duke)

8- Up from the sea it arose and ate Rio in one swift bite (Duke)

9- I need you now (Duke)

10-Ao que vai nascer (Nascimento/Bastos)

CREDITS





George Duke Synthesizer, Piano, Arranger, Keyboards, Piano (Electric), Vocals, Moog Synthesizer, Bells, Producer, Vibraphone, Fender Rhodes, Oberheim, Orchestra Bells, Crumar

Chico Batera Percussion, Bongos, Castanets, Conga, Triangle, Chekere, Agogo, Ganza, Tambur, Roto Toms Roland Bautista Guitar, Guitar (Electric) Fernando Brant Composer Flora Purim, Lynn Davis,Flavio Faria, Josie James, Lucinha Lins,Simone, Zé Luis, Lucia Turbull Vocals Jerry Hey Trumpet, Flugelhorn Toninho Horta Guitar (Acoustic), Guitar (Electric) Jamil Joanes, Byron Miller Bass Airto Moreira Percussion, Tambourine, Surdo, Shaker Milton Nascimento Guitar (Acoustic), Composer, Vocals

Bill Reichenbach Jr., Raul de Souza Trombone Sheila E. Bongos, Chimes, Timbales, Caixa, Cowbell, Water Chimes Roberto Silva Drums, Caxixi, Agogo, Talking Drum, Tambur, Apito Larry Williams Sax (Alto), Sax (Tenor)

Jazzy

Videos Memorables: Charlie Parker y amigos. Una de sus pocas imágenes que aún podemos disfrutar.

Este es uno de aquellos videos en los que sobran las palabras. En la primera parte vemos a Charlie Parker y Coleman Hawkins al saxo, Hank Jones al piano, Ray Brown al bajo y Buddy Rich a la bateria, o lo que es lo mismo, un quinteto de auténtico lujo interpretando Ballad. Tras la claqueta desaparece Coleman Hawkins y el cuarteto resultante nos interpreta Celebrity. Al final del tema podemos ver a Parker absolutamente relajado, encendiendo su cigarrillo mientras una voz en off nos explica la siguiente actuación.

En el segundo corte, probablemente rodado en idéntico escenario pero sin la presencia de Bird, aparecen de nuevo Buddy Rich, Ray Brown y Hank Jones ahora acompañados de Lester Young al saxo tenor y Bill Harris al trombón. Una Ella Fitzerald absolutamente entregada se suma al brillante espectáculo, además de Harry Edison al saxo tenor y Flip Phillips a la trompeta, para completar un recital absolutamente redondo.

Este corte es uno de los dos que se conservan de Bird tocando su saxo y es, además, el de más larga duración ya que el otro es de tan sólo 52 segundos.

Rodado em el año 1950 en un precioso blanco y negro, el clip tiene aquel sabor que nos encanta a los jazzeros y procura infinidad de interesantes detalles, como la radiante expresión de Parker mientras un joven Buddy Rich interpreta uno de sus salvajes sólos o la cara de satisfacción de Ella Fitzgerald al contemplar el espectáculo que están dando sus colegas y amigos. Además hemos pensado que vale la pena observar las pocas imágenes que nos quedan de uno de los más grandes e influyentes saxofonistas de la historia del jazz

Esperamos que os guste.






Jazzy

"Weekend in L.A" (1977) uno de los más grandes trabajos del genial guitarrista de Pittsburgh, George Benson.

George Benson nacido en Pittsburgh el 22 de marzo de 1943 es, sin lugar a dudas, uno de los mejores guitarristas de la historia. Además, se trata de uno de los artistas de jazz más populares de las últimas décadas, habiendo recibido encendidos elogios incluso por parte de la crítica.





Niño virtuoso de la guitarra, grabó su primer single "It Should Have Been Me" a la edad de los 10 años. No obstante Benson comenzó su carrera artística como cantante, actuando en nightclubs a los ocho años y grabando cuatro caras para el sello X de RCA en 1954. El sueño de ser vocalista le perseguiría el resto de sus días y años más tarde, al triunfar con el tema de Leon Rusell, This Mascarade, se atrevió a confesar que él siempre había querido ser cantante.



A los 17 años formó una banda de rock en la que ya empezaba a tocar la guitarra de forma profesional, concretamente una que su padre había construido para él. Pero en esa época se comenzó a interesar por grabaciones de Charlie Christian, Wes Montgomery y Charlie Parker, los que serían sus tres grandes referentes musicales. Para Benson fue un absoluto descubrimiento que le llevó a interesarse por el jazz.



Hacia 1962, poco después de cumplir los 19 años se integró en la banda del organista Brother Jack McDuff. Poco después, tras formar su grupo en 1965, Benson grabó dos discos de soul jazz y hard bop para Columbia y colaboró en otros trabajos con artistas como Miles Davis, en “Miles in the Sky”. En 1967 firma con Verve y al año siguiente, tras la muerte de Wes Montgomery, el productor Creed Taylor le ofrece la posibilidad de grabar con grandes conjuntos en sus discográficas A&M (1968-1969) y CTI (1971-1976). Estos discos le convirtieron en una estrella del jazz, y su música empezó a adquirir resonancia.



El tema que da título al trabajo que os presentamos hoy, Weekend in L.A. Desde el Festival de Montreux del año 1986. El precioso sólo de piano es de Barnaby Finch.





En 1976 es contratado por Warner Bros. y ese mismo año graba uno de los trabajos más importantes de la historia del jazz contemporáneo, el merecidamente aclamado “Breezin’”. Desde entonces y hasta el final de la década de los 70, George Benson encadenaría algunos de sus más importantes trabajos; el famoso doble amarillo “Livin’ Inside Your Love” (1977), “In Flight” (1977), su poderoso directo “Weekend in L.A.” (1978) y “Give Me the Night” (1980), su trabajo más funky hasta la fecha, producido por Quincy Jones.



Durante los ochenta frecuentó material más comercial pero casi nunca exento de calidad. Discos como “In Your Eyes” (1983) o “20/20” (1984) tienen su interés aunque obviamente están impregnados de un carácter más pop lo cual para los críticos de jazz suele ser, lamentablemente, sinónimo de basura. En esta linea me gustaría comentar las recientes declaraciones de Quincy Jones quién afirmó textualmente que quién no se hubiera enterado a estas alturas de que “Baby Be Mine” de Michael Jackson (contenida en el famoso “Thriller” del desaparecido artista) encierra la misma complejidad que “Giant Steps” de John Coltrane es que no se había enterado de nada. Y lo cierto es que compartimos las palabras de Jones. Cada artista es libre de hacer lo que le plazca y Benson siempre deseo cantar. Además tiene una voz agradable y algunos recursos que otros afamados vocalistas ni siquiera pueden imaginar.



Pero lo cierto es que Benson siempre fue un músico de jazz y nunca ha dejado de demostrarlo. A finales de los 80 grabó el excelente album de standards “Tenderly” y ya en 1990 sorprendió con “Big Boss Band” en el cual comparte créditos con la Orquesta de Count Basie. Desde entonces ha hecho básicamente lo que le ha dado la real gana, incluyendo un excelente trabajo con el vocalista Al Jarreau que tiene por título “Givin’ it Up” (2006). Y nosotros no hemos perdido la ilusión de seguir aplaudiendo a este extraordinario artista.



Hoy nos vamos a dedicar al que consideramos uno de sus más grandes trabajos, el incontestable Weekend in L.A., un doble disco grabado en el Roxy de Hollywood los días 30 de septiembre y 1 y 2 de octubre del año 1977.

Producido de nuevo por Tommy Lipuma, grabado y mezclado por Al Schmitt y con músicos de la talla de Jorge Dalto (ac. piano, keys), Harvey Mason (drums), Phil Upchurch (guitar), Ronnie Foster (keys) y Ralph McDonald (perc.), además del eterno Stanley Banks al bajo (la más mítica banda de la amplísima trayectoria del guitarrista), Weekend in L.A. es un disco que no necesita demasiadas presentaciones ya que contiene clásicos de la talla de On Broadway, versionado poco después por la banda del gran Tito Puente con Dalto en su formación; Down Here On The Ground, una revisión del tema de Lalo Schiffrin que supera con mucho el original; Lady Blue, dedicado a Billie Holiday y compuesta por Leon Russell o We All Remember Wes, escrita por Stevie Wonder para recordar a Benson que él no era el único que echaba a faltar a Wes Montgomery (Benson había compuesto previamente un tema llamado I Remember Wes, en honor al guitarrista desaparecido).



Uno de los temas más conocidos de Weekend in L.A. es este On Broadway. Recordar el sólo final de percusión de Mason y McDonald, que fue ampliamente difundido, aunque el que nos presenta en esta versión en directo no desmerece.





Nos apetece resaltar especialmente, además de los temas citados, las inspiradas Ode to Kudu y Weekend in L.A., ambas compuestas por Benson para la ocasión y It's All in the Game, una preciosa canción de Charles Dawes y Cal Sigman que incluye un delicado sólo de piano de nuestro admirado Jorge Dalto, que deja su impecable huella musical en todo el trabajo.



Esperamos que os guste.



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TRACKS



1-Weekend in L.A. Benson

2-On Broadway Leiber, Mann, Stoller, Weil

3-Down Here on the Ground Garnett, Schifrin

4-California P.M. Benson

5-The Greatest Love of All Creed, Masser

6-It's All in the Game Dawes, Sigman

7-Windsong Larson

8-Ode to a Kudu Benson

9-Lady Blue Russell

10-We All Remember Wes Wonder

11-We as Love Foster



CREDITS



George Benson Lead Guitar and Vocals

Phil Upchurch Rhythm Guitar

Ronnie Foster Electric Piano, Mini Moog

Jorge Dalto Piano, Clavinet

Stanley Banks Bass

Ralph McDonald Percussion

Harvey Mason Drums

Jazzy